художественно-графический факультет ОГПУ им. М. Горького.

В 1989 году вступил в Члены СХ России, затем - в Члены Международной Академии Графики. Участник международных выставок и конкурсов (Германия, Испания, Великобритания, Польша, Швейцария). Живет и работает в Омске.

в г. Усть-Илимске-1998г.

Проводил курсы по бумажной пластике для работников муниципального образования г. Усть-Илимска. Работы художника приобрели: Усть-Илимское ЛПК, Сбербанк, а также частные коллекционеры города и области.

В 1983 году поступил в Иркутское Училище Искусств на живописно- педагогическое отделение, где с 1985 года учился на курсе преподавателя Михаила Даниловича Воронько. Дипломной работой выпускника стал «Автопортрет», создавая который Виталий помнил слова своего учителя: «Написать себя - самое трудное. Обмануть других можно. Себя же не обманешь».

После службы в армии Виталий Николаевич Анциферов пришел работать учителем изобразительного искусства в МОУ школы №8 города Усть-Илимска. Параллельно оканчивал инженерно-педагогический факультет Иркутского педагогического факультета (ИГПУ).

29 мая 1998года в городской Картинной галерее города Усть-Илимска состоялось открытие выставки молодого усть-илимского художника В.Н.Анциферова. С днём рождения и открытием персональной выставки художника поздравила так же директор Картинной галереи Н.В.Волкова. Наталья Васильевна отметила, что в лице Виталия усть-илимские профессиональные художники впервые представили своё «второе поколение», и отрадно, что жизнь учителей продолжается в их учениках. Так как на выставке помимо работ художника были выставлены работы его учеников.

В 2012 году В.Н.Анциферова переезжает в город Иркутск на постоянное место жительства. Осуществилась его мечта - быть рядом к озеру Байкал для того, чтобы больше времени уделять любимому делу, живописи.

 С 1993 г. - член Союза художников. Заслуженный работник культуры Российской Федерации. С 1973 г. участник областных, региональных, всероссийских, международных, персональных выставок. Обладатель Диплома 1 степени областного конкурса «Вдохновление», 2009 г., Диплома Союза художников России «За успехи в творчестве и содействию изобразительного искусства в России», 2009 г., Лауреат выставки-конкурса «Лучшая работа года» за 2005, 2006, 2009 гг. С 2009 г. член творческой группы «Сибирский пейзаж».

Окончил КХУ (ученик П.П. Бенькова и В.К. Тимофеева) С 1925 г. - член ТатАХРР. Преподавал в КХУ (1937-1939 гг.) Участник выставок в 1924 - 1957 гг.в Москве и Казани. Автор живописных портретов и жанровых картин, пейзажей на волжские, камские и крымские темы, натюрмортов

В.И Сурикова. В работе Атласов перфекционист, к созданию картин подходит с особой тщательностью. Много внимания уделяет рисунку, считая его основой изобразительного искусства, к построению композиции произведения относится скрупулёзно.

Реализм в работах Михаила Ивановича приобретает особую эстетическую грань, а сибирские просторы наделяются свежестью и яркостью. Насыщенная палитра работ Атласова и особенность мазков способна придать его картинам легкость и ощущение необъятного простора сибирских пейзажей. Неудивительно, что автор так много работает в этом жанре, ведь в нем легче всего удается передать собственный взгляд на окружающий мир.

 С 1960 по 1965 год обучался в Красноярском художественном училище им. В.И.Сурикова. С 1966 года - участник художественных выставок. Член Союза художников РФ.

Пик творчества Сергея Афанасьева пришлось на 70-е гг. XX века. Линогравюры непревзойденного мастерства он посвящал родному и любимому городу Красноярску.

Автора вдохновляло сочетание природного и индустриального ландшафта, то, как гармонично вписались масштабные архитектурные сооружения в живописную среду города и пригорода. Много внимания график уделил тому, как добивалась эта гармония: изображал стройки и трудовые будни рабочих, создающих наш общий дом на территории Красноярского края.

Его строгие сдержанные линогравюры посвящены родному городу, его прошлому и настоящему. Художника привлекает неповторимый ландшафт Красноярска с его вольными раздольями, в которые естественно вписываются архитектурные сооружения: изящная чаша стадиона, здание краеведческого музея на берегу Енисея. Много листов посвятил С .С. Афанасьев стройкам Красноярского края, где фиксирует трудовые моменты, дает цельный образ в единой связи с природой края, что вносит в его листы поэтичность.

Ленинградской области, окончила Среднюю художественную школу при Академии Художеств. Потом училась в мастерской книжной графики А.А. Пахомова в Академии Художеств. В 1995 вступила в Союз художников России, в 1996 году начала иллюстрировать издания для детей.
Сейчас Елена – член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно участвующий в сезонных выставках Союза художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России.

С традицией бурятской чеканки познакомился у народного мастера Бато Анандаева. В 2006 - награжден медалью «Чингис», Золотой медалью астрологии Монголии. Участник всесоюзных, российских, зональных, зарубежных выставок.

Член союза художников СССР с 1979г.
Член союза художников России.
Почетный член московской лиги деятелей культуры и искусства.
Удостоен Золотой медалью Всероссийской творческой организации "Союз художников России"-2013г.
Заслуженный художник Бурятии.
Народный мастер – Дархан.

Новосибирского инженерно-строительного института в г. Новосибирске. 1973-1979 гг. – Ленинградское Высшее художественно- промышленное училище  им. В.И. Мухиной; отделение керамики и стекла. Учился у профессора В.С. Васильковского.

Выставляться начал с 1978 г.

Участник республиканских, всесоюзных и зарубежных выставок.

Работы художника находятся в различных музеях нашей страны и также в частных коллекциях В МНР, ГДР, ЙАР, ВНР, ПНР, Японии.

С 1979 года работает в г. Улан-Удэ и художественно-производственых мастерских.

С 1989 года главный художник художественного фонда.

Член Союза художников СССР с 1982 года.

им. В.И.Сурикова в 1980 году. Член Союза художников России с 1981 года.

Сергей Геннадьевич Бастин (18.11.1960 - 24.02.2005)

Уникальный художественный почерк С. Г. Бастина не позволяет спутать его произведения ни с какими другими. Смелые эксперименты и инновационные подходы, представленные в работах художника, отличают характер живописи Бастина. В то же время, в его работах прослеживаются мотивы импрессионизма и абстракционизма.

 Произведение «Порт» вызывает в памяти множество ассоциаций. То ли это туманный Альбион, то ли воспоминание о Клоде Моне. Пейзаж получился легким, изысканным, живописная поверхность словно тихо фосфоресцирует, благодаря тонкому сочетанию жемчужно-серебристых и золотисто-зеленых оттенков.

Произведение «Саянский мотив» продолжает принципы импрессионизма, сочетая в себе легкость мазка и колорита. Мираж, предстающий перед нами в художественном образе, передает летнее состояние природы и погружает зрителя в атмосферу сказочного пространства этих удивительных мест. 

Произведение «Порт» вызывает в памяти множество ассоциаций. То ли это туманный Альбион, то ли воспоминание о Клоде Моне. Пейзаж получился легким, изысканным, живописная поверхность словно тихо фосфоресцирует, благодаря тонкому сочетанию жемчужно-серебристых и золотисто-зеленых оттенков.

Произведение «Саянский мотив» продолжает принципы импрессионизма, сочетая в себе легкость мазка и колорита. Мираж, предстающий перед нами в художественном образе, передает летнее состояние природы и погружает зрителя в атмосферу сказочного пространства этих удивительных мест.

Ермолая Григорьевича Бахирева и его жены Марины Николаевны Лапаевой. Родители были родом из крестьян: отец и мать из села Большой Кемчуг Козульского района.

Детство будущего художника было трудным. Отец являлся человеком тяжелого нрава и считал, что наказание – главное в воспитании ребенка. Своих двух сыновей, Михаила и его младшего брата Вениамина, он воспитывал строго, считая, что похвалы портят характер.

Бахирев окончил семь классов и в 1930г, поступил в школу ФЗУ при Красноярском ПВРЗ, где должен был получить профессию сварщика. Впереди его ждала работа на заводе и подготовка к поступлению в Иркутский Восточно – Сибирский университет.

Встреча с сибирским художником Дмитрием Иннокентьевичем Каратановым в корне изменила жизнь Бахирева. Именно благодаря этой дружбе, Михаил Бахирев смог раскрыться как художник. 

Среди разнообразных и интересных материалов музейной коллекции есть уникальные документы, рассказывающие о трагичной судьбе семьи М.Е. Бахирева. Ермолай Григорьевич был человеком верующим, входил в секту баптистов, однако вера его носила чисто формальный характер. 7 ноября 1937 года ночью к дому Бахиревых подъехала машина. Сотрудник Управления НКВД по Красноярскому краю, сделав обыск в квартире, изъял в присутствии понятых «разную переписку, блокноты, книги, трудовой список и духовные книги, трудовой список и духовные книги». Все это было записано в протокол обыска, который хранится в музее. Отец Михаила Бахирева был арестован и осужден за принадлежность к секте баптистов. Из мест заключения он уже не вернулся.

Марина Николаевна и Михаил, как родственники арестованного получили статус членов семьи врага народа и были высланы из г. Красноярска. Желание вернутся в город, не поддерживалось местными властями, об этом гласят извещения, запрещающие Бахиревым проживать в Красноярске. Одно из таких извещений так же находится в коллекции музея. Они жили в селе Емельяново. Преследование семьи со стороны властей продолжалось. Сыну врага народа было отказано в получении достойного образования.

Источник: Тайны музейных кладовых/ под ред. В.М. Ярошевской. - Красноярск: ООО "Издательство Поликор", 2013.

Друг и наставник Каратанов помог Михаилу устроиться оформителем в музей. И далось ему это не просто, из-за репрессированного отца Бахирев имел дурную славу сына «врага народа». Годы работы в краеведческом музее стали для будущего художника настоящей школой живописи.

В творчестве Бахирева все пронизано любовью и почитанием природы родного края, восхищением ее безграничным потенциалом. Это видно из подавляющего большинства пейзажных работ, однако Бахирев так же рисовал портреты, как правило, на заказ, в качестве дополнительного заработка.

 Сегодня работы М.Е Бахирева хранятся в запасниках Красноярского Краевого краеведческого музея, а так же в разнообразных частных коллекциях

институте по специальности «Архитектура» (1976-1981). 1982-1998 – Красноярский творческо-производственный комбинат Художественного фонда Союза художников России. Член Союза художников 1998 г.С 2001 г. – член правления, заместитель председателя Красноярской региональной организации ВТОО «Союз художников России». Участник художественных выставок с 1989 г.

Работы находятся в музее Русского искусства (г. Харбин, Китай), в художественном музее (г. Новокузнецк), в Абаканской картинной галерее, в частных коллекциях Японии, Германии, Китая.

Увлекся живописью в раннем детстве. Заметив увлечение сына, родители устроили его в местную художественную школу, где он взял всего несколько уроков, после чего потерял интерес к классическим художественным традициям. В творчестве, Ивана куда больше влекла идея свободы самовыражения, именно поэтому его графика столь специфична. Работы не только выполнены в необычной манере (используется техника коллажа, аппликаций и т.д.), но и несут в себе глубокий философский смысл, наполнены символизмом и уникальным авторским видением.

После школы Иван поступил на исторический факультет Ивановского государственного университета. Пять лет, проведённые в стенах исторического факультета, оказались для Ивана ключевыми в становлении и развитии его, как личности.

В 2007 году состоялась первая персональная выставка автора в городе Иваново.

художественное училище им. В.И. Сурикова. С 1965 по1990 год преподавал живопись в детской художественной школе им. В.И. Сурикова.

С 1965 года регулярно участвовал в краевых, зональных и республиканских выставках, его работы можно найти в сибирских музеях, а так же в частных коллекциях России и зарубежья. С 1989 г. - член Союза художников России.

Главной темой творчества Виктора Петровича являлась неповторимая сибирская природа.  Еще одним важным направлением в работах Белинского всегда являлось изображение древних русских храмов, но тема сибирской природы имела особое место в творчестве художника. На протяжении всего своего творческого пути он создавал большие циклы живописных полотен, связанные с Саянскими горами, тайгой и великими реками Сибири.

Скончался Виктор Петрович 8 сентября 2011 года на 75-ом году жизни, оставив после себя огромное количество замечательных работ.

контрастно отличающийся от других. Он интересен для изучения как в области техник и приемов, так и в плоскости тематики и философии работ. г. Дивногорск. Родился 22 июля 1946 года в г. Ярославле. Приехал в г. Дивногорск, работал плотником-бетонщиком на строительстве Красноярской ГЭС с 1961 года. С 1973 года по 1991 год работал в Красноярском филиале художественного фонда СССР художником-оформителем. Автор памятника Победы в г. Дивногорске. Почетный гражданин города Дивногорска: «За большой вклад по художественному оформлению города Дивногорска, за успехи, достигнутые в труде, искусстве». Участник городских выставок. Большая авторская коллекция работ художника хранится в фондах Дивногорского художественного музея.

школой, которую он окончил с отличием и сразу стал работать оформителем в Красноярском художественном фонде. Нехватку образования он возмещал трудолюбием и талантом. Активно участвовал в городских, краевых и всесоюзных выставках, в его творчестве преобладали портреты и жанровые работы, однако любил он писать и пейзажи, и натюрморты.

художественном училище им. Сурикова. Участник многих художественных выставок с 1973 г.

Член Союза художников России с 1989 г. Живёт и работает в г. Красноярске.

Участие в выставках:

1973 – Зональная выставка изобразительного и прикладного искусства молодых художников Сибири, г. Омск.

1975 – Краевая художественная выставка, г. Красноярск.

1975 – Четвертая зональная выставка , г. Томск.

1976 – Выставка, посвященная 40-летию Красноярского края, г. Красноярск.

1976 – III республиканская художественная выставка «Молодость России», г. Москва.

1977 – Республиканская художественная выставка к 60-летию Великого Октября, г. Москва.

1978 – Вторая Всероссийская выставка «Рисунок и акварель», г. Ленинград.

1980 – VI республиканская художественная выставка «Советская Россия», г. Москва.

1980 - Выставка «Сибирь социалистическая», г. Барнаул.

1985 – Всероссийская выставка «Мы строим БАМ», г. Москва.

1987 – Выставка творческих работ художников-графиков России, г. Красноярск.

1988 – Персональная выставка, г. Красноярск.

1989 – VI Всероссийская выставка эстампа, г. Москва.

1990 – Всесоюзная выставка акварели, г. Москва.

1991 – Всероссийская выставка «Рисунок-91», г. Москва.

1992 – Международная выставка графики «Биеннале-2», г. Калининград.

1993 – Региональная выставка «Сибирские художники», г. Новосибирск.

1995 – Первая Красноярская музейная биеннале, г. Красноярск.

1996 – Региональная выставка «Храм древних богов Сибири», г. Красноярск.

1996 – Персональная выставка, г. Канск, Красноярский край.

1997 - Персональная выставка, г. Канск, Красноярский край.

1997 - Персональная выставка, г.Шарыпово, Красноярский край.

1998 - Персональная выставка, г. Назарово, Красноярский край.

2002 – Персональная выставка, г. Красноярск.

2004 - Персональная выставка, г. Красноярск.

2005 – Выставка, посвященная 100-летию Союза художников, г. Красноярск.

2006 – Выставка красноярских художников в Германии «Сибирский ветер», г. Берлин.

2006 - Выставка красноярских художников в Китае, г.г. Харбин, Пекин, Шанхай.

2007 – Международная выставка «Транзит-Евразия», г. Харбин.

2008 – Выставка «Тунгусская звезда», г. Санкт-Петербург.

2009 - Выставка «Тунгусская звезда», г. Красноярск.

2009 – Выставка красноярских художников в Германии, г. Эрвитте-Хорн.

2009 – Выставка художников Красноярска «Сибирь - Недальний Восток», г. Владивосток.

Красноярского графика Михаила Бирюкова при всём желании не назовешь салонным художником, который работает на потребу капризной публике и модным течениям. Он всегда верен своему стилю, художественному призванию, в искусстве идет своей дорогой, которую сам прокладывает, постоянно экспериментируя, всё время находясь в творческом поиске.

У художника свежее и оригинальное, не замутненное авангардными выкрутасами и конъюнктурой, видение родной, близкой ему по духу, сибирской природы, которому он не желает изменять. Что не мешает творцу с каждой выставкой открывать зрителю новые грани и оттенки обыденных, казалось бы, пейзажей и предметов. Детская непосредственность восприятия, помноженная на профессионализм – вот отличительная особенность его работ.

Перед ним никогда не стояло проблемы поиска натуры и выбора материала, ведь для настоящего художника натура - весь окружающий мир, а материалом может стать что угодно: камень, дерево, металл… Главное - увидеть этот мир так, как до тебя его не видел никто другой. Это Бирюкову великолепно удается: перед его работами, будь то акварель или офорт, всегда завороженно останавливаешься, они притягивают взгляд. Ценители и почитатели творчества художника говорят, что его листы несут в себе радость узнавания и открытия того, мимо чего мы часто проходим в суете будней, не задумываясь, не замечая неброской красоты простых вещей. Ну, дорога, ну, лес, ну, тёжное озерцо... Обычный сибирский пейзаж, мы в нём живём, привыкли. Чай не Венеция с ее гондолами, не остров Таити с буйством цветов и красок, а уголок темнохвойной тайги, ручей подо льдом, куст облетевшей черемухи, заснеженная деревенька, дымки над крышами, курганы в степи, тихий зимний вечер... Однако, попав на листы одарённого колориста, все эти образы окружающего мира становятся чистой воды искусством, наполняются жизнью и смыслом – они то дышат грустью и ностальгией, то удивляют буйством палитры, то поражают смелой эклектикой цветовых сочетаний. А в итоге рождается гармония. У посетителей выставки замирает дыхание и открываются глаза.

Акварель, на взгляд дилетанта, «лёгкий жанр». Для неё требуется всего ничего - лист бумаги, коробка красок, кисть, банка воды... Но акварель, когда за нее берется настоящий мастер, - техника чрезвычайно сложная и взыскательная. она требует от творца очень много души и подлинного таланта, не говоря уж о виртуозном владении техникой. Акварель свободно допускает любые эксперименты и формальные изыски, но по-настоящему позволяет раскрыться только мастеру, чья человеческая и художественная натура тонка, наблюдательна и трепетна.

Его акварели - это в прямом смысле мгновенные зарисовки с натуры. Он называет их «настроениями». Многие из своих листов художник создал буквально за пять-десять минут, и это не этюды, а вполне законченные, самостоятельные произведения. Художник считает, что первое впечатление - самое сильное и настоящее. И умеет донести его до зрителя посредством нескольких точных мазков, верно схваченного состояния природы. Что совсем непросто, когда работаешь с капризной акварелью, которая подчиняется не каждому.

Его листы рождаются «здесь и сейчас» - в непосредственном контакте с изображаемым объектом. Художник не любит работать в мастерской, предпочитая творить на пленэре, причём в любое время года, в любую погоду. Чтобы это стало возможным, он много лет, как сам признается, «отрабатывал технологию». Поэтому для Михаила не проблема - создать акварель, стоя прямо на снегу, в 30-градусный мороз. Для этого он своими руками изготовил массу всевозможных приспособлений: есть у него крохотные жестяные печки, работающие на дровах, есть всевозможные бензиновые и газовые горелки, есть тёплые контейнеры для красок и этюдники с подогревом. Главная задача всего этого арсенала – не дать краске, бумаге и кистям застыть на морозе, да и самому не замерзнуть.

Впрочем, если даже отнять у художника его зимнее «снаряжение», он всё равно будет рисовать в мороз – разведёт вокруг несколько жарких костров, как уже бывало, и расположится между ними: богатый опыт скитаний и экспедиционной работы не проходит даром. С друзьями -- археологами и геологами -- Михаил истоптал сотни километров сибирских просёлков и таёжных троп, ночуя в палатках, чумах, а то и под открытым небом. Один из его товарищей рассказывал на открытии выставки, как художник однажды взял и нарисовал на стоянке рисунок отточенным, как бритва, топором на гладкой доске. Людям понравилось.

Но ему и этого мало, он хочет добиться еще большего единения природы с творчеством – недавно задумал травить офортные доски прямо в тайге, и здесь же - печатать листы!

Зачем?! – крутят снобы пальцем у виска.

А ему – плевать на скучных снобов. Ему интересно – что получится? Он уверен – это будет нечто другое, новое.

И оно получается. Как ни у кого.

Для таких «экспедиций» уже заказан у токарей портативный походный станок. «Ведь такого еще никто не делал! – взволнованно говорит художник. – Я попробую.»

Сделает. В этом он весь – лёгких путей в искусстве не ищет, всегда в движении,.

 Творчество Михаила Бирюкова началось в конце 1960-х – начале 1970-х годов, когда в изобразительном искусстве Красноярска появилась большая группа молодых художников, выпускников Красноярского художественного училища им. В.И.Сурикова. Это были яркие дарования, продолжившие традиции самобытной, богатой индивидуальностями красноярской школы изобразительного искусства, сумевшие внести в нее свое собственное видение, свежую струю.

Михаил Бирюков с первых шагов в искусстве обратился к графике. Здесь его привлекало всё: рисунок, акварель, эстампные техники. Увлеченный человек, прекрасно знающий сибирскую природу, Михаил ходил по тайге и тувинским степям, бывал на северных реках и в Саянских горах, работал в геологии, где не расставался с карандашом, альбомом и акварелью. А в дальние переходы и на таежные зимовки - бывало и такое (сторожем на базе оставался, чтоб рисовать) - брал с собой еще и заготовки для офорта. Когда уж совсем было некогда, когда на ходу, в пути, набрасывал этюды простым карандашом, то помечал на них цвета буквами: «К» - красный, «З» - зеленый… В мастерской, конечно, всё это потом творчески переосмысливал.

Каждая такая поездка давала большой материал: серии акварелей, рисунков, офортов, наполненные любовью к миру, чистотой нетронутой человеком природы.

Стоит ли удивляться, что ведущее место в его творчестве занимает пейзаж Сибири, тех ее краев, где удалось побывать - от ковыльных тувинских и хакасских степей до северных бескрайних просторов.

Искусство Бирюкова всегда жизнерадостно по мироощущениям. В ранних его листах можно было видеть радость открытия вечно прекрасного мира, желание выплеснуть на бумагу восторг и удивление перед многоликостью и красотой всего сущего. С возрастом умение радоваться жизни, любоваться ее красотой сплавляется в его творчестве в единое целое, в котором есть место грусти, радости, жизни, смерти, вечности, - пишет искусствовед Татьяна Ломанова.

В работах последних лет присутствует некая затаенная грусть, которая пронизывает листы. Пример тому – серия акварелей, раскрывающих чудо ежедневного и каждый раз неповторимого восхода солнца. Акварели рассказывают о новизне каждого рассвета, когда ночь на исходе, и все живое ожидает появления первого солнечного луча. В одних листах художника завораживает звенящая тишина момента, когда появляется первый луч. В других – величие и торжественность светила звучит как гимн нарождающейся жизни, в третьих – ошеломляющая красота восхода вызывает у мастера кисти такие богатые цветовые ассоциации, что для передачи своего состояния ему не нужен сюжет, лишь ощущения, раскрытые в звучной цветовой гамме. И тогда им создаются почти абстрактные обобщенные композиции, в которых главное – музыка цвета.

Еще одна серия акварелей заставляет размышлять о вечности и бренности жизни – серия, посвященная древним курганным могильникам и менгирам, разбросанным по сибирским степям. Тысячелетия стоят они немыми свидетелями прошедших эпох, а над ними бесконечной чередой идут восходы, освещая их рождающимся утренним светом, льют дожди, каждое лето поднимаются новые травы. Многие художники создавали работы, посвященные этим тысячелетним степным сторожам, но Бирюков раскрыл в серии свое отношение, свой мир образов, в котором он отражает гармонию всегда изменчивой и всегда молодой жизни (солнце, дожди, туманы, травы) с вечной тишиной древних курганов.

Его акварели отличаются плотностью и интенсивностью гаммы, яркими контрастными световыми сочетаниями. Автор охотно использует горячие красные, оранжевые, желтые цвета, смело сопоставляя их с тёмными, плотными контрастами. Казалось бы, всё делается не так, как принято в прозрачной акварели, а в результате из-под кисти художника выходят красивые, сбалансированные по цвету, насыщенные листы, остро передающие настроение автора.

Для художника понимание красоты заключается в постоянной изменчивости и неповторимости каждого момента. В его листах – вечное противостояние уходящего лета и наступающей осени, мерцающая тишина озер под бесконечным небом, изменчивые облака. И все же в этих листах не только восхищение неповторимостью природы, в них – размышления зрелого мастера о жизни, и это наполняет работы М.Бирюкова глубиной, значимостью, - так говорит о его работах профессионал искусствоведения Т.Ломанова.

Обращение к акварели – это лишь одна сторона творчества Михаила Бирюкова. Не менее плодотворно работает художник в эстампных техниках, а именно в офорте. Здесь его диапазон более широк: от пейзажей до образов древнего наскального искусства. Его плотные, богатые по тональной разработке и штриховому разнообразию листы обладают красивым ритмом, интересны по композиции. Офортам свойственна та же внутренняя динамика, что и акварелям. Автор много экспериментирует в гравюре на металле, использует многие ее разновидности, в каждом листе ставя сложные задачи и решая их.

Свою разножанровость он объясняет просто: искусство - это неделимое целое. По большому счету нет живописцев, графиков, скульпторов - есть художники. И он - один из них.

Путешествуя с археологами, М. Бирюков познакомился с наскальным искусством Тувы и Хакасии и горячо увлекся им. Огромное впечатление, оставленное от встреч с прошедшими эпохами, вылилось в серию офортов на «петроглифические» темы: лошади, олени, сарлыки словно сошли с наскальных писаниц на листы красноярского графика. Но он не слепо копирует древнюю живопись, а создаёт новые авторские, художественные образы, навеянные знакомством с искусством далеких предков. Они наполнены желанием современного художника познать мир прошедших эпох, проникнуть в космогонизм представлений древних поселенцев Сибири. Офорты «по наскальным мотивам» занимают сейчас в его творчестве одно из главных мест. В мире такими «римейками» занимаются сегодня единицы – уж очень увлеченным, знающим и трудолюбивым художником нужно быть, чтобы во всём этом разбираться, чтобы чувствовать и понимать красоту и ценность древнего искусства.

Наскальными рисунками Михаил занялся давно - еще в начале семидесятых. В те годы он часто бывал в экспедициях, объехал почти весь Красноярский край, Хакасию и Туву. И практически везде, где был, встречал наскальные рисунки.

Первое время занимался ими, в основном, в силу своих служебных обязанностей - поскольку работал штатным художником у археологов. Делал копии и эстампажи, которые потом вместе с отчетами ученые передавали в музеи. Но копии - это документы, а Бирюков - художник. Для него рисунок на камне - не столько молчаливый свидетель минувших эпох, сколько произведение искусства, выполненное сотни лет назад чьей-то умелой и наверняка талантливой рукой. Постепенно пришло увлечение, которое осталось на всю жизнь.

«Со стороны кажется - такое искусство проще простого, очень доступно. Но когда я принялся более внимательно изучать эти рисунки, то был поражен, - говорит Михаил. - Первобытные люди были большими художниками. Каждая точка у них находится на своем месте. Изображение даже меняется - в зависимости от времени суток. Утром там работают одни точки, в полдень - другие, вечером - третьи. На скале происходит движение. Становится другим объем, цвет, даже характер животного. Это очень сложное искусство.»

В том, что это именно искусство, Бирюков не сомневается - вопреки распространенному мнению о том, что основная функция наскальных рисунков - ритуальная. Мол, с их помощью древние жрецы задабривали духов природы и молили ниспослать им удачную охоту. Он уверен: главная причина, по которой они появились, - желание первобытного человека нарисовать то, что он видит, передать свое восхищение природой. У наших далеких предков тоже была такая внутренняя потребность – рисовать. Не для каких-то утилитарных целей, а потому что душа просила! По словам Бирюкова, у первобытного художника и у современного - задачи одни и те же. Изображение вроде бы натуралистическое, но все лишнее из него убрали, оставив движение и пластику, а в результате получился художественный образ.

К древним своим коллегам Бирюков относится с величайшим уважением. И считает, что мы недооцениваем предков. На скалах есть изображения не только животных или воинов, но и целые карты звездного неба. Их точность такова, что по ним при желании можно ориентироваться до сих пор.

Естественно, только рисунками на бумаге здесь ограничиваться Бирюков не стал - у него есть целая серия работ, выполненных в камне. Причем не только в условиях мастерской, но и "на пленэре" - то есть непосредственно на скалах. Каждый такой рисунок художник сейчас маркирует - чтобы его случайно не приняли за древний. А то бывали случаи – археологи ошибались. Говорили: «Зачем ты нас путаешь?» Художник спорил: «Имею право! Где хочу – там рисую.»

«Часто меня спрашивают - зачем я рисую на скалах? - говорит Бирюков. - На этот вопрос у меня уже давно готов ответ. Есть материалы, которыми пользуется художник. Холст, бумага, дерево, металл... Никто не может ограничивать его в выборе материала. А чем камень или скала принципиально хуже холста?»

Бирюков смеётся: «У Гогена был остров Таити, у Моне – его пруд с кувшинками, который он постоянно рисовал, а у меня есть любимая Жуковка. Ничуть не хуже!»

Эта неприметная сибирская деревня, что в ста километрах от Красноярска на запад по Транссибирской магистрали, стала в последние годы для художника неисчерпаемым источником вдохновения. Здесь у него есть дача, она стоит в живописном месте, на краю деревни. У самой тайги, в устье ручья Жуковка, впадающего в реку Кемчуг. Покосившийся домик с огородом и буйными зарослями черёмухи расположились, считай, на полуострове, потому что с трёх сторон – вода. Большинство работ последних лет сделаны художником именно здесь.

«Иногда я и сам не пойму, - признается он, - где у меня главная мастерская – здесь, или в Красноярске? Мой полуостров – такое чистое, благодатное и светлое место, хоть церковь ставь. Тут отличная, как сейчас модно говорить, «энергетика». И есть для работы всё, что нужно, здесь я с удовольствием рисую и отдыхаю душой, здесь меня посещает Господь.»

Деревня и ее окрестности, тайга, излучины, берега и заветные старицы Кемчуга десятки раз изображены художником на его листах - утром и на закате, осенью и зимой, при разном свете и в разную погоду. Ходить далеко не надо, всё перед глазами: белый снег, а на нём – заячьи следы; чёрная вода, бобровая плотина, зелёные ели, нарядные кусты - и вот появляется еще один неповторимый пейзаж.

Одна из лучших акварельных серий Бирюкова так и называется - «Деревня Жуковка зимой». Такой светлой грустью, покоем и любовью веет от этих работ, так просто, скупо и точно схвачена в них эта скромная сибирская деревня, состояние природы...

Есть среди работ художника триптих «Енисей». Изображена река в разную погоду. Небо, вода, берег... Какие краски, полутона, свет, какое неожиданное видение натуры! Не случайно некоторые поклонники Бирюкова, не из числа искусствоведов, осторожно говорят, что есть в его работах что-то от импрессионизма. А он и не скрывает, что любит импрессионистов, они оказали на него большое влияние, как, впрочем, и на всё современное искусство.

В Жуковке написана одна замечательная акварель-«настроение», маленькая такая неброская работа, которую хочется отметить особо, – «Звёздный вечер». На ней вы не увидите россыпей ярких, ослепительных звезд -- их там всего несколько. Три или четыре. Но они здесь так к месту, так выразительны, что не остается сомнений -- вечер был действительно звездным, и художник увидел его именно таким. Три-четыре звезды - как три-четыре ноты, из которых рождается прекрасная мелодия. Вообще, если сравнивать акварели Бирюкова с музыкой, то это чаще всего музыка тихая и проникновенная. Именно такой, когда вокруг гремят барабаны и наяривает гармонь, людям сегодня очень не хватает.

«Я хожу по земле, смотрю на звезды, восходы и закаты, чтобы потом запечатлеть все это в красках», - признаётся художник. И в его словах нет пафоса – он так живёт.

Не случайно даже его чёрно-белая графика, как это ни парадоксально, играет цветовой палитрой. Для этого особый талант нужен: заставить зрителя увидеть много цветов, пользуясь только двумя. Как точно и профессионально выверены полутона, как мастерски изображена вода в ранних его офортах из серии "По Тубе". Какая мощь и широта сибирского пейзажа в офорте «Долина»!

В том, что Бирюков, восхищающийся цветом, предпочитает работать в столь сложной графической технике, ничего удивительного нет. Наша планета не всегда освещена солнцем. В ночи - в чёрно-белом - есть тайна. Загадка, которая будоражит. Цветной мир - это мир, в котором мы живём, а чёрно-белый, уверен художник, - это мир параллельный. Графичный, очень конкретный, который пришёл к нам из древности - вместе с наскальными рисунками.

Художник постоянно участвует в краевых, региональных, республиканских и международных выставках. Его произведения находятся в собраниях музеев Красноярска и края, в музеях Сибири, в Дирекции выставок Росизопропаганды в Москве, в частных собраниях.

Хакасские курганы, саянская осень, река Кемчуг, степные озера, оттенки вечернего снега, наскальное искусство… Вся прекрасная сибирская земля, вдохновившая мастера, запечатлены им в красивых, сочных акварелях, звучных, тонально богатых офортах. Он щедро дарит их людям, не прерывая творчество ни при каких обстоятельствах. Художник продолжает работать, задумывает новые поездки, новые серии, изобретает новые свои «технологии», потому что он – Художник.

(При подготовке очерка использованы статьи искусствоведа, засл. работника культуры РФ  Татьяны ЛОМАНОВОЙ, журналистов Дины ЗВЕРЕВОЙ и Сергея БУРЛАКУ.)           

художественное училище, Кяхта, Республика

Бурятия.

1998 - 2004 гг - учеба в Дальневосточном государственном институте искусств,

Владивосток.

С 1998 года постоянный участник региональных, всероссийских и международных

художественных выставок.

С 2008г. - член Союза художников России.

Работы находятся в частных коллекциях в России, Южной Корее, Японии, Германии.

Аннотация к выставке ШАМАНСКИЕ ТРОПЫ

В современном искусстве повсеместно возрождаются духовные традиции, как буддийские, так и шаманские. Искусство же - это призма, через которую отражается действительность. И поэтому главным для художников становится осмысление своей сопричастности к истокам народных традиций.

Работы художника Евгения Болсобоева - это слепок энергии времени и пространства, ночных хороводов, костров, камланий, родовых обоо, священных деревьев и духов-предков. Выполненные в приглушенно-темных тонах работы художника отражают тайный мир шаманизма, древние сказания и легенды. Автор применяет для своих произведений разные материалы: ткань, дерево, монеты, шкурки, папье-маше.

Лейтмотивом большинства работ выступает бубен, который олицетворяет как самого шамана, так и его средство для перемещения по иным Мирам. Бубен шамана выступает как главный персонаж, то с человеческими чертами лица, то как образ предка-покровителя, то как символический знак мироздания в понимании предка-шаманиста.

В работах художника отражены принципы единства мира, вечность человеческого существования в круговороте бытия и осознание связи времени и поколений. Произведения художника, обращенные к многовековым народным традициям, придают современному бурятскому искусству национальный колорит и самобытность.

Бальжурова Арюна Чингисовна

научный сотрудник

Музея истории Бурятии

им. М. Хангалова

деятельность, высокий профессиональный и творческий уровень его полотен и графических листов свидетельствуют о необыкновенном таланте, особом видении мира и его художественном осмыслении.  Живопись автора строится не на основе поверхностных впечатлений и переживаний, а из самых глубоких философских размышлений о мире и о человеке, о смысле о жизни и смерти. И во всех своих картинах он находит ту художественную правду, которая становится убедительной и для зрителя. По – утверждению  самого художника: «…второе мое эстетическое кредо – творчество должно быть жизнеутверждающим. Ведь на картину, висящую в доме, человек будет смотреть долго, а потому она должна обладать силой и притягательностью. Зримый образ легко входит в душу человека, живет в ней. И диалог не будет прерван, если он будет дарить радость и наполнять добрыми чувствами. Поэтому я создаю радужную гармонию красок. Тонкие серые тона созвучны той части души, которая склонна к рефлексии, к думам и размышлениям, порой грустным. Есть у меня и такие картины, но их меньше».

В новом перфомансе Сергея Бондина « Тулупчик Петруши Гринева» сверхзадача художника – уменьшить исторически сложившийся зазор между художником и зрителем, приблизить  к особенностям творческого мышления и восприятия, снизить уровень непонимания между художником и обществом. Зритель становится свидетелем внутреннего монолога художника в процессе работы над картиной – события никем никогда не фиксированного, являющегося немалой лакуной в науке психологии художественного творчества. В помощь зрителю понять роль созерцания в образном видении мира – методе, который используют художники в работе над композицией вошел научный, художественный, педагогический и артистический аспект.

1955 г. – Родился в г. Туймазы (Башкирия)
1980 г. – Первая персональная выставка в санатории «Озеро Тагарское».
1984 г. – Окончил Красноярское художественное училище им. В.И. Сурикова, театральное отделение.
1984-1990 г.г. – Работал преподавателем в Детской художественной школе г. Минусинска.
1988-1989 г.г. – Оформлял спектакли в театре «Рампа» (режиссер В. Соколов) г. Абакан, Педагогический институт и в детском театре «Клипер» г. Минусинск.
1989 г. – Автор выставки скульптур «Корабли» (брёвна, корни, палки, земли, проволока, ржавое железо) возле горы Тепсей ( сохранилось в кинодокументах).

Награды: 2002 - 3-я премия выставки «Вера без дел мертва» УСДВ PAX (Красноярск); 2004 - 1-ая премия выставки-конкурса «Минусинская палитра» (Минусинск); 2006 - 1-ая премия, там же. Произведения хранятся: в Минусинском краеведческом музее им. Н.М. Мартьянова, Минусинской городской картинной галерее, в Институте искусств Оскарсхамн (Швеция), Историческом музее Кальмар (Швеция), литературном «Баренц-центре» (Швеция), в частном собрании С. Образцова, семьи Вишневских и других коллекциях России, Швеции, США. Персональные выставки: 1990 (Красноярск, Дома художника); 1990 (Институт искусств, Оскарсхамн); 1994-1995 (Народный дом и Исторический музей, Кальмар; библиотека Охус, Швеция); 1997 (г. Калач, Воронежская область); 1997 (Минусинская городская картинная галерея); 1999 (Минусинский драматический театр); 1997 (Красноярский историко-культурный и музейный центр «Музей на Стрелке», в/зал СХ «Чылтыс») и другие.

1990 г. – Выставка в Центральном выставочном зале Дома Художника, г. Красноярск.
1992-1993 г.г. – Учился в Швеции в Институте искусств на художественном факультете, где изучал графику, скульптуру, текстиль, керамику, языки.
1994-1995 г.г. – выставки в Швеции.

В данное время живет и работает в Минусинске.

художника Сергея Васильевича Бондина.

С 1998 года Варвара участвовала в выставках разного уровня по всему Красноярскому краю. Она так же  выступила в качестве иллюстратора к четырем поэтическим сборникам, изданным в Минусинске.

В 2003 году в шведском журнале “LaEspero” появился рисунок художницы – портрет Астрид Линдгрен в окружении героев ее книг.

Работы Варвары Бондиной по стилю и сюжету напоминают русский лубок, стиль, гармонично сочетающий в себе фольклорную эстетику и наивно-примитивное творчество древнерусской миниатюры.

Еще одной темой работ Варвары являлась религиозная тема, с ее постулатами любви к Богу, человечеству, миру, сочетающимися с безграничной верой в добро. Центральными, в этом плане, являются образы ангелов, часто изображаемых художницей в своих работах.

Что касается темы семейных ценностей, материнства и почитание православных традиций, Варвара знала обо всем этом не понаслышке. Как многодетная мать, она осознавала роль духовности в воспитании подрастающего поколения.

Имя Варвары Бондиной получило известность не только на территории Хакасии и юга Красноярского края. Множество раз ее работы были представлены на выставках Москвы, Новгорода, Красноярска и даже Европы. В частности, в Швеции состоялась персональная выставка художницы.

Работы Варвары Бондиной хранятся в фондах Минусинской картинной галереи и Краевого центра народного творчества, а также во многих частных коллекциях по России и за рубежом.

представит «Семь работ, которые потрясли мир».
«Человек на протяжении всей жизни формируется из информации, получаемой извне. Поэтому скульптура создана из хранителей и накопителей информации — книги, диски, перфокарты, перфоленты, кассеты, дискеты, CD, DVD, флэш-память».

Подробнее вы можете познакомиться с работой автора в разделе скульптура на нашем сайте. Описание работ представлены здесь.

Мыслеформа №1 носит название :

“ВЛАСТЬ” (Power)

Работа выполнена в форме  “лошадиной головы”, неоглядно мчащейся вперед, не обращающей внимания ни на что по сторонам, по причине наличия шор на ее глазах…  Шоры стилизованы под фрагменты долларовых купюр…

Работа изготовлена из техно продуктов цивилизации – радиоэлементов, что, по замыслу автора, символизирует нынешний индустриальный, прагматичный век. Стилизация под  лошадь означает пусть сильную, но все же животную страсть, страсть к накопительству, стяжательству и потребительству.

В общественном сознании лошадь ассоциирует всегда с животным, которое призвано помогать людям, то есть заниматься тем, чем и должна заниматься власть. Но властьимущие, забывая об этом, уподобляются именно такой зашоренной лошади…

Главный и потаенный смысл работы показать не столько “зашоренность” ВЛАСТИ – как системы управления, сколько  ВСЕОБЩУЮ зашоренность мира людей - ВЛАСТЬЮ ДЕНЕГ !

Работа сопровождена глубокомысленной фразой Станислава Лемма: “Те, кто надел на глаза ШОРЫ должны помнить, что в комплект входят еще УЗДА и КНУТ”...

Мыслеформа № 2 носит название :

“СОВЕСТЬ” ( Conscience)

Работа изготовлена в форме дерева с распустившимися плодами в виде монет и купюр разного номинала. Причем металлические монеты представляют из себя реальные (настоящие) денежные знаки, с увеличивающимся номиналом от низа до верха. А крупные бумажные деньги, растущие наверху, являются при внимательном рассмотрении, поддельными, что символизирует то, что на самом деле, большие деньги всегда “ненастоящие”, всегда фальшивы…

Но базис работы - это почва, на основе которой произрастает это дерево. Она состоит из восьми пар противоположностей, которые ярко характеризуют человеческие качества и характеры (всего шестнадцать, по числу известных в современной соционике, психотипов личности). Поскольку мы все, живущие в этом мире, вынуждены зарабатывать себе на жизнь, то деньги, заработанные нами, являются прямыми плодами наших человеческих или бесчеловечных качеств.

Просто в процессе  “зарабатывания на жизнь” - каждый выбирает по себе...

Деньги - как кровеносная система в организме под названием “Совесть”. Листья-деньги на дереве, падая в “грунт”, образуют питательную среду для дальнейшего роста тех или иных качеств. Какое качество подпитает та или иная монета в следующий раз нам неизвестно, но процесс этот носит циклический характер.

Поэтому эта инсталляция носит еще другое название “ КРУГОВОРОТ СОВЕСТИ В ПРИРОДЕ ”.

Мыслеформа №3 носит название :

“ГОСУДАРСТВО” (State)

Эта работа намеренно изготавливалась с применением “подручных материалов” (кухонной утвари – кастрюль, кружек, поварешек, вилок и ложек). Такой принципиальный аскетизм в примененных материалах подчеркнуто демонстрирует ту незамысловатость и простоту, с которой живут большинство населения. Люди воспринимают социальный мир в основном посредством  телевидения (в данной работе это ассоциировано с видеокамерой), зачастую не понимая, что оно (телевидение) является способом агрессивного воздействия на сознание обывателя. Очень часто  -  это способ прямого насилия и программирования сознания, поскольку основой современного телевидения являются большие деньги, которые требуют все больших и больших жертв.  Большинство из тех, кто влияет на общество через телевидение,  совсем не заинтересованы во взращивании собственных конкурентов, им гораздо выгоднее навязывать низменные инстинкты (на уровне “жрите и размножайтесь”, ведь нам нужны рабы).  Благодатной почвой для такого прополаскивания  мозгов является наивное общественное сознание.

 С другой стороны этого, подвергаемого насилию организма, пристроились силовые ведомства и структуры (в данной работе это ассоциировано с резиновой дубинкой), которые собственно и не скрывают, что они органы насилия, а основой таковых зачастую является грязь и дерьмо… Между тем результатом такого насилия бывает нежелательная беременность. Общество, беременное насилием – не может “родить” что-либо достойное. ПЛОДЫ такого насилия даже не осознают , что ОНИ - есть результат насилия ! Они живут внутри такового общества и не могут посмотреть на это “со стороны”.

Мыслеформа № 4 носит название  :

“ЦИВИЛИЗАЦИЯ” (Civilization)

Работа выполнена в форме растущего дерева с прямой аналогией с тем как развивалась человеческая цивилизация с низу до верху. Вначале человек мог пользоваться только землей, камнем и деревом, затем в его обиходе появились строительные материалы такие как известняк, глина, отожженная глина (т.е. кирпич), далее появились бумага, цветные и черные металлы, стекло, пластмасса, металлическая проволока, кремний и т.п. На основе этого были придуманы различные вещи, как например, катушка индуктивности и конденсатор. Затем появились телефон и радио, электролампы и полупроводники, различные радиоэлементы. Потом телевизор и видеомагнитофон, калькулятор и компьютер, радиотелефон и сотовый телефон, видеокамера и ноутбук.

Это наш нынешний момент развития цивилизации. По замыслу автора именно в этом месте цивилизацию ждет развилка на два совершенно равновероятных пути. По какому пути пойдет цивилизация:  по тому который будет также плодотворен и даст новые интересные открытия и плоды или по второму, соответствующему мертвой, безжизненной ветке ? Данная работа является по настоящему интерактивной, дело в том, что видеокамера и телевизор являются действующими. Видеокамера расположена на высоте среднего человеческого роста и “наблюдает” за тем, кто в данный момент стоит перед “деревом”, а изображение с камеры передается на телевизор. Поскольку черно-белый телевизор и видеокамера появились, пусть с относительно небольшой разницей, но все же в разное время, то наблюдатель как бы попадает в прошлое и может сам тут же наблюдать за собственным изображением. Такой ретро взгляд позволяет, как бы по иному взглянуть на себя, на свое “место по солнцем” и свою роль с точки зрения развития цивилизации ... ощутить себя частью этого дерева, почувствовать свою сопричастность и задуматься о правильности своего пути. …

Мыслеформа № 5 носит название :

“ВЕРА” (Belief)

Работа стилизована под всемирно известный “Кубик Рубика”.

Работа носит сложный философский смысл, так как содержит множество надписей на каждой из 54-х отдельных граней куба и требует внимательнейшего анализа (достаточно сказать, что идею этой работы автор “вынашивал” около десяти лет, прежде чем на кубике появились надписи).

Прежде всего, на кубике имеется шесть разноцветных граней, которые, в силу геометрии куба принципиально не могут расположиться в одной плоскости. Пять из которых представляют из себя самые известные мировые религии; Христианство, Ислам, Буддизм, Иудаизм, а также Атеизм – ибо, в этом случае, человек верит в то, что ни во что не верит,

а шестая – не заполнена. Остальные грани выполнены одинаковым нейтрально-голубым цветом, что предполагает, что каждая из них, в принципе, может путем поворотов и вращений оказаться в любой  плоскости. Кубики с двумя гранями содержат понятия противоположные по содержанию, т.е. взаимоисключающие понятия. А кубики с тремя гранями состоят из относительно схожих понятий… Вообще говоря, уже каждое отдельное из этих понятий, может являться основой для чьей-то веры… , сочетание двух, трех и более понятий приводит к появлению все новых и новых “оттенков” таковой веры.  Составив из этих понятий целую плоскость, образуемую девятью отдельными кубиками, вы можете выкристаллизовать любую из существующих религий и верований или при желании создать свою собственную… По замыслу автора, понятие веры столь же многогранно как многократны возможности при вращении такого кубика… Все ограничено лишь Вашим воображением… Если смотрящий обладает достаточно хорошим пространственным воображением, он может мысленно расположить те понятия на плоскости кубика в центре которого находится знак “?” и таким образом выстроить свою собственную систему ценностей и Веру ! Только верно собранный куб позволит познать

Абсолютную Истину !

Мыслеформа № 6 носит название :

“ЖИЗНЬ” (Life)

Особенностью и основными базовыми принципами в этой работе является триединство следующих понятий: Во-первых, опора на философский закон “Единства и борьбы противоположностей” (соседние витки спирали соединены парами противоположных понятий). Во-вторых, это то, что понятие “живого”  - по сути является  искривлением пространства с особой геометрией (отличной от тех что были когда-либо описаны математически), причем геометрия (топология) такого искривления являет собой верх простоты и сложности одновременно. И в-третьих, основой жизни является информационный обмен тесно связанный с категорией – формы. Именно ФОРМА живых объектов является, своего рода, узконаправленной антенной, позволяющей общаться с себе подобными на уровне биополя.  По мнению автора именно таковое воплощение и переплетение всевозможных противоположностей определяет устойчивость и разнообразие проявлений такой субстанции как - “живая материя”. Основой формы является двойная спираль ДНК,  плавно переходящая в единственно известную в трехмерном пространстве, так называемую одностороннюю поверхность. Известная в математике, как поверхность Клейна, отличается тем, что, находясь в любой точке на наружной стороне поверхности,  можно перемещаясь плавно попасть на внутреннюю сторону и наоборот (аналог двумерного  листа Мебиуса, но только уже  в нашем  трехмерном пространстве).

Витки двойной спирали связаны между собой шестидесятью четырьмя парами противоположностей (известное как число гармонии в философии ИНЬ-ЯНЬ).

Множество пар противоположностей объединяют двойные витки спирали в единую форму, образуя уникальное искривление пространства, верх простоты и сложности одновременно.

Мыслеформа № 7 носит название :

 “САМОСОВЕРШЕНСТВОВАНИЕ”  (Self-improvement )

(жемчужина  коллекции)

Человек и его сущность на протяжении всей жизни формируется из информации, получаемой извне.

Информация  - первооснова каждой отдельной  личности…, она – её индивидуальность! Собственно само тело человека (его форма) является своего рода  устройством для приема-передачи информации. У кого-то эта антенна настроена чуть лучше, у кого-то чуть хуже на общение с ВЕЧНОСТЬЮ и с окружающими людьми.

Все известные и даже неизвестные источники информации формируют – ЧЕЛОВЕКА. Все мы и каждый из нас в отдельности являемся мелкой частичкой информационного поля Вселенной. Неким скелетом нашего ментального тела  являются: звуки, видео, всевозможные хранители и накопители информации (книги, диски, пластинки, перфокарты, перфоленты, кассеты, дискеты, CD, DVD, флэш-память, Интернет,  и тому подобное). Они формируют наше ментальное тело и как следствие тело физическое. Все перечисленное - это источники нашего “Я”, - это наша опора, но они же, как не странно и наша косность, при этом всё  “тело”  упирается в невидимую стену Невежества !

“Внутренние органы” такого организма различны по своему назначению, так книга – стилизована под “лёгкие”, своеобразный фильтр нравственности и безнравственности (но любая, даже самая мудрая книга, позволяет лишь “дышать”, думать же с помощью “лёгких” нельзя!). Другие носители информации расположены на витках спирали символизирующей спиралеобразное развитие общества. Только пропуская все источники информации через собственное здравомыслие, сопоставляя их и приводя к “общему знаменателю” можно сформировать Разум и взрастить Душу.

Формирование HOMO SAPIENS на Земле, не прекращается ни на минуту. Он конечно “твердо стоит на ногах”, но сформированные руки и ноги еще не предполагают  наличие сформированного Разума и Сердца, также как и осознание Абсолютной Истины.

Работа является современной интерпретацией всемирноизвестной скульптуры Родена “Мыслитель”.

Все семь работ являют собой единый гармоничный цикл – как спектр радуги.

ВЛАСТЬ   –   СОВЕСТЬ  –   ГОСУДАРСТВО  –  ЦИВИЛИЗАЦИЯ  –  ВЕРА  –  ЖИЗНЬ – САМОСОВЕРШЕНСТВОВАНИЕ

Все семь работ являются объемными, трехмерными инсталляциями (мыслеформами).

Несмотря на внешнюю разницу, все семь изготовлены одним автором с применением совершенно различных техник и материалов, принципиально не повторяющих ничего предыдущего… Что само по себе говорит о том, что искусство может творить каждый из нас и из чего угодно! Это тот универсальный принцип, который закладывался изначально.

Если даже несколько человек я сподвигну к реализации их собственных идей, а значит и к совершенствованию этого мира, то мои труды не пропали даром.

  Все семь работ содержат в себе либо небольшой тайник, либо другой секрет, говорящий о принадлежности и авторстве этой работы. Одна из работ внутри себя содержит недоступную область, в которой находится подарок автору от девушки, которая долгое время являлась его Музой…

(Однажды девушка, повинуясь сиюминутному порыву,  уехала из города где они жили, причем как не странно ничего не предполагало такого течения событий. Та девушка была безумно красива и автор, испытывая жесточайшую душевную травму, решил просто замуровать ее подарок в ту работу изготовлением которой он занимался в тот момент. Девушка потом вернулась, а ее подарок так и остался замурованным вместе со стихами, посвященными ей…)м

Н.С. Самокиша (1971);

Окончил Московский государственный художественный институт им. В.И. Сурикова, факультет монументальной живописи (1979);

Член Союза художников (1982);Член Московского Товарищества живописцев (МСХ). Первый секретарь ВТОО «Союз художников России». Профессор МГAХИ им. В.И. Сурикова (2000);

Диплом I степени Российской Академии Художеств СССР, Министерства культуры СССР за монументальный объект, посвященный «Олимпиаде-80» (1980);Диплом Министерства культуры РСФСР (1980);Диплом ВТОО «Союз художников России» (1995); Лауреат Международной премии «Артиада-97» в номинации «Живопись» (1997);Лауреат премии «Золотой венец границы» в номинации «Изобразительное искусство» (1997);Дипломы Российской Академии художеств (2004,2016); Золотая медаль РАХ (2016), орден «Почетный член международного мемориального фонда Карла Фаберже» (2016)Медаль «За заслуги перед Академией» (2016г.), Премия Е.И. Зверькова (2018г.).

Работы хранятся в крупнейших музеях России, во многих корпоративных и частных собраниях России, стран СНГ, Франции, Германии, Китая, Бельгии, США, Японии, Болгарии, Иордании.

выставки автора не раз проходили в Иркутске и Москве. Часть работ Дмитрия Будажабэ находится в буддийских центрах России, Индии, Германии, украшают Иволгинский дацан и большинство храмов Бурятии. 

Иркутское художественное училище, оказался в Стрелке, на Ангаре. Более 20 лет Рудольф Карлович работал учителем рисования в Стрелковской школе №12.

Картины Рудольфа Букулита повествую о жизни и  историю поселка Стрелка и Енисейской сплавной конторы. Основные сюжеты его творчества в тот период  – быт и жизнь рабочих, обработка и сплав древесины и т.д. Удивительные пейзажи маленького сибирского уголка по нынешний день имеют большую художественную ценность для культуры всего Красноярского края.

Родился в 1927 году в городе Иркутске.

Учился в Иркутском художественном училище в 1951-1955 годах.

С 1957 года - участник городских, краевых, зональных, республиканских выставок. Работы отмечены многими грамотами и дипломами.

В 1960-1962 годах Красноярским Союзом художников посылался на академическую творческую дачу. Был в творческих поездках в Туве, Самарканде, Ташкенте, Бухаре, Москве, Ростов-Ярославском, Ярославле, Дудинке, по Ангаре, Енисею, другим рекам Сибири, на строительстве Саяно-Шушенской ГЭС.

 С 1965 года по 1968 год работал в поселке Стрелка преподавателем рисования в школе.

Занимался в изостудии при ДК им. 1-го Мая (1962-1963), затем - в художественной вечерней школе им. В. И. Сурикова (1963) у И. А. Фирера. Учился в Красноярском художественном училище (1963-1968) у В. П. Худоноговой, Ю. П. Якубовского, на отделении станковой живописи в Дальневосточном институте искусств (1969-1974), мастерская К. И. Шебеко.
Родился в 1938 г. в селе Кемское Казачинского района Красноярского края. Учился в Красноярском художественном училище им. В.И. Сурикова.
1968-1974 гг. - преподавал черчения и рисования в Енисейске.
1969-1974 гг. - направлен на работу в Кемеровское художественное училище.
1995 г. - член Союза художников России.
1996 г. - присвоено почетное звание "Работник культуры".
2003 г. - награжден медалью "За особый вклад в развитие Кузбасса".
Выставки:
1976 - Выставка преподавателей художественных училищ СССР, Москва.
1978 - Областная художественная выставка, Кемерово.
1980 - Зональная художественная выставка, Кемерово.
1985 - Зональная художественная выставка, Барнаул.
1990 - Региональная художественная выставка, Иркутск.
1998 - персональная выставка, посвященная 60-летию г. Кемерово.
2000 - выставка к 125-летию В.И. Сурикова, Красноярск.
2003 - Выставка трех - Бурмакин, Капорушкин, Аристов - 75 лет совместного стажа в искусстве, Кемерово.
2005 - персональная выставка, 45 лет работы, Кемерово.
2005 - Областная художественная выставка - " Лучшая работа года", Кемерово.

в Красноярском художественном училище им. В.И. Сурикова.

С 2000 по 2004 год обучался в ХГУ им. Н.Ф. Катанова по специальности «Декоративно-прикладное искусство и народные промыслы». Присуждена квалификация «Учитель декоративно-прикладного искусства».

С 1990 года работает в ДХШ им. Д.И. Каратанова преподавателем рисунка, живописи и станковойкомпозиции.

Избранные выставки:

С 1990 Ежегодная выставка  «Художники-преподаватели»,  г. Абакан.

2014 Персональная выставка, с. Белый Яр.

2014 Персональная выставка в редакции газеты «Хакасия»,  г.Абакан

2015 Республиканская выставка исполнительских работ РХ, ДХШ им. Д.И. Каратанова.

2016 Выставка работ учащихся и преподавателей детских художественных школ Республики Хакасии в МАХЛ РАХ, Москва.

В.И. Сурикова у Н.И. Рыбакова , Кемеровском художественном училище (1974-1980) у М.Т. Ривина, школе-студии им. В.И. Немировича-Данченко при МХАТе СССР им А.П. Чехова (1984-1990) у В.Я. Левенталя. Участник выставок с 1980 (Кемерово), в том числе всесоюзных, республиканских, зональных, областных. Член Союза художников России с 1994. Работал в Кемеровском театре кукол (1979-1984, 1990-1991). Главный художник Томского театра драмы с 1992.

Николай Николаевич Вагин известный в России театральный художник, создал оформление более чем к 120 театральным постановкам в России и странах ближнего и дальнего зарубежья. Талант, работоспособность и свое видение непростой работы театрального художника, находящейся на стыке жанров, — все это дало визуализировать свой уникальный стиль в изобразительном искусстве.

Картины, в которых виден особый почерк художника, его манера изображать окружающую реальность, эмоциональность, романтичность, внимание к деталям и костюму характерны для произведений Вагина, что роднит их с произведениями немецкого модерна.

Произведение «Маргарита» представляет женщину, обращенную к зрителю взглядом и жестом руки. На нас смотрит дама без возраста, без эпохи — просто символ глубокой, спокойной женской красоты.

С детства театр завораживает нас своей таинственностью, волшебством действа, кринолином золотых платьев, изяществом дам и галантностью кавалеров, красотой декораций и, конечно, феноменом превращения из обычного человека в Гамлета, Тартюфа, сказочную фею или горбуна Квазимодо.

Николай Вагин знает об этих перевоплощениях не понаслышке. Проработав в разных театрах России, Америки и Австрии, он, как никто другой, знает, что театр – это метаморфозы, а сцена легко превращается в тронный зал.

На выставке посетители смогут увидеть картины и рисунки, созданные по мотивам спектаклей, и ощутить волшебную атмосферу театра. Эта выставка – целый рассказ о «ненастоящей жизни», но рассказ не словесный, а визуальный. 

Многое из представленного зрители не имеют возможности увидеть в театре, но смогут оценить в нашей галерее. Эти вещи в полной мере помогут раскрыть, кто такой - театральный художник.

Педагог :

1.   2008 г.-2009г.Вагин преподаёт композицию в Томском Колледже Культуры им.Шишкова В.Я.Трое выпускников его курса после

защиты диплома поступают в Красноярский Государственный Художественный Институт, два выпускника поступают в С-Петер-бургский Институт им.Репина И.Е.(Академия Художеств)                            2.   С 2008 г.служит в Томском Государственном Педагогическом Университете старшим преподавателем,затем доцентом на кафедре Художественного образования.Cтуденты Николая Николаевича являются экспонентами серьёзных выставок.                           

Лучшей характеристикой педагога является дальнейшая деятельность его студентов и выпускников.

Общественная деятельность:    В 2010 г. Николай Николаевич возглавил Томское Региональное Отделение Всероссийской Творческой Общественной Организации < Союз Художников России >.Является членом Коллегии Департамента по культуре Томской области,членом областного Совета по сохранению и развитию деревянного зодчества.                                                                                      

, Красноярск, с августа 2010 — продолжаю работать

Художник-постановщик

Красноярский театр кукол, Красноярск,

с июня 2008 — продолжаю работать

Образование

КГХИ (Красноярский государственный художественный институт)

Высшее, степень магистра, Красноярск, 2002 — 2008

Ф-т: Академический

Как художник постановщик поставил спектакли:(Волшебный снежок)Красноярский театр кукол2009г.

 (Сестрица Аленушка и братец Иванушка)Хабаровский театр кукол 2010г.

 (Дюймовочка)Красноярский театр кукол2010г.

 (Ай да,Мыцык)Красноярский театр кукол2011г.

Прочее

С 2010г. художник стажер творческой мастерской скульптуры Регионального отделения Урал Сибирь и Дальний Восток

 Российской Академии художеств

Участник выставки (скульптура в городской среде)Красноярский союз жудожников. март2011

Участник выставки (вечные ценности)арт галерея Романовых. апрель2011

Участник выставки(небо становится ближе) 5 Всероссийская выставка современного христианского искусства июнь2011

Участник выставки( С чего начинается родина)Красноярский музейно-выставочный центр сентябрь2011

Участник выставки (Молодая сибирь)октябрь2011

Челябинское художественное училище.

1991 - 1997г., - Красноярский государственный художественный институт. Специальность "живопись". Мастерская профессора Казанского А.В.

1999- 2002г., -Творческие мастерские Российской академии художеств отделение Урал, Сибирь и Дальний Восток под руководством Народного художника России, академика Левитина А.П.

Член Союза художников России с 2002г.

Участник городских, краевых, всероссийских и международных выставок.

Работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом (Греция, Китай, Германия)

Работа Ирины Верпета – это “тексты – ощущения”,  красочные состояния, в которые автор погружает своего зрителя. Картины никогда не бывают пустыми, они всегда откровенны и по-детски искренни.  Именно тогда, когда мы привыкаем многое мерить доходом и прибылью, картины Верпета поражают пророческим откровением, которое заставляет ОСТАНОВИТЬСЯ и увидеть красоту мира, красоту женщины, природы, человеческую доброту.

Многие работы захлестывают трогательною беззащитностью, которая сражает и заставляет предельно осторожно относиться к тем, кто незаметно проходит мимо тебя ежедневно, ежечасно, ежеминутно. Ирина Верпета часто выстраивает пространство картины подобно приближенному кадру, именно так близко могут подойти самые родные люди, самые близкие, когда не нужно отвлекаться на общее, когда целое воспринимается через «отрывок». Композиционные особенности работ таковы, что зритель становится соучастником происходящего, действующим лицом, более того, он становится тем близким.

Темы работ понятны всем, они трогательнощемящи для наших сердец: это наши самые светлые и порой детские воспоминания, мечты, надежды, иллюзии…Море, цветы, красота женщины…

 Морская тема возникла в творчестве из желания реализовать то, чего не хватает, из необходимости материализовать мечту, так возникает тема путешествия. И подобно древним китайским философам, которые совершали путешествие, находясь в одной точке, художница  совершает такое путешествие к морю, составляя маршрут для своего зрителя.

Морские пейзажи наполнены личной символикой. Идеалистические состояния морской стихии – это ассоциативные образы нашей жизни, где корабль выступает символом человеческой сущности: яхты гуляющие в море жизни…

Продолжение морской темы – это рассуждение о равновесии мужского и женского начала…Образы женщин, отдыхающих на берегу…расслабленных, умиротворенных принимающих власть мужских эмоций, символом которых выступает море. Изображение женщин всегда многоОБРАЗНО, что возникает из желания передать изменчивость женской природы, ее непостоянство и перекликание смыслов…

Тема цветов  - это тема жизни, во всем многообразии ее проявлений, рождение и смерть… и между ними дар красоты этому миру… Это жизнь человека, жизнь художника…

Объединяющее начало всего творчества Ирины Верпета – это пространство цвета, которое наполнено разными знаками и смыслами, цвет проявляющий образ любви...

авторскую графическую технику. С 1990 г. участвует в выставках. С 1997 г. живет и работает в Новосибирске.

 Владимир Николаевич настоящий мастер современного искусства, его картины заставляют остановиться и задуматься, их не оценишь мимолетным взглядом. Сам Владимир Вировой так описывает свое творчество: "Благодарен всем, кто ввел меня в мир искусства и научил быть в нем своим. Изобразительная форма будоражит моё воображение. Глубина и острота этой формы символизирует пытливость и неуспокоенность человека. Обостренное чувство существования требует внести самовыражения. Хотим мы этого или нет, но наше творчество ясно обозначает нашу сущность - как живем, во что верим, к чему стремимся". Владимир Вировой участвовал в выставках в "Арт-Салон-Манеж", г.Москва, в галерее "Грузиньяк", г.Берлин, персональные выставки проходили в Красноярском художественном институте, в театре "Красный факел", в частных галереях Новосибирска и Красноярска.

 В.И. Сурикова (1990 г.), Факультет психологии Красноярского педагогического университета им. В.П. Астафьева (2005 г.), Творческую мастерскую живописи Россиийской академии художеств под руководством академика А.П. Левитина (2009 г.). Член Союза художников России с 2000 года.

Внукова Румяна Анатольевна Награждена малой золотой медалью за серию работ на Библейские сюжеты (2000 г.), дипломом Союза художников России за вклад в изобразительное искусство (2004 г.), стипендиат Министерства культуры в области изобразительного искусства (2003 г.), лауреат премии им. В.И. Сурикова (2007 г.).

Участник городских, региональных, всероссийских и международных выставок. Работы находится в музейных и частных коллекциях в России и за рубежом.

В личности и творчестве Румяны Внуковой глубокий интеллектуализм (J) гармонично сочетается с утонченной эмоциональностью, а ее обращение к вечным и неисчерпаемым библейским образам помогает задуматься об отношениях человека с миром и с Богом – отношениях враждебных и богоборческих, радостных и печальных, осознать горечь одиночества и счастье единства с чем-то высшим.

Красноярское художественное училище им. В. И. Сурикова, в 1989 факультет живописи Красноярского государственного художественного института, мастерская члена-корреспондента Российской Академии художеств, народного художника России А. М. Знака.

В 1991—1994 годах работал в творческой мастерской живописи Российской Академии художеств под руководством народного художника России, академика Левитина А.П. Участник выставок с 1987 года. Пишет портреты, пейзажи, жанровые картины. Член Союза художников России с 1995 года. Персональная выставка в Красноярске в 2005 году. В том же году стал членом-корреспондентом Петровской Академии наук и искусств. В 2010 году удостоен почётного звания Заслуженный художник Российской Федерации. В 2011 избран членом-корреспондентом Российской Академии художеств.

летном училище.

1975 - 1978 – работал в Красноярском авиаотряде ГА.

1978 -1982 – учился в Красноярском художественном училище им. В.И.Сурикова (театральное отделение).

1984 - начало выставочной деятельности.

1982 - 1984 – работал художником в театрах города Красноярска.

1986 - 1992 – учился в Красноярском государственном художественном институте, мастерская живописи профессора, члена-корр. РАХ А.М.Знака.

1996 -1999 – творческие мастерские Российской академии художеств в г. Красноярске, мастерская живописи профессора, академика А.П.Левитина.

1998 – член Союза художников России.

1999 – награжден дипломом Российской академии художеств.

1998 – 2002 – преподаватель кафедры живописи.

2000 - награжден золотой медалью на Всеросийской выставке Современного христианского искусства за работу: «Человек спасенный»

2000, 2002, 2004 - награжден дипломами 1, 2 и 3 степени Всероссийских выставок современного христианского искусства.

2008 - награжден Дипломом лауреата 10 региональной художественной выставки и медалью за вклад в развитие изобразительного искусства Сибири.

2009 - награжден почетной грамотой Министерства культуры Красноярского края.

2011 - получил благодарность Губернатора края за высокий профессионализм, большой личный вклад в развитие изобразительного искусства и культуры в Красноярском крае.

2013 - награжден медалью Российской академии художеств за вклад в развитие искусства.

2013 - награжден золотой медалью Союза художников России за работы: «Лучники», «Хакасские камни».

Участник городских, краевых, региональных, всероссийских, зарубежных выставок. Провел 7 персональных выставок. Работы находятся в частных коллекциях и музейных собраниях России и за рубежом.

институт, по специальности художник ДПИ. С 2007 г. по 2010 г. обучалась в аспирантуре этого же института. В настоящее время работает  там же, преподает  историю искусства и культуры. Регулярно с 2000 года, участвовала в городских, краевых и международных выставках, также имеет в активе две персональных выставки и награду от главы города 2010 г. в номинации «За особые успехи в научной деятельности».

Предлагаем приобрести керамические изделия Вороновой Марии:

• Босс. Керамика, глазури, дымление. Высота 35 см.
• Панно «Индийский слон». Керамика, глазури, дымление. 30х60
• Панно «Ледокол на Неве».  Керамика, стекло, дымление. 20х30
• Панно «Лес». Керамика, глазури, дымление. 69,5х48
• Птицы.  Керамика, дымление. Высота 20 см. Обвар.
• «Собачья свадьба». Керамика, глазури, дымление. 65х71
• Шкатулка «Слон». Керамика, глазури, дымление. 7х10х7
• Шкатулки. Керамика, глазури, дымление. Высота 15 см, 5 см.

продолжил художественное образование в Красноярском государственном художественном институте, принимал участие в различных выставках и арт-мероприятиях. Настоящая экспозиция в нашей галереи является первой персональной выставкой Максима, но отдельные его работы можно обнаружить в частных коллекциях по России и СНГ.

Интерес к военной истории и древнерусскому вооружению проснулся у автора еще в раннем детстве. Как и большинство мальчишек, он проводил много времени, мастеря из подручных средств мечи и доспехи. Со временем детские увлечения Врясова переросли в серьезную творческую работу. Изучая быт, нравы и устройство воинской жизни русского средневековья, он почувствовал необходимость выразить этот духовный опыт в своем творчестве.

Акцент в работах Максима Врясова, в первую очередь, сделан на древнерусской истории с ее идеалами православного канона. Именно поэтому в них присутствует неповторимая духовность и мифическая недосягаемость древнерусской эпохи.

«Живый в помощи вышняго…»

 - таково название первой выставки Врясова. Это начальные слова 90-го псалма пророка и царя Израиля Давида. Дело в том, что в прежние времена, эта фраза служила главной охранительной молитвой русского человека, и каждый воин Руси знал ее наизусть. По мнению автора, эти слова актуальны и в наше время.

Автор создает свой собственный мир, основанный на истоках воинской культуры древнерусского времени, мифологии и фольклора прошлых лет. Стилизованные образы русских витязей, богатырей и православных святых предстают перед нами в новых неожиданных образах: мягких, лишенных острой, агрессивной резкости, погруженных в задумчивость. Каждый воин отличается собственным характером, неповторимым духом, даже выражение лиц каждого из них индивидуально и по-своему наполнено мудростью и внутренней силой. 

Бронзовые скульптуры предстают в образах богатырей, святых, православных земных и небесных воинов. Мягкие и лишенные агрессивности образы воинов, погружают в мир человеческой мудрости, стойкости, мужества и героизма. Стилизованные скульптуры витязей гармонично сочетают в себе современные тенденции и традиционность православной культуры. Каждая скульптура имеет свой дух и характер, сосредоточенный под бронзовой оболочкой некой внутренней силой. Мельчайшие детали в образах придают каждому из экспонатов неповторимость и одухотворенную, живую индивидуальность.

Предлагаем купить графику и бронзовую скульптуру Врясова Максима:

«Архангел Михаил. Диптих». Графика. (картон, карандаши мел). 

Святой Архангел Михаил — главный архангел, являющийся одним из самых почитаемых Архангелов в христианстве. В православии его роль соотносится с ролью главы святого воинства Ангелов и Архангелов.

Как и большинство образов в творчестве Врясова, образ Архангела Михаила предстает перед нами задумчивым рыцарем с прикрытыми глазами и погруженным в задумчивую дрему, ликом. Стилизованный крылатый конь зеркально отображает образ наездника, он одновременно смотрится и как декоративная деталь, дополняющая образ святого, и как отдельный самостоятельный персонаж. Эта его позиция достигается за счет того, что произведение выполнено в виде Диптиха.

«Мечтатель» (графика).

Перед нами витязь в воинском обмундировании, но с совершенно безмятежным выражением лица. Несмотря на всю оснастку (доспехи, лук, защитная иконка), Мечтатель не похож на того, кто внушает врагам трепет и ужас в бою. Этот витязь показан задумавшимся на миг, замечтавшемся о чем-то далеком («О чем мечтает «Мечтатель»?).

«Илья Муромец» (скульптура).

О жизни Ильи Муромца известно очень мало, поэтому его образ больше мифологический, чем исторический (этот тот самый известный богатырь, «пролежавший на печи» тридцать лет и чудодейственно исцеленный). В облике этого героя все пронизано физической и духовной мощью. Твердая и уверенная поза одновременно трактуется  как знак сосредоточения и силы и покоя. Зритель словно застает Муромца в минуту принятия какого-то важного решения, возможно именно в это мгновение герой решается закончить свой путь воина и встать на новый - духовный путь, приняв постриг и отказавшись от всего мирского. По преданиям, именно так и поступил Илья Муромец, уйдя в Феодосиев монастырь.

«Нега. Отдых в пути» (скульптура).

Образ боевого коня в бронзе передан автором с удивительной четкостью. Этот персонаж показан в минуту отдыха после долгого и тяжелого пути, лошадь выглядит игривой и беззаботной, воплощая саму суть свободы.

2 зал.

«Дозор», «Сон», «Облако» (скульптура).

Мягкие и самые безмятежные образы витязей из всей экспозиции. Погруженные в сон, дрему или просто задумчивость, они окунают зрителя в состояние спокойствия и медитативной расслабленности.

«Святой Георгий» (скульптура).

Образ святого покровителя военной мощи Георгия Победоносца является одним из центральных в христианской иконографии. Для истории Руси это персонаж является символом торжества добра над злом, а также покровительства всех защитников отчизны. Используется в гос. символике (герб). В этой скульптуре автор показывает нам новое видение героя, не в момент сражения со змием, как мы привыкли его воспринимать, а в смиренной позе великомученика. Даже что-то ангельское проскальзывает в его лике и крылоподобной накидки. А солярный знак на груди Георгия отсылает нас к истокам христианства, неразрывно связанного с языческой религией древнерусского государства.

«Иоанн Креститель» (скульптура).

Иоанн Креститель, или Иоанн Предтеча – один из наиболее почитаемых образов в христианстве. На мой взгляд, данная скульптура является самой канонической, по технике исполнения, из всех представленных на выставке работ. Фактурность облачения Предтечи, сама его поза и лик приближены к идеалу изображения христианского святого. Иоанн Креститель не является воином в прямом значении, но является великим Воином Духа, и все в его изображении убеждает нас в этом (образ свечи).

 «Молитва» (скульптура).

Безымянный бронзовый воин запечатлен автором в сакральный момент – молитва перед сражением. Это изображение витязя так же отличается детальной проработкой всех элементов, от тщательно прописанных колец кольчуги, до крестного знамения и маленькой нагрудной иконки. Возможно, что именно в этот момент, с этим расслабленным и одухотворенным ликом, воин шепчет ту самую молитву: «Живый в помощи вышняго…», взывая к высшим силам, дабы защитить от недруга родную землю.

Заключение: Работы Максима Врясова по-настоящему удивительны. И графические и скульптурные произведения погружают зрителя в свой мир и вызывают самые светлые отклики в душе зрителя.

РСФСР

Живописец. График

Кандидат в члены СХ с 1949. Член СХ СССР с 1952

После окончания 7 классов был мобилизован и работал 1931/32 учебный год учителем во 2-й зиминской школе на родине.

1932-36 – учился в Омском художественно-педагогическом техникуме у С.Я. Фельдмана. Окончил с отличием

6 лет руководил изостудией при рабочем клубе завода им. К.Е. Ворошилова (Октябрьской революции).

1936-40, 1946-52 – художник товарищества «Омхудожник»

1941-46 - служба в рядах Советской Армии и участие в Великой Отечественной войне (Западный фронт)

С 1961 живет в Красноярске. Исполнял обязанности декана ХГФ Красноярского педагогического института

1952-61 – председатель правления Омской организации СХ; 1960-61 – член ревизионной комиссии СХ РСФСР

1963-65 – член правления Красноярской организации СХ; 1965-67 - председатель Красноярской организации СХ

С 1971 – секретарь парторганизации Красноярского отделения СХ

Делегат I учредительного съезда Союза художников СССР, Делегат I учредительного съезда Союза художников РСФСР.

Республиканские: Выставка произведений художников краев, областей и автономных республик, 1949

Республиканская «Художники РСФСР». Москва, 1955

«Советская Россия». Москва, 1960

«Графики Сибири». Москва, 1969

«Художники Урала, Сибири, Дальнего Востока». Москва, 1971

«60 лет Великого Октября». Москва, 1977

Всесоюзная:

Выставка, посв. I съезду художников. Москва, 1957

Художественная выставка. Москва, 1959

Групповые, тематические: 

Выставка работ архитекторов. Омск, 1959

«Рубежи жизни Родины». ООМИИ, 1986

«Мелодии города». Омск, ОГИКМ, 1996

«Союз нерушимый. 50-е годы». Дом художника, 1997

«Искусство социального заказа. 1930-1950». ООМИИ им. М.А. Врубеля, 2002

«Омский Союз художников в контрастах эпохи». К 70-летию образования Омской организации СХ России. ООМИИ им. М.А. Врубеля, 2002

Правительственные награды: медали «За боевые заслуги», «За взятие Кенигсберга», «За победу над Германией», «За победу над Японией», «За доблестный труд. В ознаменование 100-летия со дня рождения В.И. Ленина», юбилейная медаль «70 лет Вооруженных сил» (1988)

Дома творчества: «Академическая дача», «Озеро Байкал», «Челюскинская» (1954), «Сенеж».

Творческие поездки: на север в верховья Енисея (Хакасия, Тува), на строительство Красноярской и Саяно-Шушенской ГЭС), на Север по Иртышу и Оби, в Поволжье, Казахстан, Узбекистан, в целинные районы Алтая, Заполярье. Работал на Кавказе, в Крыму

Целинная серия. Ленинская тема (серия офортов с изображением мест пребывания В.И. Ленина и его соратников в сибирской ссылке). В 1957 – первый офорт «Река А?лей». «Павлик Морозов». 1939, Х., м. 150х100 (Омск, госпиталь инвалидов ВОВ).

Автолитографии, офорты

РСФСР

Живописец. График

Кандидат в члены СХ с 1949. Член СХ СССР с 1952

После окончания 7 классов был мобилизован и работал 1931/32 учебный год учителем во 2-й зиминской школе на родине.

1932-36 – учился в Омском художественно-педагогическом техникуме у С.Я. Фельдмана. Окончил с отличием

6 лет руководил изостудией при рабочем клубе завода им. К.Е. Ворошилова (Октябрьской революции).

1936-40, 1946-52 – художник товарищества «Омхудожник»

1941-46 - служба в рядах Советской Армии и участие в Великой Отечественной войне (Западный фронт)

С 1961 живет в Красноярске. Исполнял обязанности декана ХГФ Красноярского педагогического института

1952-61 – председатель правления Омской организации СХ; 1960-61 – член ревизионной комиссии СХ РСФСР

1963-65 – член правления Красноярской организации СХ; 1965-67 - председатель Красноярской организации СХ

С 1971 – секретарь парторганизации Красноярского отделения СХ

Делегат I учредительного съезда Союза художников СССР, Делегат I учредительного съезда Союза художников РСФСР.

Республиканские: Выставка произведений художников краев, областей и автономных республик, 1949

Республиканская «Художники РСФСР». Москва, 1955

«Советская Россия». Москва, 1960

«Графики Сибири». Москва, 1969

«Художники Урала, Сибири, Дальнего Востока». Москва, 1971

«60 лет Великого Октября». Москва, 1977

Всесоюзная:

Выставка, посв. I съезду художников. Москва, 1957

Художественная выставка. Москва, 1959

Групповые, тематические: 

Выставка работ архитекторов. Омск, 1959

«Рубежи жизни Родины». ООМИИ, 1986

«Мелодии города». Омск, ОГИКМ, 1996

«Союз нерушимый. 50-е годы». Дом художника, 1997

«Искусство социального заказа. 1930-1950». ООМИИ им. М.А. Врубеля, 2002

«Омский Союз художников в контрастах эпохи». К 70-летию образования Омской организации СХ России. ООМИИ им. М.А. Врубеля, 2002

Правительственные награды: медали «За боевые заслуги», «За взятие Кенигсберга», «За победу над Германией», «За победу над Японией», «За доблестный труд. В ознаменование 100-летия со дня рождения В.И. Ленина», юбилейная медаль «70 лет Вооруженных сил» (1988)

Дома творчества: «Академическая дача», «Озеро Байкал», «Челюскинская» (1954), «Сенеж».

Творческие поездки: на север в верховья Енисея (Хакасия, Тува), на строительство Красноярской и Саяно-Шушенской ГЭС), на Север по Иртышу и Оби, в Поволжье, Казахстан, Узбекистан, в целинные районы Алтая, Заполярье. Работал на Кавказе, в Крыму

Целинная серия. Ленинская тема (серия офортов с изображением мест пребывания В.И. Ленина и его соратников в сибирской ссылке). В 1957 – первый офорт «Река А?лей». «Павлик Морозов». 1939, Х., м. 150х100 (Омск, госпиталь инвалидов ВОВ).

Автолитографии, офорты

Тавромахия (1815-16)
Гойя был одним из самых искусных и оригинальных художников-граверов своего времени. В этом жанре он ориентировался на Дюрера и Рембрандта. Технически гравюры Гойи отличаются высокой сложностью. Большинство из них относят к офортам, хотя на самом деле художник часто использовал при создании одной пластины сразу несколько технических приемов. Особенно ему нравилось сочетание гравюры с акватинтой, позволяющей создать эффект растушевки. После появления в Испании литографии, изобретенной в 1798 году, художник быстро сумел освоить и эту технику. Офорты Гойи, как правило, представляют собой отдельные листы больших серий. Первой стала начатая в 1778 году серия копий с работ Веласкеса из королевской коллекции. За ней последовали еще четыре больших серии: "Капричос", 1797-98; "Бедствия войны" 1810-14; "Тавромахия", 1815-16; "Пословицы" (или "Причуды"), ок. 1816-23. Кроме того, уже после переезда во Францию Гойя создал четыре офорта, объединенных темой боя быков ("Бордосские быки", 1824-25). При жизни офорты художника практически не были известны. "Бедствия войны" и "Пословицы" вообще впервые опубликовали только после его смерти. Большинство оригинальных медных пластин, выгравированных Гойей, хранится в Королевской академии Сан-Фернандо в Мадриде.

Красноярское художественное училище им. В.И.Сурикова.

В 1992 г. закончил Красноярский государственный художественный институт, с красным дипломом. В 1998 г. Творческие мастерские Российской академии художеств отделение УСДВ. Участник выставок с 1978 г. Выставки: 9 и 10 Всероссийские художественные выставки г.Москва. Выставки в ЦДРИ, ЦДХ, Государственной думе г.Москва. Участник выставок в городах России: Владимир, Череповец, Вологда, Ленинград (Санкт-Петербург), Красноярск. Выставки в Германии (Берлин), США (Сан-Франциско), КНР (Харбин, Тянь-Зинь, Уси), Южная Корея, Греция (г.Патра, Салоники, Афины) и др.

Работы находятся в музеях Южной Кореи, Музее Русского искусства г.Харбин КНР, в музее им. В.И.Сурикова, в музее Академии художеств г.Москва, в Музее православного искусства, в Дивногорском и Ачинском художественных музеях, а так же в частных коллекциях в России и за рубежом.

Родился в 1905 году на промысле Казаково Забайкальской области. В 1919-1922 учился в Читинском художественно-промышленном техникуме у И. П. Сверкунова. В 1925-1926 годах в Высшем художественно-техническом институте (ВХУТЕИН) г. Ленинграда, затем в 1926-27 годах в Москве - Высшем художественно-техническом институте (ВХУТЕМАС) у В. А. Фаворского и П. Я. Павлинова.

 В 1927 году Горбунов и художник Н. Наумов вместе с П. М. Покровским, который в ту пору был заведующим художественным отделом в краеведческом музее, решили основать по московскому принципу ассоциацию хабаровских художников. Ассоциация объединила около 20 человек, имела свою студию. В конце тридцатых годов Иннокентий Алексеевич был одним из инициаторов профессионального объединения хабаровских художников. Ему принадлежит первый сатирический выпуск «Удар по врагу». Освещал события на Халхин-Голе средствами карикатуры в газете «Тревога». Это была острая сатира на международные события, происходящие в 30-е годы на Дальнем Востоке.  В годы войны в издательской деятельности Горбунов был известен как художник-карикатурист. Сотрудничал с газетами и журналами, издаваемыми в г. Чите «Боец и пахарь», «Забайкальский рабочий».

  В 1950 году был избран председателем правления Союза художников Хабаровского края.

  Художник награжден медалями «За боевые заслуги», «За победу над Германией в Великой Отечественной войне» и « За победу над Японией».

  Произведения находятся в собраниях: Хабаровский краевой музей имени Н. И. Гродекова, Дальневосточный художественный музей (г. Хабаровск).

училище имени В.И. Сурикова. Постоянный участник краевых, зональных и всероссийских художественных выставок. Картины художника находятся в музеях Красноярского края, в частных коллекциях. Художника Геннадия Горенского по праву можно назвать певцом сибирской природы. В молодости много раз сплавлялся по Мане, от самых верховьев прошел Подкаменную Тунгуску обследовал весь красноярский Север. Геннадий Горенский до сих пор единственный в стране художник, побывавший на Северном полюсе.

Заслуженный художник России Геннадий Георгиевич Горенский (1938-2009) все свое творчество посвящал сибирской тайге, северным просторам, маленьким далеким сибирским деревенькам. Несколько именно таких тонких по цветовому построению его этюдов разных лет входят в экспозицию института повышения квалификации работников образования, давая представление о большом живописном таланте художника («Зима», «На озере Хантайском», «Первый

Яркий образный мир мастера надолго запоминается искренней любовью к своей земле и ее людям. Привезенные из поездок десятки живых и выразительных этюдов воплощались в картины, на которых шумела тайга, сверкала голубыми озерами или роскошным осенним ковром тундра, глухие деревеньки укутывались снегами. Сочная живопись его полотен всегда привлекала к себе внимание.
Автор буквально впитывал суровую простоту быта далеких факторий и маленьких деревушек, затерявшихся в таежном царстве. Вообще, сибирскую деревню художник знал и любил. Покосившиеся сараюшки, поленницы, деревенские дворики, то укрытые глубокими снегами, то согреваемые ласковым весенним солнышком, то в невеселую пору предзимья проходят через все творчество художника.

Глубоко поэтичное отношение автора к этому миру заставляет зрителей сопереживать, радоваться и грустить вместе с художником.
Природа Севера, которую с такой любовью и таким мастерством раскрывал в своих работах художник, для него была наполнена первозданной красотой и вековой печалью. Одинокие лодки на берегу почти безбрежного Хантайского озера кажутся маленьким островком человеческого присутствия в этом затерянном мире. Чистый заповедный душевный мир талантливого художника будет раскрываться еще многим поколениям благодарных зрителей.

Геннадий Горенский являлся истинным ценителем сибирской природы, что отчетливо различается в тематике и подаче его замечательных работ. Пейзажи и натюрморты Горенского воспевают красоту сибирских лесов и полей, непокорных человеку, бурных горных рек и, затянутых туманом, непроходимых таежных зарослей.

Еще одним страстным увлечением художника стал Север. Геннадий Горенский стал едва ли не единственным русским художником, побывавшем на Северном полюсе. Там, на 50-градусном морозе он не переставал работать, писал этюды с натуры, ставшие уникальнейшими произведениями искусства.

Однако красоты Сибири, с ее буйством зелени, манили художника куда сильнее заснеженных просторов Севера. Поэтому подавляющее число его работ – это сильные пейзажные произведения, в которых всегда присутствовала идея духовной связи человека и природы. Не только в портретах и пейзажах, но даже в его натюрмортах чувствуется присутствие человека - охотника, оленевода или геолога, того, кто теснее всего ощущает ценность связи человека и природы.

Геннадий Георгиевич Горенский скончался в 2009 году после продолжительной болезни.

училище имени В.И. Сурикова. Постоянный участник краевых, зональных и всероссийских художественных выставок. Картины художника находятся в музеях Красноярского края, в частных коллекциях. Художника Геннадия Горенского по праву можно назвать певцом сибирской природы. В молодости много раз сплавлялся по Мане, от самых верховьев прошел Подкаменную Тунгуску обследовал весь красноярский Север. Геннадий Горенский до сих пор единственный в стране художник, побывавший на Северном полюсе.

Заслуженный художник России Геннадий Георгиевич Горенский (1938-2009) все свое творчество посвящал сибирской тайге, северным просторам, маленьким далеким сибирским деревенькам. Несколько именно таких тонких по цветовому построению его этюдов разных лет входят в экспозицию института повышения квалификации работников образования, давая представление о большом живописном таланте художника («Зима», «На озере Хантайском», «Первый

Яркий образный мир мастера надолго запоминается искренней любовью к своей земле и ее людям. Привезенные из поездок десятки живых и выразительных этюдов воплощались в картины, на которых шумела тайга, сверкала голубыми озерами или роскошным осенним ковром тундра, глухие деревеньки укутывались снегами. Сочная живопись его полотен всегда привлекала к себе внимание.
Автор буквально впитывал суровую простоту быта далеких факторий и маленьких деревушек, затерявшихся в таежном царстве. Вообще, сибирскую деревню художник знал и любил. Покосившиеся сараюшки, поленницы, деревенские дворики, то укрытые глубокими снегами, то согреваемые ласковым весенним солнышком, то в невеселую пору предзимья проходят через все творчество художника.

Глубоко поэтичное отношение автора к этому миру заставляет зрителей сопереживать, радоваться и грустить вместе с художником.
Природа Севера, которую с такой любовью и таким мастерством раскрывал в своих работах художник, для него была наполнена первозданной красотой и вековой печалью. Одинокие лодки на берегу почти безбрежного Хантайского озера кажутся маленьким островком человеческого присутствия в этом затерянном мире. Чистый заповедный душевный мир талантливого художника будет раскрываться еще многим поколениям благодарных зрителей.

Геннадий Горенский являлся истинным ценителем сибирской природы, что отчетливо различается в тематике и подаче его замечательных работ. Пейзажи и натюрморты Горенского воспевают красоту сибирских лесов и полей, непокорных человеку, бурных горных рек и, затянутых туманом, непроходимых таежных зарослей.

Еще одним страстным увлечением художника стал Север. Геннадий Горенский стал едва ли не единственным русским художником, побывавшем на Северном полюсе. Там, на 50-градусном морозе он не переставал работать, писал этюды с натуры, ставшие уникальнейшими произведениями искусства.

Однако красоты Сибири, с ее буйством зелени, манили художника куда сильнее заснеженных просторов Севера. Поэтому подавляющее число его работ – это сильные пейзажные произведения, в которых всегда присутствовала идея духовной связи человека и природы. Не только в портретах и пейзажах, но даже в его натюрмортах чувствуется присутствие человека - охотника, оленевода или геолога, того, кто теснее всего ощущает ценность связи человека и природы.

Геннадий Георгиевич Горенский скончался в 2009 году после продолжительной болезни.

отделение 1997 – 2003 г.г. – Красноярский Государственный Художественный институт отделение живописи (мастерская профессора Покровского А.А.)

С 2004 г. - работа в творческой мастерской живописи Российской Академии Художеств отделении Урал-Сибирь-Дальний Восток под руководством народного художника России, действительного члена РАХ, проф. А.П. Левитина.

2004 г. – творческие поездки в Карелию и Италию.

Май – июль 2005 г. – творческая поездка в Харбин.

Апрель 2008 г. – окончил стажировку в творческих мастерских Российской Академии Художеств.

Работы хранятся в частных коллекциях России и за рубежом.

выставочный проект «Сибирь», объединяющий художников от Урала до Дальнего Востока, а также выставлялись в Санкт-Петербруге в рамках выставки «Белые ночи».

Ее гравюры отличает поиск выразительного силуэта, пятна или линии, что является вполне учебными, по сути формальными задачами. Сама художница также отмечает, что не углубляется в философские вопросы и ставит перед собой цель создания гармоничной композиции.

В качестве материала художница избирает карандаш. Исконно графический материал, податливый и способный к изменению, смягчает контрастные монохромные работы и акцентирует внимание на бумаге, на каждом штрихе, обладающим своим живым характером, в отличии от механического характера печати.

Гравюры А. Гуровой можно разделить на несколько серий, две из которых следует осветить. В обеих серии исследуется отдельно взятое выразительное средство графического произведения. В серии «Свет и тень» художница работает над линией, ее пластическими свойствами. Это подчеркивается отсутствием фона или его условностью, подчиненностью переднему плану. Подобное решение создает меланхлоничные по настроению работы. Главный персонаж этой серии – тень – выступает либо в агрессивно-подчиняющей роли (деревья и краны, заслоняющие собой белый лист), либо в жертвенно-подчиняющейся (где тени ломаются формами объектов, на которые ложатся). В целом данную серию характеризует драматический характер, не характерный для решения простых композиционных задач и сообщающий зрителю нечто большее, чем просто знание графических законов.

В отличие от серии «Цвет и тень», в которой проблема выразительности силуэта и соотношения черного и белого в графическом листе, также учебная задача, действительно является целью работы. В работах этой серии преобладают горизонтально члененные композиции. Где верх и низ противопоставлены друг другу по цвету, фактуре и форме. Главным мотивом этой серии художница считает конфликт между природным и человеческим пространством, что решается через использованные разных выразительных средств при изображении каждого из них. Так, в работе «???» конфликт показан через массивность, целостность и плавность цветовых пятен в нижней части гравюры и дробность, легкость, остроту форм в верхней. А в работе «???» конфликт практически не ощущается, так как персонажу-представителью человеческой цивилизации не хватает динамизма для ощутимого противопоставления природы. С другой стороны, вместо конфликта можно представить странным образом формирующуюся целостность природного и человеческого (скорее машинного) пространств в работах А. Гуровой, идею единства и взаимосвязи этих пространств. Оба этих мира, представленные через персонажей, обладают силой и мощью, тяжестью, суровостью, необходимой для выживания в сибирских землях. Ледоколы не выглядят трагически рубящями лед, а скорее плывущими вместе со льдом.

«Что такое графика? Диалектика черного и белого, реального и кажущегося, предмета и его тени, пустоты и наличия. В графических листах Анастасии Гуровой деревья сплетаются в орнаментальную паутину, а снег разрезан полосами теней.»

Любую из понравившихся работ вы можете приобрести и украсить свой офис , кабинет, библиотеку выдающейся работой современного мастера графики.

искусства. Основные темы творчества – пейзажный и портретный жанр. В 2007 году Дмитрий с отличием окончил художественный факультет Московского городского педагогического университета, в 2014 году окончил мастерскую пейзажа Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова.

Работы Гусева находятся в частных собраниях в России, Европе, США и Японии.

«Выбранная Дмитрием Гусевым тема, наиболее «мирная» и «статичная», она является результатом поиска мощных образов природы родной страны. В своих полотнах художник размышляет о «Божием величестве», посвященных снежным одиноким далям, полярному сиянию, заповедному бесконечному океану тайги, разливу северной реки», — считает искусствовед Соколова Надежда.

На выставке представлены произведения, созданные во время путешествий по Сибири и Красноярскому краю.

«Вероятно, каждый из нас, в глубине души, хотел бы оказаться в Сибири, вдохнуть полной грудью ее мощь, напиться родниками ее силы», — рассказывает Дмитрий Гусев.

Красноярского края.

Окончил:

ДХШ им. В. И. Сурикова, вечернее отделение 1975−1976 гг.

Красноярское художественное училище им. В. И. Сурикова в 1980 г.

Член С. Х. России с 1993 г.

Член международной ассоциации изобразительных искусств АИАП ЮНЕСКО.

Провёл ряд персональных и групповых выставок в Москве в ЦДХ, а также в Германии, Ливане, Китае, Австралии, Японии, Южной Корее, США, Франции.

Работы находятся в коллекциях в России, Германии, Ливана, Китая, Италии, Японии, Южной Корее, США, Франции.

В 1992 г. с выставки в Австралии, в г. Перт были приобретены две работы агентами аукционного дома Sothedy`s (Perth Galleries pty LTD).

В 2000 г. имя Данилова И. С. внесено во Всемирную Энциклопедию художников («Allgemeines künster-Lexikon», том 24)

В 2008 г. награждён премией и золотым знаком «НАСЛЕДИЕ» в области профессионального искусства и меценатства, в номинации «изобразительное искусство», как лучший художник 2007 года г. Красноярска.

В 2008 г. — лауреат Десятой региональной художественной выставки «СИБИРЬ», посвященной 115-летию города Новосибирска и награжден медалью за произведения, представленные на выставке и значительный вклад в развитие изобразительного искусства Сибири.

2008 г. — творческая поездка и г. Лос-Анджелес, США.

2011 г. — лауреат выставки «Иртыш — Енисей», Красноярск.

2012 г. — творческая поездка и г. Харбин, КИТАЙ.

2012 г. — участие в ежегодном салоне Международного Общества изящных искусств г. Париж. Награжден призом жюри. Carrousel du Louvre.

2017 г. — присвоено звание Заслуженный художник России.

в естественности мифологизированных персонажей находят полное выражение необычная стилистика его живописи и мировоззрения, его особая трактовка жизненного предназначения человека. Творчество Юрия Деева органично его человеческому облику, его душевному мирочувствованию и радостному, подчеркнуто патриархальному мировидению. Персонажи картин живут в особом тихом и легком мире, как в раю. Молчание и покой-вот основная эмоциональная интонация, столь близкая художнику.

Художник улавливает иронию бытия, но пользуется скорее гротеском. Это принцип изображения жизни, особый угол зрения при ее восприятии и трактовке. Гротеск особенно характерен для тех эпох, когда нарушается устойчивость жизненного уклада, происходят коренные перемены. Всякого рода потрясение основ порождает чувство странности, причудливости и необычности. Язык гротеска соединяет несоединимое, показывает немыслимое как реальность, меняя привычные соотношения масштабов, пропорций, ситуаций. Для воплощения всех причуд и необходим язык обобщений и условностей, из которых и рождается смысл. Спящий на облаках дед-и есть гротеск романтического неприятия жестокого цивилизованного технократического мира, символ непокорной, насмешливой, игровой свободы («Ушел дед от бабки…»), что походя опрокидывает все нормы и правила, всякую ограниченность и регламентацию. 

Е. Худоногова (искусствовед)

Юрий Деев родился 13 ноября в 1944 года в городе Топки Кемеровской области. Детство Юрия Деева прошло в городе Кызыле. Учился профессиональному искусству в студии Дома народного творчества^[1]. После службы в армии (Гданьск, Польша) поступил в Красноярское художественное училище им. В. И. Сурикова (1971). Окончив училище он вернулся в Кызыл. Сразу включился в общественную жизнь, участвовал в организации и проведении республиканских выставок молодых художников, в зональных выставках молодых (Омск 1973 г.), в республиканской выставке «Молодость страны» (1976).

Преподавал в Кызылском училище искусств. Став представителем Тувинской организации художников, Юрий Дмитриевич принимал участие в работе оргкомитетов и комиссий в Москве и других городах страны. Период, который жил в республике Тыва, для него был временем пробы сил в разных видах и жанрах изобразительного искусства. Основные произведения этого периода — «Теплая юрта» (1977), «Юрта мира» (1978), «Юрта учителя» (1979), «И девушки уходят на войну» (1979), «Красная юрта» (1980), «Великий хурал» (1980—1981). Некоторые из них были представлены на выставках в Москве, основные работы были приобретены художественными музеями Тувы, Алтая, Красноярска.

В начале 1980-х гг. Юрий Деев переехал в Красноярск. Тема войны и в Красноярске оставалась для него актуальной, его отец-фронтовик получил тяжелое ранение под Ленинградом. Прежде чем создать свой знаменитый «Реквием. 1941 год» (1983), художник двумя годами раньше в память об умершем отце написал «День победы». В образе мальчика в гимнастерке отца он воплотил себя, свои мысли и чувства. Картина «Люди и птицы» (1989—1990) — это философское размышление о том, что произошло с народом и страной. Сюжеты: «Разговор», «Дед с петухом», «Двое», «Зимний сад», «К весне», «Сенокос», «Небесный полет», «Банный день» наполнены любовью к животным, гармонией человека и природы, торжеством рукотворной красоты, олицетворением которой является лоскутное одеяло, переходящее из композиции в композицию. Сила русской православной традиции по-особому отражена в его картинах «Приди к нам» (1989), «Ильин день» (1990), «Покров» (1990), «Деревянный корабль» (1990), «Рождество» (1992), «Троица» (1991), «Покаяние» (1995—1997).

Умер Ю. Д. Деев 30 декабря 1998 года в Красноярске.

Антон Аркадьевич Довнар много путешествовал: Север, любимая и родная деревня — Самково — неисчерпаемые источники вдохновения для художника! Любимыми жанрами мастера были пейзаж и натюрморт, отражающие природу Сибири, прелесть простых вещей, окружающих быт охотника и рыбака.

Произведение «Северная деревня» представляет нам небольшое поселение с причалом. Колорит картины составлен из холодных красок синего оттенка, что и создает атмосферу сурового Севера. Художественный образ ставит зрителя на место человека, подплывающего к деревне на лодке. Автор картины предлагает «буквально» пришвартовать лодку к причалу и познакомиться с уникальной и своеобразной жизнью маленькой северной деревни.

Антон Аркадьевич Довнар родился в 1939 г. в селе Самково Казачинского района Красноярского края в семье речников. Умер в 2005 г. в Красноярске.

Окончил Красноярское художественное училище им. В. И. Сурикова (1964).

Антон Довнар вырос на берегу Енисея у Казачинских порогов, среди охотников и рыбаков. Позднее его семья переехала в Красноярск, где Антон Аркадьевич окончил среднюю школу, художественную школу и художественное училище имени В. И. Сурикова.

После окончания учебы в 1964 г. Антон Довнар получил распределение на работу учителем черчения и рисования в сельскую школу села Талое Ирбейского района. В это время работы молодого художника впервые были представлены на краевой выставке. Работая учителем, Довнар не оставлял творчества и к моменту возвращения в Красноярск в 1967 г. написал множество работ. Его живописные холсты сразу же вошли в экспозицию краевой выставки. По приезду в столицу края Довнар устроился преподавателем в детскую художественную школу им. В. И. Сурикова. В течение почти 40 лет Антон Аркадьевич был ведущим педагогом школы.

Антон Довнар был участником самых разнообразных выставок: от краевых до всесоюзных и международных. С 1975 г. он член Союза художников, в 1981 г. был награжден медалью «За трудовое отличие», в 1992 г. получил почетное звание заслуженного художника России. Антон Довнар часто совершал длительные поездки на Север, в Саяны, в тайгу. Каждое такое путешествие выливалось в новые полотна, наполненные любовью к миру природы.

Художественное наследие Антона Довнара — пейзажи и натюрморты — хранится в музеях Красноярского края, государственных и частных коллекциях России, США, Германии, Польши, Японии и других стран.

Похоронен в Красноярске.

Живописец. Заслуженный художник России (1992), член Союза художников СССР (с 1975).

Антон Аркадьевич Довнар родился в 1939 г. в селе Самково Казачинского района Красноярского края в семье речников. Умер в 2005 г. в Красноярске.

Окончил Красноярское художественное училище им. В. И. Сурикова (1964).

Антон Довнар вырос на берегу Енисея у Казачинских порогов, среди охотников и рыбаков. Позднее его семья переехала в Красноярск, где Антон Аркадьевич окончил среднюю школу, художественную школу и художественное училище имени В. И. Сурикова.

После окончания учебы в 1964 г. Антон Довнар получил распределение на работу учителем черчения и рисования в сельскую школу села Талое Ирбейского района. В это время работы молодого художника впервые были представлены на краевой выставке. Работая учителем, Довнар не оставлял творчества и к моменту возвращения в Красноярск в 1967 г. написал множество работ. Его живописные холсты сразу же вошли в экспозицию краевой выставки. По приезду в столицу края Довнар устроился преподавателем в детскую художественную школу им. В. И. Сурикова. В течение почти 40 лет Антон Аркадьевич был ведущим педагогом школы.

Антон Довнар был участником самых разнообразных выставок: от краевых до всесоюзных и международных. С 1975 г. он член Союза художников, в 1981 г. был награжден медалью «За трудовое отличие», в 1992 г. получил почетное звание заслуженного художника России. Антон Довнар часто совершал длительные поездки на Север, в Саяны, в тайгу. Каждое такое путешествие выливалось в новые полотна, наполненные любовью к миру природы.

Художественное наследие Антона Довнара — пейзажи и натюрморты — хранится в музеях Красноярского края, государственных и частных коллекциях России, США, Германии, Польши, Японии и других стран.

Похоронен в Красноярске.

живописных работ часто является природа Бурятии, женские образы.

Родился в 1950 году в селе Улан-Булак Агинского Бурятского национального округа Читинской области. Окончил среднюю школу в посёлке Могойтуй, служил в Советской Армии, в 1975 году окончил Иркутское училище искусств (преподаватели В. В. Тетенькин, Л. Н. Гончар).

В 1975—1981 годах обучался в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (Ленинград), мастерская Е. Е. Моисеенко.

С 1981 года работал в Художественно-производственных мастерских при Союзе художников Бурятии.

Член Союза художников СССР с 1984 года.

С 1991 по 2013 годы — главный художник Бурятского государственного академического театра драмы им. Х. Намсараева.

Произведения находятся в Художественном музее им. Ц. С. Сампилова (Улан-Удэ), в галерее «Ханхалаев» (Москва), галерее Виктора Бронштейна (Иркутск), в музеях г. Читы, г. Якутска, в Монголии, в фондах «Росизопропаганда», в частных коллекциях.

августе 1976г. - графический факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. Член Союза художников России с 1990 года. Участник более 100 выставок (ряда мастер-классов) в Санкт-Петербурге, России и за рубежом. 8 персональных выставок в СПб. Работает в техниках акварели и пастели, занимается эстампом, офортом.

Русское реалистическое искусство нашло достойное продолжение своих традиций в творчестве замечательного петербургского художника Евгения Дубицкого. В этом отношении имена И.Шишкина, Ф.Васильева, И.Левитана, В.Серова стоят к нему значительно ближе, чем многие из его современников.
Несомненным фактором формирования его творческой индивидуальности являются традиции Академии художеств. Впечатляет мастерство и разнообразие освоенных художником техник: пастель, живопись маслом, акварель, карандашный рисунок, офорт. И, несмотря на различие художественных приемов, все они несут в себе яркий отпечаток авторского стиля. Основным мотивом творчества Е. Дубицкого является русская природа. Ее отдаленные уголки, деревенские виды и городские пейзажи одинаково привлекают художника. С особой любовью он пишет окрестности Петербурга, Павловска, старых русских городов.
Однако мастерство и творческая самобытность художника не исчерпывается только пейзажным жанром, Е. Дубицкий проявил себя и как талантливый портретист.
В своем творчестве он не гонится за модой, сомнительной славой, ему чужды самореклама, негативные качества, которые характеризуют многих современных художников. Его живопись сосредоточена на выявлении качеств натуры, ее внутреннего смысла, красоты. С какой легкостью художник передает свет, воздух, пространство, настроение и внутреннее состояние. Пейзажи Е. Дубицкого наполнены добротой, любовью к природе и несут в себе яркий отпечаток его большого таланта.
Член Союза художников России с 1990 г.
Участник международных, всесоюзных, республиканских и Петербургских выставок.
Работы художника находятся в музеях и частных коллекциях в России и за рубежом.
Живет и работает в Санкт-Петербурге.

Музейные собрания:
Государственный Эрмитаж. Государственный Русский музей.
Музей Ватикана. Государственный музей городской скульптуры С-Петербург.
Отдел эстампов Российской национальной библиотеки С-Петсрбург.
Музей-заповедник "Павловск".

Персональные выставки:

1994 Выставка акварели, С-Пб. Летний сад. Чайный домик.
1995 Акварель, офорт. С-Пб. Музей-квартира А. Блока. 1999 Пастель. С-Пб. Галерея "Гильдия мастеров".
2001 "Пейзажная сюита". Живопись, пастель. СПб. Музей городской скульптуры.
2002 "Грезы природы". Офорт, акварель, пастель. С-Пб. "Печатня". Петропавловская крепость
2004 Живопись, пастель, акварель. Галерея на Свечном 5.

Основные выставки:

1985 Республиканская выставка молодых художников. Ленинград. ЦВЗ "Манеж".
1995 "Царскосельская коллекция". Берлин.
1996 "Петербургские художники". Вашингтон.
1999 Всероссийская выставка "200-лет со дня рождения А.С. Пушкина". Москва.
2000 "Петербург- Москва". С-Пб. ЦВЗ "Манеж" 2000 "Акварелисты Петербурга". Новгород.
2002 1 Биеннале графики в Санкт-Петербурге. С-Пб. СХ
2002 Проект "Европастелъ". Выставка "С-Петербург-Нева". С-Пб. Особняк Румянцева.
2002 Выставка, посвященная 70-летию С-Петербургского Союза художников. С-Пб. ЦВЗ "Манеж".
2002 Международный фестиваль пастели. Франция.
2003 "Искусство современной пастели в Европе". Италия, Пьемонт.
2003 I Биеннале "Петербургская пастель".С-Пб. СХ.
2003 "300 лет Санкт-Петербурга в зеркале акварели". ГМЗ. Петергоф (музей семьи Бенуа)
2004 "Петербургская пастель в Петергофе". Петергоф (музей семьи Бенуа).
2004 II Биеннале графики в Санкт-Петербурге. С-Пб. ЦВЗ "Манеж".
2005 Выставка Петербургского нательного общества. Пермь.
2005 "Петербургская пастель ". Ижевск.
2005 II Биеннале пастели в Санкт-Петербурге. С-Пб. СХ.
2006 III Биеьна п графики в Санкт-Петербурге. С-Пб. ЦВЗ "Maнеж"

России. Родился  29 января 1966 года в  селе Дульдурга Читинской области. Обучался в московской средней художественной школе им. Томского. В 1983 году получил диплом конкурса на лучшую композицию среди художественных школ СССР.

1986—1992 Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова. Монументальное отделение.

В 1999—2000 гг. участие в росписи Храма Христа Спасителя в творческой группе под руководством Е. Н. Максимова. В 2004 году в течение десяти месяцев храм Казанской иконы Божией Матери Казанского вокзала расписывали под руководством Бато. Награждение медалями преподобного Сергия Радонежского II степени и «патриаршей грамотой» от патриарха Московского и всея Руси Алексия.

Член Московского союза художников. Живет и работает в Москве. Бато Дугаржапов включен в Забайкальскую энциклопедию как деятель культуры. Постоянный участник выставок «Арт-Манеж» и «Арт-салон в ЦДХ», а также выставок организуемых Московским Союзом Художников. Постоянно экспонируется в ряде галерей России, Франции, США, Англии.

обучался и с отличием окончил Ленинградское Высшее Художественно- Промышленное Училище им. В.И. Мухиной. В 1984-1986 гг. служил в рядах Советской Армии. Свою трудовую деятельность начал в1981г. художником–исполнителем на оформлении строящегося Бурятского Театра Драмы. По окончании института снова влился в коллектив ХПМ ХФ РСФСР как скульптор-монументалист. В 1993г. вступил в члены Союза Художников России, зарекомендовав себя как состоявшийся художник, принимая участие в местных, зональных, Российских выставках будучи студентом ЛВХПУ им. Мухиной. Его работы отличают сочетание традиционной восточной культуры и современного искусства, тонкий психологизм, монументальность и нестандартный подход. В дальнейшем совершенствовал свое мастерство и сегодня представлен в Государственной Третьяковской Галерее. В 2001г. был избран членом правления Союза Художников Республики Бурятия, где проявил себя на общественной работе. Так же 2002г. стал председателем Регионального общественного фонда возрождения старобурятского искусства «Буряад Зураг», принимал участие в реставрации старейших в России Цугольского и Агинского дацанов. В 2002г. вступил в члены Творческого Союза Художников России. 1999г.- Диплом Союза Художников России, 2003г.- Диплом Российской Академии Художеств, 2004г.- Серебряная Медаль Творческого Союза Художников России , 2007г. – «Заслуженный художник Республики Бурятия»

художественную школу имени В. Сурикова, Ленинградское художественное училище имени В. Серова, где обучался у А. Лекаренко, искусствоведческое отделение Ленинградского института живописи, ваяния и зодчества имени И. Репина. Заслуженный работник культуры Российской Федерации. С 1964 года работает в Красноярской художественной школе имени В. Сурикова. Излюбленный мотив произведений Ю. Дударева – деревня. Этот сюжет художник выбирает для визуализации понятий простота и открытость, ставших одной из важнейших идей его творчества. Основной жанр, в котором работает Ю. Дударев, - пейзаж, изображение родного любимого края, одновременно красивого и скромного. Вибрирующие мазки, к которым мастер пришел за долгие годы работы, помогают ему передать зрителю чувственность природы и всего, что окружает человека. Он мастер цвета: в его полотнах множество различных оттенков, моделирующих свет, тень, форму и фактуру. Юрий Дударев и новатор, и преемник, поэтому его творчество – это вклад в развитие русского реалистического пейзажа.

в Красноярске. В 1970 году с отличием окончил Красноярское художественное училище им. В.И. Сурикова и был оставлен в училище на педагогическую работу, где и работает уже более 40 лет. Участник разнообразных художественных выставок различного уровня. С 1982 года является членом Союза художников СССР. В 2001 г. за участие в Международной художественной выставке в Греции (г. Афины) получил благодарственное письмо от ЮНЕСКО. В 1997 г. присвоено звание «Заслуженный работник культуры Российской Федерации». В 2008 г. награжден дипломом Российской Академии художеств.

Работы находятся в частных коллекциях России, Японии, Германии, Греции и США.

основательно осваивая технику офорта. С огромной любовью ею написан портрет отца, выполненный в этой технике.

художественную школу. С 1932 года жил в городе Красноярске. Учился в землеустроительном техникуме; работал художником в городских клубах и Доме Красной Армии, в художественной мастерской при комитете по делам искусств. В 1939 году окончил Красноярскую художественную школу (педагоги А. С. Шестаков; Д И. Каратанов). Участник Великой Отечественной войны. С 1946 года — участник краевых выставок. Член правления товарищества «Художник». В 1949—1962 — член правления Красноярской организации союза художников РСФСР; в 1956—1960 и в 1961—1962 — председатель правления. Делегат I Всесоюзного съезда советских художников (Москва, 1957 год); II съезда художников СССР (1962 год). Участник республиканских и всесоюзных выставок.

Скончался 31 июля 2000 года в Красноярске.

Произведения художника экспонируются также в других музеях России, хранятся в частных собраниях российских коллекционеров; много работ Я. С. Еселевича в 1980-е годы было продано за границу, находятся в частных собраниях США и Японии.

педагогическом училище. В 1968  году  окончил Киевский государственный художественный институт. Преподавател рисунок и живописи в Бердянском педагогическом институте с 1968 по 1972, затем в 1997-1998 гг. в   Смоленском государственном институте искусств.

В 2004 Избран в состав ревизионной комиссии Смоленской организации Союза художников России.

С 1972 года участник областных художественных выставок в Запорожье, затем в г. Бердянске, с 1997 года участник областных художественных выставок в г. Смоленске.

Работы художника хранятся в Дирекции выставок г. Киева, 1-й частной галерее г. Киева, в Бердянском художественном музее им. И. Бродского, Ростовском историческом музее, историческом музее г. Приморска Запорожской области, в историческом музее г. Бердянска, находятся в частных коллекциях в России, Канаде, Израиле, США, Германии, Болгарии, Польше, Украине. 

Автор принадлежит к тому поколению, детство  которого оказалось опаленным войной. Родился он в деревне Кощино под Смоленском в 1938 году. Ему было всего 3 года, когда началась война. Но память сохранила воспоминания о том, как, пытаясь эвакуироваться, семья дошла до Ельни, как потом вернулись домой, как прятались от бомбежек и артобстрелов в выбоинах от разрывов, в надежде на то, что «снаряд дважды в одно место не падает». Может быть потому тема войны – одна из самых важных в его творчестве. И представленные на выставке работы «Похоронка», «Сорок первый год», «День Победы» тому подтверждение.

 После войны Жуковы неоднократно меняли место жительства. Отца, как хорошего специалиста-агронома часто переводили из одного региона Смоленской области в другой. Так в 1954 году семья оказалась в Рославльском районе. Жили в Перенке, а учиться Владимир стал в Рославльской школе №6.  После ее успешного окончания Жуков поехал поступать в Витебское художественно-графическое училище. Окончить его Жукову не пришлось,- его призвали на службу в армию. Демобилизовавшись, Владимир решил получить высшее художественное образование. С этой целью он стал студентом Киевского государственного художественного института. Его учителями были такие известные мастера живописи и графики как Л.Витковский, В.Костецкий, Т.Яблонская.

    В 1968 году по окончании института в. Жуков уехал по распределению в г. Бердянск, где прожил почти 30 лет. Он преподавал рисунок и живопись в Бердянском педагогическом институте, а также много работал в области монументально-декоративного искусства. Его росписи и резьба по дереву украшают многие здания Бердянска; интерьеры агентства Аэрофлота, техникума виноградарства и виноделия, кулинарного и медицинского училищ.

    С 1987 года В.Жуков – член Союза художников СССР, с 1991г. – член Союза художников России.

    В 1996 году художник вернулся в Смоленск, где преподавал живопись и рисунок в колледже при Смоленском государственном институте искусств.

   Творческие интересы Владимира Жукова очень разнообразны. Кроме монументальной и станковой живописи и графики он занимается книжной иллюстрацией, резьбой, медальерным искусством.

    На нашей выставке представлены живописные и графические работы художника. С первого взгляда на работы Жукова чувствуется, что за плечами у него хорошая школа. Он свободно владеет рисунком и композицией, хорошо чувствует цвет. Восхищает разнообразие жанров представленных на этой сравнительно небольшой (около 50 работ) выставке и количество техник и приемов, которые художник использовал при их написании. Трудно поверить, что эти разноплановые, непохожие друг на друга работы выполнены одним автором. Обычно у художников есть свои излюбленные жанры, а Жуков пишет и портреты, и пейзажи, и натюрморты,  занимается тематической и исторической живописью. Что же касается техники, то ему подвластны и живопись и графика. Одно только перечисление техник, в которых работает мастер, впечатляет: масляная живопись и акварель, сангина и сепия, пастель и темпера, монотипия и офорт. Причем этот богатый арсенал не самоцель для художника, а каждый раз наиболее удачный способ решения художественных задач, которые автор ставит перед собой.

    И, хотя всеми техниками Владимир Корнеевич владеет в равной степени хорошо, по его работам чувствуется, что любит он больше всего акварель. Его акварельные работы отличаются красотой и свежестью и совсем не похожи одна на другую.  Если в одних работах акварель светлая, легкая, воздушная ( серии «Тракай», «Деревенская банька»), то в других она может быть плотной почти как масляная живопись, хорошо передающей материальность предметов, их фактуру («Деревенская кузница», «Натюрморт с сухими цветами», «Натюрморт со старым коробом»).

    Виртуозное владение техникой акварели позволяют художнику даже очень скупые по цвету, почти монохромные работы делать изящными и красивыми. Это, в первую очередь,  блестящий натюрморт «Старые самовары», написанный легко и свободно, в одно касание, но при этом хорошо передающий холодноватый блеск металла и весомость изображенных предметов.

    Иногда Жуков соединяет в своих работах разные манеры письма. Так в очень изысканном портрете Романовской лицо, нарядное платье, металл украшений написаны многослойной акварелью, а для фона автор использует технику « а ля прима».

    Очень много работает художник и пастелью, которая у современных художников особой популярностью не пользуется. Техника сложная, да и работы сохранять трудно. У Жукова же пастель – один из любимых материалов. Он очень умело использует ее выразительные средства. В серии «У южного моря» некоторая белесость, характерная для пастели, остроумно использована Жуковым для передачи яркого южного солнца как бы выбелившего все вокруг. А в серии «Вечера моего детства» тревожная красноватая цветовая гамма и бархатистая зыбкость пастели создают очень сложное настроение; сквозь дымку воспоминаний трудное послевоенное детство окрашено поэзией и легкой грустью.

    И, конечно, говоря о выставке Жукова, нельзя не остановиться подробнее на его интереснейшей серии «Скифы. По материалам раскопок». Интерес Жукова к скифам не случаен. Недалеко от Бердянска, где жил художник, проходили раскопки скифских курганов. И однажды увидев предметы, извлеченные археологами, Владимир Корнеевич заинтересовался скифской историей. Он сам спускался в раскопы на 9-ти метровую глубину, беседовал с историками и археологами, читал всю имеющуюся о скифах литературу. Результатом этого увлечения и стала представленная на выставке серия. Она состоит из 7 работ, объединенных общим форматом. Кроме того, на каждой работе имеется изображение какого-либо предмета из скифских курганов. А действие, происходящее на картине, как бы обыгрывает эти предметы. Работы изображают различные сцены из жизни этого кочевого народа. Мы видим скифов воинов, охотников и ремесленников, похороны скифского вождя, а также  сцены, отражающие обычаи и верования скифов («Посвящение в тайны жизни и смерти», «Могилы предков священны»). Дополняет серию живописное полотно «Скифская царица». Серия представляет интерес не только для любителей изобразительного искусства, но и для тех, кто интересуется историей, так как при ее создании художник опирался на серьезную научную базу.

    24 октября  Владимир Корнеевич Жуков был гостем нашего выставочного зала. На встречу с ним пришли преподаватели и учащиеся детской художественной школы, местные художники, представители общественности и средств массовой  информации. Сюрпризом для художника стала встреча с любимой учительницей литературы Ниной Леонтьевной Дубовицкой. Владимир Корнеевич много рассказывал о себе и своих учителях, затем отвечал на вопросы зрителей. Он оказался не только замечательным художником, но и интересным  человеком.

Корнеенко  Н.И.

Член Профессорского собрания Красноярского края. Является участником международных, всероссийских и региональных художественных выставок.

            В 1983 году окончил с отличием отделение истории искусства Уральского государственного университета. С 1985 года работает в Красноярском государственном университете (сейчас - СФУ).

Почётный работник высшего профессионального образования Российской Федерации. Удостоен почётного звания «Основатель научной школы», с вручением диплома «Золотая ка¬федра России».

В 2007 году в выставочных залах Красноярского музейного центра прошла инсталляция В. И. Жуковского под названием «Отношение». На выставке были представлены объёмные художественные работы, которые взаимодействовали в пространстве друг с другом и со зрителями.

            В 2011 году вышел в свет альбом В. И. Жуковского «Визуализация избранных мудростей Екклесиаста». В нём была осуществлена попытка наряду с иллюстрированием сюжетов библейского текста, наглядно представить, визуализировать сущность Священного Писания.

            23 апреля — 22 мая 2011 года в Санкт-Петербурге в Большом зале Музея нонконформистского искусства прошла выставка В. И. Жуковского «Искушение мудростью».

            В 2012 году опубликован альбом В.И. Жуковского "Чёк". В альбом вошли три коллекции работ — «Бунчала», «Дурынды» и «Вякушки», исполненные во взаимодействии с такими художественными материалами, как пластилин, мятая бумага и цветные карандаши.

            В 2013 году вышел в свет альбом "Тыто", в который вошли четыре коллекции авторских изделий — «Дикзве», «Хахашк», «Ангел» и «МаиПа». Художественным материалом послужили дерево, проволока, ткань, леска, темпера, цветные карандаши, маркеры и пр.

            В 2014 году выставлялся в коллективной выставке «Красноярские Столпы» в Санкт-Петербурге в галерее «Эрарту».

Мы продолжаем рассказывать своим зрителям о современном искусстве Красноярска. Оно всегда было предметом нашего особого внимания и интереса. «Сучки и задоринки» очень яркий, эмоциональный и вместе с тем философский проект. Это, по сути, огромная инсталляция, где произведения автора вступают со зрителем в диалог, приглашая к размышлению, вызывая бурю эмоций, позволяя почувствовать процесс творчества, как бы изнутри - почувствовать и пережить его.

Автор работает в разных направлениях: графика, инсталляция, арт-объекты. Многие работы будут показаны впервые. Арт-объекты создаются не как функциональные, унитарные вещи, а именно как вещи, в которые вложена душа творца. Фантазия и мастерство Владимира Ильича позволяют ему создавать произведения, используя любые предметы и материалы, порой очень неожиданные.

Работы Владимира Жуковского это небольшие философские притчи, выраженные в художественной форме.

художника прошли в Сибири. С 1959 по 1960 год обучался в Вечерней Красноярской художественной школе им. В.И. Сурикова, затем, с 1961 по 1964 год в Ленинградской студии изобразительного и прикладного искусства ЦП ВОГ. Занимался в творческой мастерской народного художника СССР, академика, профессора Е.Е. Моисеенко.

С 1973 года - член СХ РСФСР.

С 1978 года - Заслуженный художник РСФСР.

В 1984 году начал заниматься преподавательской деятельностью в Красноярском государственном институте искусств, а с 1987 года по 2002 год работал в Красноярском государственном художественном институте. Став профессором, начал руководить персональной творческой мастерской живописи.

Избран членом-корреспондентом Академии Художеств СССР 17 марта 1988 года, а в 2001 году становится Народным художником России.

Награждён орденом Знак Почёта, серебряной медалью им. М.Б. Грекова, дипломами Совета министров РСФСР, Академии художеств России, Союза  Художников РСФСР и др.

Произведения находятся в музеях Красноярска, Кемерово, Барнаула, Норильска, Новосибирска, Томска, в собраниях Министерства культуры России, в частных коллекциях России и за рубежом.

Скончался 13 мая 2002 года в городе Красноярске.

Об авторе:

Детство и юность прошли в Сибири. В возрасте четырех лет, после тяжелой болезни потерял слух, учился в Ачинской школе для слабослышащих детей. Окончил вечернюю Красноярскую художественную школу им. В.И. Сурикова (1959-1960), где получил основы изобразительного искусства, затем - учеба в Ленинградской студии изобразительного и прикладного искусства ЦП ВОГ (1961-1964), институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, в персональной творческой мастерской народного художника СССР, академика, профессора, прекрасного мастера живописи Е.Е. Моисеенко (1964-1970). В Красноярск вернулся в 1971 году после окончания института, и вся его дальнейшая жизнь связана с сибирской землей.

С 1973 года является членом Союза художников РСФСР. В 1978 году присвоено звание «Заслуженный художник РСФСР». Далее была преподавательская деятельность в Красноярском государственном институте искусств (1984). С 1987 года по 2002 год работал в Красноярском государственном художественном институте. С 1989 года руководил персональной творческой мастерской живописи.

С творчеством народного художника России (с 2001 г.), члена-корреспондента Российской академии художеств СССР (17 марта 1988 г.), профессора Красноярского государственного художественного института (1990) связаны яркие страницы искусства Красноярского края

Сразу же, с первых его картин, экспонировавшихся на выставках в 1971-1972 годах, стало понятно - в крае появился яркий, талантливый, ищущий художник, которому по плечу решение самых смелых задач в живописи. Серьезная школа, пройденная в мастерской Е.Е. Моисеенко, научила молодого живописца не только высокому профессионализму, но, прежде всего, умению работать творчески, самозабвенно, находя выразительные образные художественные средства, адекватные замыслам полотен.

До конца 1960-х - начала 1970-х годов о развитии в красноярской живописи тематической картины и портрета говорить достаточно сложно. Лишь с появлением в крае С.Е. Орлова и А.М. Знака стало возможным говорить о новом качественном этапе в развитии картины и портрета.

Знак с искренностью, с любовью к своим персонажам, с какой-то генетически заложенной в нем острой интуицией, с великолепным пониманием живописных задач в каждом полотне буквально ворвался как свежий ветер на выставочные площадки. Его полотен ждали, каждое из них являлось событием, почти все сразу же после написания становились достоянием музеев: «Красноярск. 1905 год», «Доярки» (1971), «Часовой погранзаставы» (1973), «Три танкиста» (1975), «Конец колчаковщины» (1977), «Братья» (1980), «Ожидание» (1987), триптих «Петр I» (1994-1995). В самых традиционных темах Знак умел найти свое собственное неожиданное решение. Например, картина, посвященная людям Крайнего севера, «В низовьях Енисея. Ожидание» наполнена не жизнеутверждающим началом, в ней представлены не хозяева севера, как это нередко трактовалось в искусстве. Художник увидел нелегкую жизнь рано постаревших женщин севера, измученных бесконечным ожиданием мужей и сыновей.

Прекрасный мастер хоровых композиций, А.М. Знак был и великолепным портретистом. Каждый портрет - это целый мир, где индивидуальность, неповторимость каждого человека, его многогранность и самобытность раскрываются через призму художественного прочтения образа живописцем. За более чем тридцатилетний период творчества Знаком написаны десятки портретов, за каждым из которых людские судьбы «Портрет инспектора ГАИ Л.М.Руденко, «Тоня», «Девушка из Тынды», «Портрет В.П.Астафьева», «Сибирячка», «Портрет А.И.Лебедя» и многие, многие другие.

Картины, портреты, проникновенные пейзажные работы, тонкие изысканные натюрморты - что бы ни писал А.М.Знак, всегда это был высокий профессионализм, настоящее искусство. Оно осталось с нами…

Оно осталось и в учениках Анатолия Марковича, которым он щедро отдавал свои знания, свое мастерство. Даже будучи тяжело больным, Анатолий Маркович находил силы давать своим студентам последние советы.

Тридцать лет блестящего творчества - и лишь одна большая персональная выставка А.М.Знака (2000 год), которую его с трудом уговорили сделать. Но когда выставка была открыта, еще раз можно было убедиться, какой серьезный зрелый мастер живет и трудится в Красноярске. За большой вклад в искусство А.М.Знаку было присвоено звание Народный художник России, он был избран членом-корреспондентом Российской Академии художеств.

Почти 20 лет Анатолий Маркович Знак преподавал в Красноярском художественном институте в мастерской реалистической живописи. Более сорока выпускников-живописцев защитили дипломы под его руководством.

Многие молодые художники с благодарностью вспоминают своего учителя: «В нём гармонично сочетался мощный талант живописца и мудрость учителя… Знак был первым в обеих этих ипостасях…». «С нами была его чуткая поддержка, похожая на поддержку отца, который знает и радость и муки творчества, и его плоды». Встреча с таким человеком в жизни – это большая награда и он всегда будет тем примером, к которому хочется стремиться. Работы «знаковцев» различаются по жанрам, сюжетам, манере исполнения и художественному языку: это и иерусалимский пленэр Константина Воинова, и тонкие психологические портреты Александра Волокитина, французские натюрморты Виктора Воинова, лирические композиции и пейзажи Людмилы Войновой-Чибис, эмоциональные портреты и пейзажи Сергея Горбатко, выразительные натюрморты Александра Щербакова и Сергея Карбушева, уголки старого Красноярска в пейзажах Владимира Хомяка и Алексея Ломакина, солнечные портреты Марии Пономаревой, яркие декоративные композиции Юлии Ивановой, натюрморты Виктории Дидковской, Татьяны Блеч, Татьяны Щербовой. Всех авторов объединяет главное – искреннее самозабвенное служение искусству, которому на собственном примере учил их Анатолий Маркович Знак. Учитель спокойно относился к новаторским поискам своих учеников, но считал, что у каждого ученика, прежде всего, должна быть добротная основа – школа.

Мастерство живописца не раз было отмечено высокими наградами: он был лауреатом премии Ленинского комсомола Красноярского края, награждался дипломами Совета министров РСФСР, Союза Художников РСФСР, Академии художеств России, и др., награжден серебряной медалью М.Б. Грекова, орденом «Знак Почета».

Произведения находятся в музеях Красноярска, Кемерово, Барнаула, Норильска, Новосибирска, Томска, в собраниях Министерства культуры России, в частных коллекциях России и за рубежом.

Скончался 13 мая 2002 года в городе Красноярске. Добрый лучистый человек, талантливый неповторимый художник - таким останется Анатолий Маркович Знак в памяти родных, друзей, учеников, художников, многих благодарных зрителей, всех, кто соприкасался с его светлой доброй душой. Навсегда останутся с нами его проникновенные полотна, в которых живет его трепетная душа, его любовь к людям.

В течение сентября-октября 2011 года в выставочном зале Козульского Дома ремесел прошла выставка, посвященная творчеству нашего земляка. На малую родину Анатолия Марковича среди прочих гостей приезжала и главная почитательница его таланта – дочь Ирина Анатольевна Знак. Все присутствующие на открытии выставки отметили тогда важность и значимость мероприятия для нашего района. Для жителей представилась возможность познакомиться с творчеством земляка, для школьников прошли познавательные уроки, приобщившие младшее поколение к культуре живописи.

И вот вчера, 3 декабря, накануне празднования 80-летнего юбилея Красноярского края, в Козульке состоялось торжественное открытие мемориального знака выдающемуся деятелю культуры, прославившему Красноярский край, внесшему значительный вклад в развитие изобразительного искусства родного края.

Дом, в котором проживал Анатолий Маркович, не сохранился, поэтому памятную доску решено было установить на фасаде Детской школы искусств. Почетное право снять занавес с мемориального знака и возложить к нему цветы было предоставлено главе района Федору Владимировичу Гардту. В приветственной речи Федор Владимирович тепло отозвался об Анатолии Марковиче, с которым лично был знаком, и выразил твердую уверенность, что нынешние подрастающие таланты не посрамят имя нашего великого земляка, а многократно приумножат его славу.

Использованы материалы пресс-службы аппарата главы г. Ачинска 

литью из бронзы: «Танец шамана» и «Охотник», «Буддийский лев» и «Лягушка», «Рыбак» и «Мэргэн». Буддийские мотивы и - одновременно - земное начало. Первые впечатления детства и творения, впитавшие в себя мудрость и опыт. В каждой бронзовой фигурке - что-то единственное и неповторимое, что-то запоминающееся навсегда.
Бронзовые миниатюрные фигурки, пожалуй, наиболее характерны для Гэсэра Зодбоева, они раскрывают его душу, позволяют постичь суть творчества Мастера.
Но кроме этих и других бронзовых фигурок, Гэсэр, уйдя из жизни в неполные 45 лет, оставил и многое другое. В соавторстве с Дмитрием Будажабэ член Союза художников России создал двухметровую бронзовую скульптуру Будды Шакья-муни, бронзовую скульптуру «Калачакра», фонтан «Рыбки». Гэсэр Зодбоев - автор проекта ступы «Яндул Субурган».
Занимался Гэсэр, сын известного художника Батора Зодбоева, потомок великих лам Даши-Доржо Итигэлова и Сан-жи-Цыбика Цыбикова, и резьбой по дереву. По его проекту, например, сделаны разные двери музея истории Бурятии, где проходила выставка.
На открытии первой крупной персональной выставки Гэсэра Зодбоева выступили директор музея Вера Михайлова, начальник отдела музеев Министерства культуры Николай Еманаков, генеральный директор АО «Байкалмет», друг и спонсор скульптора Валерий Цыренжапов, директор республиканского художественного музея, кандидат искусствоведения Татьяна Бороноева, сын скульптора Евгений Зодбоев. Все они говорили о замечательной Вселенной образов, которыми наводнил мир талантливый скульптор, о его трудолюбии, о способности добиваться предельной выразительности каждого произведения.
Трудно перечислить все выставки, в которых принимал участие скульптор - от городской выставки молодых художников до второго международного фестиваля искусств «Традиции и современность». Его работы бережно хранятся в частных коллекциях России. Есть они, например, у Анатолия Чубайса, Юрия Лужкова, одного из крупнейших бизнесменов Виктора Вексельберга. Творения Зодбоева разлетелись по всему миру. Их можно встретить во Франции, Японии и других странах. Но, наверно, высшая оценка творчества Гэсэра - это то, что его бронзовую фигуру «Первая молитва» хранит у себя сам Далай-лама XIV.
Пусть всегда будут жить творения Мастера! Пусть заставляют они людей размышлять о жизни, о мире, о вечности!

Его скульптуры можно сравнить с картинами – они наглядны, сюжетны, с ярко выраженным настроением и потрясающей пластикой. Каждая фигура существует в атмосфере чувств – она несет эмоции и вызывает их у людей. Такой живой отклик и делает работы мастера уникальными. Женщины подолгу останавливаются перед скульптурой «Ожидание»: будущая мать вслушивается в себя, ведет тихий разговор с еще не рожденным ребенком. Материнская любовь и нежность раскрываются теплотой бронзы, выразительностью форм, плавными линиями. Сколько души вложил автор в свою работу!

А вот как рассказывает о другой скульптуре Гэсэра – «Воин нижнего мира» – искусствовед Алена Кабунова: «Мифологичность и ассоциативность мышления скульптора явили могучего воина-скорпиона, в облачении которого переплелись элементы архаики, а сам его облик несет черты зооморфности. Зеркальная гладкость поверхности металла в сочетании с рельефной проработкой деталей рождает декоративную ритмическую выразительность. Стихийная чувственная сила воина словно закована в панцирь металла, но мгновение – и статичный образ оживет, разорвав оковы бронзы».

На выставке можно увидеть скульптуру под названием «Первая молитва», одна из авторских копий которой находится в коллекции Его Святейшества далай-ламы XIV. Ее называют связующей нитью между физическим и духовным миром людей. Каждая скульптура – это размышление Гэсэра о своей жизни, о предназначении, о гармоничном соприкосновении мимолетности и вечности. Может, потому к ним хочется прикоснуться рукой, почувствовать теплоту бронзы, убедившись, что это не иллюзорный, не имеющий веса образ пойманного мгновения, а тяжелый металл, подвластный задумке мастера.

«Гэсэр работал в технике утраченного воска, больше известной у нас как техника бронзового литья, – рассказала на открытии выставки арт-директор «Гороо» Лина Ермонтович. – Сначала автор создавал рисованный эскиз будущей скульптуры, потом делал ее точную копию из пластилина, затем слепок из воска. При нагревании воск таял и образовавшуюся пустоту заполняла жидкая бронза. Бронзовое литье широко используют западные скульпторы, но у многих из них нет четкости в передаче линий. Гэсэр же применял специфическую для бурятского искусства технологию чеканки бронзы. Оттого текстура его работ такая рельефная, плотная, а поверхность – зеркальная».

Долгое время Гэсэр Зодбоев работал с такими известными мастерами, как Дмитрий Будажабэ и Даши Намдаков. Сейчас его работы находятся в государственных и частных коллекциях России, Японии, Франции. Знакомые с его творчеством люди говорят о Гэсэре: он заставил металл светиться изнутри.

Вера Инёшина

литографии. Его офорты экспонировались на многих художественных выставках. Офорты и литографии хранятся в 13-ти музеях России и США и у коллекционеров более 50 стран мира.

Эксперты считают работы Зорина уникальным явлением в пейзажном искусстве, а его офорты можно сравнивать только с наследием старых мастеров времен Дюрера. Он является одним из десяти художников в России, выполняющих уникальные цветные гравюры. Зорин владеет полным арсеналом технических ресурсов для глубокой печати. Его лучшие работы неоднократно выставлялись и воспроизводится в различных изданиях"

Офорт, как уникальная графическая техника ведет свою историю с XV века. Ее особенности в том, что она: делается вручную, все этапы работ выполняет сам художник; малотиражная, количество отпечатков тиража - до сотни экземпляров; трудозатратная, на изготовление офорта может уйти до нескольких месяцев работы.

Народный художник России. Лауреат Государственной премии РСФСР им. Репина И.Е.Член-корреспондент АХ СССР.

Родился в г. Мичуринске Тамбовской области.

В 1957 г. окончил Пензенское художественное училище им. К. А. Савицкого

(учился у И. С. Горюшкина-Сорокопудова).

В 1963 г. окончил Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова,

мастерская Е. А. Кибрика. Офорту учился у М. Н. Алексича, у Е. А. Кибрика – станковой графике.

прикладного искусства.

Член Союза художников IFA.

Занимается живописью, станковой и книжной графикой, офортом, литографией.

Оформила и проиллюстрировала около 10 книг. Создала выразительные графические циклы к повести Н. В. Гоголя «Невский проспект», к романам Ф. М. Достоевского «Идиот» и «Братья Карамазовы».

Участник всероссийских, региональных и зарубежных художественных выставок, в том числе персональной выставки в Музее-квартире Ф. М. Достоевского.

Работы художницы находятся в Литературно-мемориальном музее Ф. М. Достоевского, в музеях и частных коллекциях России, Китая и других стран.

То, что мы видим, должно быть реальным. Искусство при этом становится конструктором реальности.

Герберт Рид

Графическое искусство можно представить себе как особую форму художественного размышления, соединяющую аналитическое познание внешнего мира с бессознательно-чувственным мировосприятием. Это искусство сродни ваянию – за кажущимся волшебством импровизационной легкости могут скрываться месяцы внутренних переживаний и кропотливого рукоремесла. Ясность пластического решения, подчеркнутый лаконизм и даже известная лапидарность (напомним, что слово «лапидарно» означает «высечено на камне») здесь, как нигде ценятся особенно высоко. Эти качества во многом определяют цельность художественно-образного выражения и остроту психологических характеристик.

В плеяде мастеров современной петербургской графики особое место занимает Анастасия Зыкина – художник-философ и драматург, творчество которого отмечено редким в наши дни духовным аристократизмом.

Искусство гравирования и печати, воспринятое Зыкиной от почтенных учителей, дополненное историческими познаниями и собственными новациями, обретает у нее самостоятельное смысловое звучание и становится ключевой составляющей изобразительного языка. Его особенность состоит в обыгрывании и противопоставлении различных графических приемов, в напряженной драматургии силуэтов и пятен, штрихов и фактур. Ее излюбленная техника – офорт во всем его многообразии: от классического штриха, меццо-тинто, открытого травления и сухой иглы; офорт нередко соединяется у нее с техникой монотипии, позволяющей достигать фактурное многообразие, и шелкографии, дающей возможность обращаться к фотообразам. Многие ее работы могли бы, кажется, служить неким наглядным пособием по всему технологическому арсеналу эстампа, причем почетное место в этом пособии следовало бы уделить и ее печатным латунным доскам, несомненно, имеющим самостоятельное художественное значение.

Впечатляющим дебютом Анастасии Зыкиной, состоявшимся лет восемь назад, стал большой цикл офортов по мотивам романа Ф. М. Достоевского «Братья Карамазовы». Графическая интерпретация этого произведения – задача, которую вот уже более ста лет ставят перед собой художники. Однако ее воплощение в рамках классической традиции книжного иллюстрирования никогда не достигало того уровня, который можно было бы назвать «конгениальным». Тем ценнее для нас стала новая попытка, предпринятая на этом пути представителем молодого поколения, задумавшим соединить авангардные поиски и традиционную технику гравюры на металле.

Анастасия Зыкина, в отличие от «классиков», отказывается от детального изображения того или иного эпизода книги, сводя фабульность к минимуму. Мы не найдем здесь навязчивого многословия и бытописательства. Нет здесь и привычной мизансцены, заставленной бутафорией и населенной замершими на фоне разрисованного задника героями. Отдельные листы представляют предельно обобщенно, почти эмблематично, главные смысловые блоки романа, в ткань которого вплетена череда внешне не связанных между собой философских иносказаний. Листы обладают убедительностью и лаконизмом притч – видим ли мы коленопреклоненную фигуру отца Зосимы, «перечеркнутую» устремленным к земле телом Мити Карамазова, образ Алеши, внезапно ощутившего слияние земной и небесной сфер, или же соединившиеся в блаженстве лики Мити и Грушеньки. Ключом к раскрытию христианской идеи в этих работах является не деталь или жест, но выработанный художником образно-пластический строй, восходящий к иконописной традиции. Слегка удлиненные, четко оконтуренные и немного статичные лица персонажей, «выписаны» гладко, с плавным переходом фона от белого к глубоко черному. Спокойной уравновешенности, ясным очертаниям и почти живописной гладкости пятен-ликов противопоставлена тревожная динамика штрихов, из которых «соткано» пространство окружающих героев.

Следующий большой графический цикл Анастасия Зыкина посвятила прозе Леонида Андреева – автора, творчество которого, озарившее два предреволюционных десятилетия, теперь, пожалуй, стало достоянием только наиболее просвещенного круга читателей. Сегодня этот исследователь пограничных психологических состояний и ниспровергатель религиозных табу, оттеснен в нашей общей памяти другими литературными именами и, во всяком случае, кажется более старомодным, нежели его великий предшественник, подаривший миру легенду о Великом Инквизиторе. Однако при сосредоточенном проникновении в прозу Леонида Андреева это ощущение старомодности, обусловленное, возможно, несколько нарочитым «стилизмом», вообще свойственным Серебряному веку, исчезает, уступая место непосредственно чувственному восприятию. Взяться за графическую интерпретацию прозы Леонида Андреева – шаг до некоторой степени эксцентричный для современного художника, но наверняка обреченный попасть в зону пристрастного «знаточеского» внимания. И здесь усилия Анастасии Зыкиной увенчались успехом: все 43 исполненных ею листа вошли в качестве иллюстраций в недавно выпущенный роскошный том прозы Леонида Андреева, а папка избранных оригинальных офортов в переплете ручного изготовления поступила в Русский музей.

В «андреевской» серии Анастасии Зыкиной теплота, гармоническая уравновешенность и духовный оптимизм, характерный для ее сюиты к роману Достоевского, уступают место откровенно деструктивному началу, которое подчеркивается необычным, но весьма убедительным техническим решением: офортные доски подвергаются разрушению, изламываются, прорезываются, протравливаются насквозь и распадаются на части. Заостренные по углам обломки металла оставляют на бумаге отпечаток, который призван стать ключом к пониманию неспокойного, а подчас и откровенно депрессивного повествования Леонида Андреева. В этих разломах, разрывах, раздвоениях, в явных и неявных отсылках к художественному опыту чтимых толкователей подсознательного – от Босха до боготворимого Леонидом Андреевым Гойи – воскрешается голос писателя. Погружая нас в атмосферу андреевской прозы, Анастасия Зыкина органично вплетает в изобразительный ряд собственный образ, прикрытый виртуозно изобретенными масками. Она словно настаивает на своем «присутствии» в самой ткани литературного произведения, убеждая нас в своем праве свободно интерпретировать визуальный мир писателя и переводить его творчество на язык современного графического искусства.

Графическая сюита Анастасии Зыкиной «Петербургский текст, или Митины сны», созданная по мотивам одноименного литературного произведения известного петербургского автора, знаменовала собою существенный поворот в творчестве художника, который освобождается от психологического надрыва и стремится к непосредственному выражению внутреннего лирико-иронического начала. Коллажное построение, включение ярких цветовых пятен, нарочитая игра диссонансами и отказ от привычной «литературной» логики придает этим крупноформатным листам почти сюрреалистическое звучание. Присущее же этим работам фактурное изобилие, основанное на собственных художественно-технологических разработках, может поставить в тупик даже весьма искушенного мастера, пожелавшего повторить прием. Примечательно, что эта серия создавалась на основе не только еще не опубликованной, но и даже не написанной книги, а каждая ее новелла, по словам художницы, писалась синхронно с созданием графического образа.

В 2011 году Анастасия Зыкина исполнила «квазиграфический» объект «Город Кривулин», посвященный памяти выдающегося поэта Виктора Кривулина, одного из лидеров ленинградского литературно-художественного андеграунда 1970–1980-х годов. Для этого произведения характерна многомерность культурных реминисценций, относящих нас к реалиям ушедшей исторической эпохи, в которой черты трагедии тесно переплетались с абсурдистским фарсом. Сложность культурного подтекста продиктовала и необычность избранной художницей формы: здесь автор выходит далеко за рамки графической техники и принципиально отказывается от бумаги, предпочитая работать только с металлом. Латунные доски, обработанные традиционным для офорта методом, перестают служить матрицей для эстампа и превращаются в самостоятельный артефакт. «Город Кривулин» это – книга-объект, представляющая собой объемную конструкцию из металлических листов, хранящих след офортного травления и тонирования.

Разработанный Анастасией Зыкиной метод получил дальнейшее развитие в ее монументальном цикле из десяти металлических листов, объединенных названием «Семейный альбом». Этот цикл был впервые представлен в 2013 г. на родине художницы – в городе Кирове, а именно – на ее персональной выставке в Вятском художественном музее имени братьев А. М. и В. М. Васнецовых. Этот цикл посвящен исторической памяти двух семей, пути которых пересеклись на дорогах Великой Отечественной Войны, на Ленинградском фронте. Именно здесь, не подозревая о существовании друг друга, воевали два уроженца Вятки – два прадеда недавно родившейся у художницы дочери – Сашеньки. Образный в этих работах выстраивается на основе драгоценной подборки фронтовых фотографий и писем, сохранившихся в семейных архивах.

За этой работой Анастасии Зыкиной последовали свободные графические интерпретации стихов Анны Ахматовой и ветхозаветных притч, коллекционная серия миниатюр «русский эротический алфавит», станковый триптих, посвященный балету Бориса Эйфмана

Страсть к формальному экспериментированию и отказ от банального природоподражательства по некоторым внешним признакам роднят Анастасию Зыкину с иными приверженцами концептуализма, сводящими идею искусства исключительно к феноменам индивидуального сознания. Вместе с тем, ясная метафоричность художественного языка Анастасии Зыкиной, определенность ее чувственно-смысловых ассоциаций и символов, наконец, углубленная увлеченность «профессионально-технической», «ремесленной» стороной художественного дела – всё это выдвигает ее в авангардный ряд современных художников-реалистов, или, вернее, конструкторов реальности.

Дмитрий Северюхин,

доктор искусствоведения

художественном училище им. В.И. Сурикова (1968-1972).

Член Союза художников России с 1989 г.

Участник художественных выставок с 1975 г.

графика, исполненная в техниках офорт и акварель, представлена самобытными и по-европейски уютными пейзажами из серии «Улочки старого города». Приобретенные в антикварном салоне, действующем уже 200 лет, картины, к сожалению, утратили свою связь с автором, который, без сомнения, был очень талантлив и смог передать через творчество всю любовь к своему маленькому древнему городу.

которая помогает добиваться особой бархатистой фактурной передачи изображаемого».

Художник работает в жанре пейзажа, цветочного натюрморта, декоративной композиции. Особое предпочтение он отдает изображению роз, подсолнухов, пионов и сирени. «Дмитрий Ищенко находится в состоянии творческого эксперимента, пробует себя в разных видах и жанрах, экспериментирует с цветом и материалом», – отметил ректор Красноярского художественного института Александр Покровский. По его словам, в работах художника ощущается любовь к многоцветию.

шаги в фотоискусстве сделал благодаря своему отцу, под чьим чутким руководством осваивал не только науку фотосъемки, но и процесс проявки, и даже печати фотографий. Первой камерой стала “СМЕНА-8М”, на которой и были опробованы силы будущего фотографа. В последующие годы Александр сильно увлекся живописью, забросив на время фотографию, но в 1991 году он снова возвращается к фотографии и, теперь уже, всерьез и надолго. Изучение фотоискусства так сильно захватило Александра, что все свое время и силы он посвящал этому занятию. И вскоре появились первые значительные результаты его трудов: в 2001 году, на первом своем конкурсе, он получил премию в номинации «Пейзаж». Стремительно Александр Камакаев ворвался в мир художественной фотографии и достиг в нем значительных успехов. 

В 2003 году А. Камакаев был принят в Союз Фотохудожников России.

В 2005 году состоялась его первая персональная выставка.

В 2007 году впервые прошел отбор на фотоконкурс под патронажем Международной Федерации Фотоискусства (FIAP).

В 2010 году вошел в список Фотографического общества Америки (PSA) “WHO’S WHO IN PHOTOGRAPHY 2009”.

В 2011 году было присвоено международное звание AFIAP (ARTIST FIAP).

В 2012 году было присвоено международное звание EFIAP (EXCELLENCE FIAP).

В 2014 году было присвоено международное звание EFIAP/B (EXCELLENCE FIAP BRONZE).

Работы Александра Камакаева экспонировались в 45 странах мира. На его счету более 12 персональных выставок. А. Камакаев является призером многих национальных и международных конкурсов.

художественное училище им. В.И. Сурикова. Создал несколько тысяч живописных и графических работ.

Участник художественных выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Красноярске, Омске, Барнауле, Томске, Минусинске, Абакане. Как художник и археолог создал метод эстампажного копирования петроглифов на микалентной бумаге. Коллекция «Петроглифы Древней Хакасии» выставлялись в Швеции, Красноярске, Алма-Ате, Фрунзе, Новосибирске. Занимался возрождением художественных промыслов Сибири.

Работы Капелько хранятся в музеях Москвы, Томска, Минусинска, Абакана, Красноярска, в частных коллекциях. Живописные работы художника большей частью связаны с этнической культурой народов Саяно-Алтая: «Тагарские курганы», «Камни памяти», «Шишкинская писаница», « Хорошо в Туве», «Черногорские пасторали», «Дом, в котором я живу». Награжден медалями «Ветеран труда», «В память 850-летия Москвы». Умер 28 сентября 2000 г.

Творчество заслуженного художника России Владимира Феофановича Капелько по-своему уникально для художественной среды Красноярского края и Хакасии. Это художник особого творческого темперамента, с высокой степенью экспрессии, увлекающий зрителя в особую жизненную и историческую атмосферу работ. Его работы наполнены жизнелюбием, позитивным взглядом на мир. Особое видение Сибирской природы и ее истории характерно для всего творчества Владимира Феофановича. Каждая из его работ проникнута особыми впечатлениями, глубиной мудрости. Он выражает настроение не только по средствам цвета, но и формы. Плавные округлые линии также способствуют передаче настроения. Его отличала неповторимая внутренняя свобода, искренность и душевность, которые находили отражение в его произведениях. Особая искренность и эмоциональность, любовь к котам и петухам и к прелестям женских тел, проникнута каждая из его работ. И каждая из этих работ по-своему выстраивает диалог со зрителем.

Особенностью его произведений является уникальная авторская манера, неповторимый художественный язык. Основными темами его творчества являлись пейзажи, натюрморты, работы, написанные в бытовом жанре,  изображения обнаженной натуры, гармонично вписывающуюся естественную природную среде. Одной из излюбленных тем мастера были автопортреты.  Живописные и графические произведения художника большей частью связаны с этнической культурой. 

Талант Владимира Феофановича проявлялся не только в изобразительном искусстве, но и в литературе. А его научные достижения, в частности, изобретение метода эстампажного копирования петроглифов на миколентной бумаге, является бесценным и по сей день.  

Творчество заслуженного художника России Владимира Феофановича Капелько по-своему уникально для художественной среды Красноярского края и Хакасии. Это художник особого творческого темперамента, с высокой степенью экспрессии, увлекающий зрителя в особую жизненную и историческую атмосферу работ. Его работы наполнены жизнелюбием, позитивным взглядом на мир. Особое видение Сибирской природы и ее истории характерно для всего творчества Владимира Феофановича. Каждая из его работ проникнута особыми впечатлениями, глубиной мудрости. Он выражает настроение не только по средствам цвета, но и формы. Плавные округлые линии также способствуют передаче настроения. Его отличала неповторимая внутренняя свобода, искренность и душевность, которые находили отражение в его произведениях. Особая искренность и эмоциональность, любовь к котам и петухам и к прелестям женских тел, проникнута каждая из его работ. И каждая из этих работ по-своему выстраивает диалог со зрителем.

Особенностью его произведений является уникальная авторская манера, неповторимый художественный язык. Основными темами его творчества являлись пейзажи, натюрморты, работы, написанные в бытовом жанре,  изображения обнаженной натуры, гармонично вписывающуюся естественную природную среде. Одной из излюбленных тем мастера были автопортреты.  Живописные и графические произведения художника большей частью связаны с этнической культурой. 

Талант Владимира Феофановича проявлялся не только в изобразительном искусстве, но и в литературе. А его научные достижения, в частности, изобретение метода эстампажного копирования петроглифов на миколентной бумаге, является бесценным и по сей день.  

Творчество заслуженного художника России Владимира Феофановича Капелько по-своему уникально для художественной среды Красноярского края и Хакасии. Это художник особого творческого темперамента, с высокой степенью экспрессии, увлекающий зрителя в особую жизненную и историческую атмосферу работ. Его работы наполнены жизнелюбием, позитивным взглядом на мир. Особое видение Сибирской природы и ее истории характерно для всего творчества Владимира Феофановича. Каждая из его работ проникнута особыми впечатлениями, глубиной мудрости. Он выражает настроение не только по средствам цвета, но и формы. Плавные округлые линии также способствуют передаче настроения. Его отличала неповторимая внутренняя свобода, искренность и душевность, которые находили отражение в его произведениях. Особая искренность и эмоциональность, любовь к котам и петухам и к прелестям женских тел, проникнута каждая из его работ. И каждая из этих работ по-своему выстраивает диалог со зрителем.

Особенностью его произведений является уникальная авторская манера, неповторимый художественный язык. Основными темами его творчества являлись пейзажи, натюрморты, работы, написанные в бытовом жанре,  изображения обнаженной натуры, гармонично вписывающуюся естественную природную среде. Одной из излюбленных тем мастера были автопортреты.  Живописные и графические произведения художника большей частью связаны с этнической культурой. 

Талант Владимира Феофановича проявлялся не только в изобразительном искусстве, но и в литературе. А его научные достижения, в частности, изобретение метода эстампажного копирования петроглифов на миколентной бумаге, является бесценным и по сей день.  

Стихи Капелько

Над чем природа крепко постаралась,

Сменяя поколенья поколеньем,

Мне, В. Капелько,

Все теперь досталось,

Все без остатка.

Я в семье - последний.

Родители последнее желанье,

Последнюю любовь последней страсти,

Весь свой талант

И все свои несчастья

Вложили в тело:

В кости,

В мозг,

И в жилы,

И в сердце -

+и оно тогда ожило.

Ожило сердце -

Чудо из чудес.

Я задышал,

Взахлеб глотая воздух,

Хватая воздух

Пухлыми руками,

Суча по воздуху

Беспомощно ногами,

Глазами в небо

Жадно упираясь.

Ура! Мне жизнь досталась,

Живая жизнь+

Что может быть нужней?

Я-Человек.

Я мыслю

Я пою:

"Я не мамкин сын.

Я не папкин сын.

Я на дереве рос,

Меня ветер снес.

Я упал на пенек -

Стак кудрявый паренек+"

Я кудрявый

Я длинный

И тощий.

Я гляжу сквозь очки на зарю.

Жизнь во мне

Каждый день клокочет.

Я тепло своих рук дарю.

Я мешу на палитре краски.

На дорогах я грязь мешу.

Я пьянею от женской ласки.

Я ревную.

Я жить спешу.

Я спешу.

Я смеюсь.

Я живу!

Мне родители Жизнь подарили!

Я стихи про любовь пишу.

Чудеса я в себе ношу.

Ведь не зря же меня родили!

Что может в жизни нужней?..

Это мое рожденье.

Это твое рожденье.

Это его рожденье.

Рождение новых людей.

Рождение душ

И умений.

+Я сделаю все, что смогу,

И людям отдам: "Берите".

Я буду спать на снегу.

Я вам принесу сквозь пургу

Кучу сердечных открытий.

- Ну, что же вы, люди, берите!

Что может быть откровенней+

Я ведь в семье - последний.

15.06.64

Красноярск

____________________________________________________________________

Горланят над Россией петухи

По горлу петушиная заря

Дерет кроваво,

Он орет горласто!

Вдоль улиц сыпят пухом тополя,

Роса на травах,

На грибах губастых+

Горланят по России петухи -

На полотенцах, на рубахах и на прялках.

Девахи, позабыв вчерашние грехи,

Парней целуют в копнах в губы жарко.

Горланят над Россией петухи.

По-петушиному горит горласто мак.

По-петушиному клюют в глаза частушки.

Разинулись, как клювы, рты зевак.

Краснее гребня раскраснелись уши,

А губы у девах красней рубах.

Горланят над Россией петухи+

В июле месяце в деревне притаежной

Кнутами, как из пушек, пастухи

Стреляют по коровам осторожно.

А на плетнях горланят петухи,

Встречая ревом солнце из-за леса,

А я пишу про петухов стихи.

Люблю Россию,

Петухов люблю

И лето+

Горланят над Россией петухи.

Симеиз Симферополь.

_____________________________________________________________________

Байка

Все мы для радости, все мы для счастья рожденные. Пусть оно не у нас в руках, пусть счастье носит в клюве птица морская, но за тучами в непогодь, под солнцем в дни ведренные. Да не над домом нашим и даже не над дорогой нашей. И трудно его у нее забрать, хоть сама бы отдала его нам с охотою превеликою, дабы освободиться от ненужного ей груза обузливого.

Но вся беда в том, что нет ей лету повороту дальше моря морючего. Захомутана она счастьем на веки веков. Хлобыщут ей в глаза волны зеленые, зеленые да соленые, горькие да холодные. А на берег нельзя, на берегу все счастья алчут, все ищут его, каждый по своей способности да сообразительности, во всяких злачных местах, которых так много кругом и которые все неверные, приблизительные - неясно совсем обозначенные. Ищут-свищут по свету белому, тот горами прет, тот болотами, по тайгам, логам, тундрам мороженым, да по рекам в горах запороженным. И уж счастлив тем, что он ищет что-то неясное, незнакомое да невысказанное. И дыхнуть-продохнуть ему некогда.

А Птица морская все носится со счастьем, все рвется на берег отдать его людям, да не может, не дадено ей. Летает.

Ветрами кричит, туманами молчит. Тяжко бъется в облаках обступающих, до самой воды прижимающих. И не может спуститься на воду, не может на берег лететь, пока в клюве у нее это счастье, никому недоступное, никому не предназначенное. Все ждет, кто бы к ней явился такой старательный да такой настойчивый, настойчивый-неуступчивый, отдала бы она ему свое счастье-то.

- Владей, осчастливливайся и других осчастливливай, кто захочет взять.

А сама бы она полетела на землю. На твердую да приветливую, где птицы свистят, где дороги пылят, где люди живут и детей плодят.

Набрала бы она сучьев-веточек, да свила бы она гнездо на березине, да устлала б травкой-перьями, да яиц нанесла б белых гладеньких круглых ровненьких. И уселась бы в утро росное на гнездо свое самолучшее, самолучшее долгожданное.

Ей светило бы солнце восхожее. Ей кричали б дрозды толстозадые, запутавшись в сучьях закрученных, мкравьи бы ползли по соломинам, да стрекозы б за мошкой охотились. Да горланили б петухи в селе.

И начала бы Птица Морская просто жить поживать, да птенцов наживать. Просто песни петь, просто в небо глядеть. И была бы этим счастлива!

Симеиз

25.12.65.

*********************************************************************

Я не писал с дороги маме письма,

А ей хотелось письма получать

От непутевого единственного сына,

Хоть не умела их она читать.

Ей так хотелось письма получать!

Я уходил надолго. Далеко

С ее напутствием:

"Дай боже, в добрый час".

Я плыл по рекам, я блудил тайгой,

И о маме не скучал,

И писем никогда ей не писал.

А мать ждала. И утром в тишине

С Полканом говорила обо мне+

Она в пути мой каждый шаг хранила,

А неизвестность жгла ее крапивой.

Но я с дороги писем не писал.

Теперь бы маме письма я писал+

Ну, а куда?

Я очень опоздал.

Как опоздал я с нежностью своей!

Теперь уже никак не нужно ей.

Я не писал с дороги маме письма+

Симферополь 1.03.66г.

*****************************************************

Пейзаж.

Горы засыпают, распластавшись

По долине телом темносиним.

Каркает ворона к непогоде+

Камни на степи лежать, как свиньи.

Пастухи в хашан овец сгоняют -

Серебра прожорливую пену.

Каркает ворона к непогоде+

Кобели у юрт лежат степенно.

Беркут, прирученный человеком,

Прикручен волосяным арканом.

Каркает ворона к непогоде+

Бьется Чуя шумно через камни.

Лошади стреноженные ходят.

Горький дым кизячий над долиной.

Каркает ворона к непогоде.

Черным и недобрым криком длинным+

Тучи грузные по небу хороводят,

Опуская долу снега гривы.

Каркает ворона к непогоде

И летит по ветру в горы криво.

Чуйская степь 23.07.1970г.

***********************************************************

Я уходил из дома на рассвете.

Два черные красивые орла

По небу плавали, орлов я не заметил.

Оставил сердце дома на рассвете.

Два черные и хитрые орла

Гнездо завили в сердце на рассвете,

Гнездо уютное, а я и не заметил.

Два черные и смелые орла

Любовь справляли в сердце на рассвете.

От непонятной боли я орал

В степи под низким солнцем на рассвете.

Задрал я голову и двух орлов заметил.

Два черные веселые орла

От счастья кувыркались на рассвете,

А я орал, орал, орал+.

Домой вернулся только на закате.

Разделся догола.

А в сердце - два орла

С глазами добрыми и с клекотом победы

На искривленных клювами губах+

Монголия 14.07.1970г.

*********************************************

Оглах -Таг гора.

Оглах-Таг гора

Зубья каменные

Посреди степи

Неприкаянные

В ковыле-траве

Годы подлые

На каменьях спят

Жарким полуднем

Неприкянные

Гады пестрые

Оглах-Таг гора

Камни вострые

Камни крепкие

Камни черные

Галки спят в камнях

Черным-черные

Оглах-Таг гора

Сорок восемь гряд

За грядой гряда

Протянулись в ряд

Посреди горы

Куст черемухи

Сорок семь суков

Свились в воздухе

На кривых суках

Сорок гнезд сорок

К Оглах-Таг горе

Сходят семь дорог

К Оглах-Таг горе

Енисей прильнул

Красный гусь турпан

В Енисей нырнул

В Оглах-Таг горах

Тощий лис рудой

Рыкнув на закат

Рыщет водопой

Филин ухает

В Оглах-Таг горе

Спит удод в гнезде

Суслик спит в норе

В Оглах-Таг горе

Г. Оглахты 1980г.

******************************************

Троллейбусы полосатые,

Тараканы усатые,

Стараются усами попасть на провода+

Дождями заливает чужие города+

А где-то далеко (Как это далеко!)

Морозом город съеженный,

Ветрами проутюженный,

Разрубленный рекой,

На две большие стороны;

На левую и правую,

Далекий город с красным именем

Зарос мохнатым инеем

И осажден тайгой,

Сукастою ордой+

Симферополь 11.02.66г.

******************************************

Туча лижет холод стен.

Плачет по бетону.

Где моя дорога? С кем?

Кто же мой знакомый?..

Туча лижет холод стен.

Туча плачет на проспект

Мутными глазами.

Ночь затянута в корсет

Тесными дворами.

Плачет туча на проспект+

Туча вьется, как змея,

Туча встала на дыбы.

Черепицы чешуя -

Будто шкура рыбы.

В небе туча, как змея.

Туча лезет а тучу,

Туча туче в душу,

Туча тучу мучит,

Туча тучу крушит,

Туча лезет в тучу+

А под тучей - город.

А под тучей люди

В радости и горе

Ссорятся и любят,

Верят, изменяют,

Плачут и прощают.

Потому что люди+.

Симферополь 19.01.66г.

********************************************

Художнику Борису Молчанову.

Оленя мне жалко немножко.

Олень мой устал немножко.

Загнал я оленя немножко.

Уснул он в землю рогом.

Достану я тонкий ножик.

Острый, как хиус, ножик.

Белый, как молния, ножик.

Сделаю жертву Богу:

Чтоб удачной была охота

Чтоб легкой была охота.

Песца мне добыть охота.

Добуду, жене отдам.

Таймыр

Волчанка, 1964г.

***************************************************

Стрекозячья песня.

Комары едят коров

А стрекозы комаров

Комаров и мошек

И макрушек крошек

Мы летаем над кустами

Кральями мотаем

Поедаем с потрохами

Даже не считаем

Комаров и мошек

И макрушек крошек

Наши талии тонки

Мы стройней соломины

Наши челюсти крепки

Потому и ловим мы

Комаров и мошек

И макрушек крошек

Мы наград себе не просим

Скромные стрекозы мы

Бескорыстно вам приносим

Очень много пользы мы

Трясогузка - смерть в глазу

Налетела из куста

И схватила стрекозу

Поперек живота

И куда-то унесла

Только гузкой потрясла

Полетела по кишкам стрекоза

Закатились стрекозячьи глаза

15.06.66г.

Симферополь

*********************************************************************

Ковка лошади.

Люди лошадь вздернули на дыбу

И распяли в четырех столбах.

Не подняться лошади на дыбы,

Пена красная повисла на губах.

А вокруг столпились ротозеи,

Шарят взглядом от холки до хвоста,

А она распятая святеет -

И глаза святей, чем у Христа.

Наш кузнец к ногам четыре счастья

Прибивает ржавым молотком.

Лошадь рвет в столбах себя на части,

Лошадь брыжжет белым молоком.

Лошадь воротом повыше поднимают,

Ворот поросятами визжит,

Лошадь ничего не понимает,

Молоток в копыто ей стучит.

Стройная кобыла масти чалой,

У нее глаза, как два жука,

Раздувает ноздри одичало,

А ее ногами бьют в бока.

Лошадь вьется в воздухе, как птица,

Лошадь до земли не достает,

Пот холодный по бокам струится,

А кузнец кует, кует, кует.

С. Инигень, 15.06.1970.

**************************************************************

Будь счастлив, на тебя твой Крест сгрузили,

Твой крест - твой крест.

Будь счастлив, на кого не нагрузили

Их крест.

Неси, в хребетной костке, слушай треск.

Твой крест - свой крест.

Пусть спят те, на кого не нагрузили

Их крест.

Распнись! Ты на себе принес свой крест.

Твой крест - твой крест.

Проснись! Кто не распят на крест насильно,

Кто не принес свой крест,

Их крест.

Ноябрь 1970 г. Поезд Москва-Симферополь.

**********************************************************

На болотах ржавых

Кони тихо ржали.

Путы дребезжали.

Комары жужжали.

Девки к речке ржами

Голые бежали.

Гнус им ляжки жарил.

Парни возмужали -

Усики ежами -

Девкам груди жали,

Уводя межами,

Под копной лежали,

Филином пугали,

До утра держали+

Гнус им пятки жарил.

Красноярск 1976 г.

****************************************************************

Балалайкины песни

Начинаю.

Байку пробаю я вам.

Хотите

Байку послушать?

На балалайке сыграю я вам,

Балалайку хотите послушать?

Байку мне рассказала бабка

У дверей деревенской баньки.

А песни подслушал я сам,

Когда бродил по лесам,

По городам и горам.

И балалайку сделал я сам.

Сначала взял дранку с амбара.

Там-ба-ра-ра, там-ба-ря-ра+

Зерно уж туда не ссыпали.

Амбар был старый,

Там-ба-ра-ра, там-ба-ря-ра+

Выбивал болтливой весной

Ветер из дранки ритмы.

А летом а полдень сухой

Коробил, сушил и белил их.

(Под крышей скворцы плодились,

Скворчата криком давились:

_Жрать, жрать, жрать,-

Просили горластые дети.

Скворцы - работяги трудились,

Крылья истерли об ветер).

От времени дранка стала звонкой и синей,

И твердой, как рог лосиный.

Вот из этой листвяжной дранки

Сделал я корпус для балалайки.

А для грифа я выдернул жердь из плетня,

Который , как бабья сплетня,

Бесконечный, запутанный, длинный,

На плетне сушились крынки из глины.

Под плетнем росли лопухи.

И по ночам июньским недолгим

Влюбленные бестолковые руки

В жарком порыве сплетались

Или же никли долу

Или к звездам вздымались.

Слезы сливались с дождем,

Глаза светились огнем

До утра под старым плетнем.

Натянул я певучие струны.

Одна была волосом у девчонки в косе.

(Волос нашел под плетнем в росе)

Вторую из тонкой травины.

А третью из жил тополиных.

Вместо кобылки вставил конскую бабку.

А лады из перьев куриных.

( В курятне набрал их охапку)

Сделал - и пальцами струны тронул

Неумело и робко вначале+

То смехом, то плачем, то стоном

Песни во мне зазвучали.

Красноярск 1964 г.

**********************************************************

Хочешь, я расскажу про зиму?

Про зиму совсем без морозов,

Про январские красные розы,

Про птичьи жалобы чаек,

Про черных гагар печальных,

Про доверчивую луну,

Которая светит в Крыму+

Хочешь, я расскажу про зиму?

Про забытые мною морозы,

Про замерзлые твердые слезы,

Про снегирей краснозбых,

Про мерзлых сорок чернолобых,

Про радужную луну,

Про таежную тишину+

Хочешь, я расскажу про зиму?

Про снега сугробы на пне+

Если хочешь, то слушай+

+ты нравишься мне.

Симеиз 07.01.1966

************************************************

Тополь всю ночь напролет

Веткой в часы колотит.

Поздний прохожий пройдет,

А он все колотит.

Времени бег задержать

Тополю не под силу.

А наобгонки бежать

Вовсе ему не под силу.

Веткой скребет по стеклу.

К тополю стрелки привычны.

Время в часах на углу

К кирпичной стене привинчено.

Красноярск.

***************************************

Собачье письмо Палкану.

Ну, как твои собачие дела?

Я в письмах бы с тобою посудачил

Собачьим языком, да вот беда:

Ведь я совсем не знаю по-собачьи.

Я понимал всегда твои глаза.

Душа из них светилась огоньками,

Когда по шкуре я тебя ласкал,

А ты гадючкою крутился под ногами.

Я понимал молчание твое,

Хорошее собачее молчанье.

Сидели рядом мы с тобой вдвоем,

И ты усами разводил мои печали.

Шикарно улыбаясь по-собачьи,

Хвостом ты разгонял мою тоску.

Все неудачи обащались в удачи,

Обиды мерзли и кочурились в снегу.

И я спокойно мог глядеть на небо,

И ветер я спокойно слушать мог.

И что б я делал, если б то и дело

Не помогал мне твой собачий бог?

Ну, как твои собачие дела?..

Симферополь 20.02.1966.

Творчество заслуженного художника России Владимира Феофановича Капелько по-своему уникально для художественной среды Красноярского края и Хакасии. Это художник особого творческого темперамента, с высокой степенью экспрессии, увлекающий зрителя в особую жизненную и историческую атмосферу работ. Его работы наполнены жизнелюбием, позитивным взглядом на мир. Особое видение Сибирской природы и ее истории характерно для всего творчества Владимира Феофановича. Каждая из его работ проникнута особыми впечатлениями, глубиной мудрости. Он выражает настроение не только по средствам цвета, но и формы. Плавные округлые линии также способствуют передаче настроения. Его отличала неповторимая внутренняя свобода, искренность и душевность, которые находили отражение в его произведениях. Особая искренность и эмоциональность, любовь к котам и петухам и к прелестям женских тел, проникнута каждая из его работ. И каждая из этих работ по-своему выстраивает диалог со зрителем.

Особенностью его произведений является уникальная авторская манера, неповторимый художественный язык. Основными темами его творчества являлись пейзажи, натюрморты, работы, написанные в бытовом жанре,  изображения обнаженной натуры, гармонично вписывающуюся естественную природную среде. Одной из излюбленных тем мастера были автопортреты.  Живописные и графические произведения художника большей частью связаны с этнической культурой. 

Талант Владимира Феофановича проявлялся не только в изобразительном искусстве, но и в литературе. А его научные достижения, в частности, изобретение метода эстампажного копирования петроглифов на миколентной бумаге, является бесценным и по сей день.  

Творчество заслуженного художника России Владимира Феофановича Капелько по-своему уникально для художественной среды Красноярского края и Хакасии. Это художник особого творческого темперамента, с высокой степенью экспрессии, увлекающий зрителя в особую жизненную и историческую атмосферу работ. Его работы наполнены жизнелюбием, позитивным взглядом на мир. Особое видение Сибирской природы и ее истории характерно для всего творчества Владимира Феофановича. Каждая из его работ проникнута особыми впечатлениями, глубиной мудрости. Он выражает настроение не только по средствам цвета, но и формы. Плавные округлые линии также способствуют передаче настроения. Его отличала неповторимая внутренняя свобода, искренность и душевность, которые находили отражение в его произведениях. Особая искренность и эмоциональность, любовь к котам и петухам и к прелестям женских тел, проникнута каждая из его работ. И каждая из этих работ по-своему выстраивает диалог со зрителем.

Особенностью его произведений является уникальная авторская манера, неповторимый художественный язык. Основными темами его творчества являлись пейзажи, натюрморты, работы, написанные в бытовом жанре,  изображения обнаженной натуры, гармонично вписывающуюся естественную природную среде. Одной из излюбленных тем мастера были автопортреты.  Живописные и графические произведения художника большей частью связаны с этнической культурой. 

Талант Владимира Феофановича проявлялся не только в изобразительном искусстве, но и в литературе. А его научные достижения, в частности, изобретение метода эстампажного копирования петроглифов на миколентной бумаге, является бесценным и по сей день.  

Каратанов (1874-1952). Он стал знаковой фигурой не только красноярского, но и всего сибирского изобразительного искусства первой половины ХХ века. С его именем связано становление и развитие сибирского искусства, воспитание целой плеяд

ы сибирских художников.

Д.И.Каратанов работал во многих жанрах живописи и графики. Среди его обширного художественного наследия огромное количество графических листов, привезенных из экспедиций 1906-1940-х годов …

Особенно плодотворными были путешествия Д.И.Каратанова 1927-1928 годов в составе экспедиции Красноярской рыбохозяйственной станции на Обь-Енисейский канал, к притокам Оби и Енисея.

В коллекции Романовых имеется ряд листов (цветной карандаш, акварель), созданных в этой экспедиции. Листы рассказывают об укладе жизни остяков, наполнены теплотой, добрым чувством юмора, некоторые сопровождаются шутливыми четверостишиями. В листах хорошо раскрывается  манера художника: укрупненный первый план, любовь к деталям. В одном из листов  художник запечатлел себя за рисованием остяка. Эти уникальные листы Романовы приобрели у наследников Дмитрия Иннокентьевича, что еще раз характеризует их глубокий интерес к настоящему искусству, желание коллекционировать произведения самых значительных художников.

Еще в раннем детстве Дмитрий Каратанов проявлял способности к рисованию. Его учителями были М. А. Рудченко и В. И. Суриков. Отец Дмитрия был знаком с ранних лет с В. И. Суриковым, что явилось важным фактом в дальнейшей творческой судьбе Каратанова. Суриков часто делился с юным художником секретами художественного мастерства, и именно по его настоянию, Дмитрий поступил в Императорскую Академию художеств, где учителем Каратанова стал А. И. Куинджи. Но спустя три года из-за стесненности в средствах, недоучившись в Академии, Дмитрий Иннокентьевич вернулся в Красноярск и продолжал рисовать.

Каратанов был активным человеком: ходил в походы, много путешествовал, участвовал в различных экспедициях. Из поездок Дмитрий Иннокентьевич привозил огромное количество художественных этюдов. В своих работах он отображал красоту природы Севера и быт малых народностей.

Каратанов очень любил красноярские Столбы. Кстати, впервые он пришел сюда в 1888 году, вместе с В. И. Суриковым. Дмитрий Иннокентьевич был очарован красотой Столбов, и с того момента он неоднократно приходил сюда за вдохновением. Каратанов даже всерьез занялся скалолазанием.

В январе 1910 года в Красноярске открылась первая в Сибири рисовальная школа, где обучение длилось 4 года. Указом енисейского губернатора Каратанов был назначен ведущим преподавателем рисунка и живописи в этой школе. Именно он разработал первую программу преподавания в ней. Среди учеников школы Дмитрий Иннокентьевич пользовался несомненным уважением и авторитетом.

 В 1948 году Дмитрий Иннокентьевич стал первым сибирским художником, кому было присвоено звание заслуженного деятеля искусства РСФСР.

Знаменитый сибирский художник Каратанов включён в международный художественный рейтинг художников XVIII – XXI веков, формирующих мировое художественное наследие. Его известные работы: «На Востоке», «Землепроходцы», «Строительство острога», «Ледоход на Енисее», «Вид на «Столбы» зимой», «Портрет Кравченко», «Маёвка на «Столбах» и другие.

живописных произведений, которые можно сравнить с красивой песней, сложенной во славу земной красоты.

Кажется, что сама судьба вела ее по жизни, указывая на главное предназначение - быть художницей, умеющей видеть и открывать людям божественную красоту окружающего мира.

Она родилась в Башкирии, в 1938 году, в многодетной крестьянской семье, появившись на свет жарким июльским днем, когда все цвело благоухало, прямо на колхозном поле, где работала вместе с другими женщинами ее мать, среди золотистых полей и душистых трав зеленых лугов. Не это ли определило дальнейшую судьбу простой деревенской девочки, впитавшей с молоком матери свою неразрывную связь с землей, способностью чувствовать ее дыхание и красоту.

Поступив после школы в Пензенское художественное училище и блестяще закончив его, Елена Никитична следом за мужем уезжает в Сибирь, в Красноярск, где и по-настоящему раскроется сила ее таланта.

Но прежде чем признание и успех, пришлось утверждать себя среди мэтров искусства Красноярского отделения Союза художников, доказывать собственное призвание и мастерство. Поистине необходимо было обладать мужским характером. Воля и упорство, трудолюбие и талант Елены Никитичны помогли преодолеть все. Не случайно говорили, что ее живописные полотна написаны по-особому, крепко и по-мужски, хотя в душе художница была лириком, человеком тонкой натуры. Очень ранимая и чувствительная и в своих полотнах она была всегда эмоциональна, выражая гамму сложных человеческих чувств, заставляя зрителя размышлять, сопереживать.

С 1975 года Е.Н. Касименко становится членом Союза художников СССР, постоянно участвует в выставках разного уровня, в том числе и Республиканских, Всесоюзных, Международных. В 1998 году в Красноярском Доме художника прошла ее персональная выставка, тепло принятая зрителем.

Диапазон творчества художницы был широк. Она работала во всех жанрах живописи, писала психологически сложные портреты современников и исторических личностей, жанровые и тематические картины, сибирские пейзажи и особенно любимые натюрморты из простых полевых ромашек и васильков или благородных садовых лилий, пионов и гладиолусов. Ее натюрморты - это не просто букеты, торжественно-завораживающие огромной силы воздействия цветы, воспринимаемые как живое чудо природы, живая материя растений, которым тесно в глиняных и стеклянных сосудах. В них столько энергии и трепетного дыхания жизни.

А как она писала розы, равных ей в этом не было. Разные по своему композиционному решению розы Елены Никитичны привлекают внимание зрителя, заставляют долго рассматривать на холсте богатство рефлексов, фактуру лепестков роз, их свежесть и чувственную красоту. Не случайно работы Е.Н. Касименко украшают сейчас выставочные залы многих музеев России, а так же находятся в частных коллекциях Японии, Америки, Германии, Италии, Китая и других стран.

В творчестве Е.Н. Касименко очень интересно и своеобразно переплелись и верность лучшим традициям русской реалистической школы живописи, хорошо усвоенные еще в годы учебы в Пензенском художественном училище им. К. Савицкого, и память детских впечатлений, вынесенные из страны детства родной Башкирии, и богатые традиции художественной культуры Сибири, приобретенные за долгие годы проживания в Красноярске.

Свое мастерство и богатый накопленный художественный опыт Елена Никитична щедро передавала молодому поколению будущих художников, являясь четверть века преподавателем специальных дисциплин в Красноярском художественном училище им. В.И. Сурикова. Всю, до последнего она отдавала себя своим ученикам, воспитав целую плеяду талантливых художников, которые и сейчас с благодарностью вспоминают Елену Никитичну, считая, что именно она определила их дальнейшую творческую судьбу.

Елены Никитичны нет с нами, но осталось ее богатое живописное наследие - ее произведения, за которыми чувствуется открытое и доброе сердце человека, преисполненное любви к земле, людям.

Р.А. Самойлова искусствовед.

по 1984 г. Закончил Красноярский Государственный Художественный институт им.Сурикова.В.И. в 1992г. Участник молодежной всесоюзной выставки 1983г. Участник пленарной всесоюзной выставки 1987 г. Региональные, краевые, городские выставки. Работы выставлены в музеях и частных коллекциях США, Германии, Японии, Китае и др. странах СНГ. Член Союза Художников Российской Федерации С 1998 г.

художница Соликамска эксклюзивно представлена в Красноярске в Арт-галерее Романовых. Украсьте свою жизнь цветами.

институт, факультет художественной графики, г. Грозный. Долгое время занималась преподаванием в школе искусств. С 2000 года Кижапкина - Член Союза художников России, а так же член международной ассоциации изобразительных искусств АИАП ЮНЕСКО.

Работы Кижапкиной находятся  в музеях и частных коллекциях России, Германии, Китая, Австралии, Италии, США, Англии и т.д.

шелке. «Арт-галерея Романовых» представляет выставку китайской традиционной живописи. Открытие выставки 10 августа в 19:00 в Арт галерее Романовых.

На выставке знаменитых художников из Китая, все будет для наших горожан необычно. Сюжеты их картин, техника исполнения, оформление. Зрители смогут пообщаться с признанными и уважаемыми  художниками Синьянской школы Китая ,выставки которых проходят в разных странах ,а работы хранятся во многих музеях и частных коллекциях .

Традиционная китайская живопись не похожа на нашу. Для достижения успеха в гохуа (китайская традиционная живопись), требуются годы упорной работы и постоянное совершенствование своего мастерства. Взяв в руки кисть, творец должен, прежде всего, постичь свое произведение, а именно соединить все его детали в единое целое в своей голове, став его первым зрителем.

Названия произведений отдельное мастерство, восходящее к традиции китайского стихотворчества, основанного на древнейшей китайской философии. Простыми, казалось бы, линиями китайские живописцы создают  произведения высочайшего художественного качества. Это мастерство не отделимо  от виртуозного владения кистью и пером, оно совершенствуется на протяжении многих веков, не переставая возбуждать в людях любовь к красоте и мудрости Востока.

Всего художники покажут около 120 работ. Часть из них могут пополнить Вашу личную коллекцию и стать неотъемлемой частью Вашего дома. Экзотические выставки пройдут в Арт галерее Романовых, музее им.Б.Ряузова, Литературном музее. 

Родился 17 апреля 1957 в Севастополе. С 1979 года, по окончании Ленинградского высшего военно-морского училища, служил на атомной подводной лодке и в штабе Северного флота; затем, окончив факультет журналистики Военно-политической академии, — журналистом газеты «На страже Заполярья». Вышел в отставку в звании капитана 2-го ранга. С 1990-х годов — профессиональный художник, живёт в пос. Кавголово (Ленинградская область). Преподавал офорт в Академии живописи, ваяния и зодчества (Москва).

интересен мир личности, отраженный в портретах: «Марина» (1998г.), «Кларнетист А.И. Глухов» (1999г.),  «Художник В.М. Новоселова» (2002г.), «Светлана» (2002г.) это портреты психологические. Кобыльцов явно увлеченный интересом к одухотворенной личности.

Человека притягивают и манят горы может и потому, что дают точку отсчёта. Волей-неволей сравниваешь пройденные километры, соизмеряешь свои силы и сделанные дела. Если бы гор не было, их нужно было бы придумать для того, чтобы можно было найти себя в масштабах мироздания. Как хорошо, когда повседневная суета остаётся где-то там далеко-далеко...

Кобыльцов А.

В пейзажах Александра Преобладают мотивы гор, озер, горных рек и ручейков, исполненные им на пленэре. Пейзажи точно передают состояния природы в разное суток – наступающий вечер, его умиротворяющая тишина, раннее утро, когда вершины гор словно облиты лучами восходящего солнца. Его живописная манера отличается графической четкостью, динамичностью и конкретикой. Особо любимая тема – изображение озер, в которых он ищет особую тишину, созерцательность и чистоту. Данная тема стала своеобразным открытием мира близких и загадочных сил природы, при соприкосновении с которыми человек ощущает в себе несказанную радость земного существования и, может быть, нигде так же сильно и пронзительно не думает о вечности. Пейзажи написаны легко и прозрачно, дышат покоем, свежестью и умиротворением. Для этой передачи использованы нежные голубые краски для неба, светло-коричневые тона для горных вершин и голубовато-зеленые оттенки – для притихшей озерной глади.

Одна из последних работ А.Кобыльцова «Ветреный день» 2009г. Стала победителем в номинации «Живопись» IХ открытой выставки-конкурса «Золотая кисть республики Хакасия».

«Очевидно, между логикою исследователя природы и эстетическим чувством ценителя ее красот есть какая-то 

внутренняя органическая связь», 

  К.А. Тимирязев.

«Пейзаж» на региональных выставкомах и в концептуальных кураторских проектах воспринимается жанром практического назначения, в некотором роде – консервативным и мало актуальным видом современной художественной практики. Это априори жанр непосредственных фиксаций, вполне расчетливо настроенный на зрительские реакции. И сколько бы не писалось о «самобытности, особой специфике», которая прослеживается на протяжении всей эволюции сибирского пейзажа, которому исследователи отводят «право на самостоятельное место в русском искусстве»,- как пишет автор одной из диссертаций (С-Пб). (Еще бы права не было!) Но обилие и даже засилие этого жанра в художественной жизни отдельных территорий, где есть мастера и «мастера - версификаторы», формирующие массовый художественный рынок (Хакасия, Алтай, Красноярский край…) вызывает к этому жанру и его авторам настороженность в профессиональных кругах постмодернистской ментальности. Тем более, что нынешние пейзажисты рубежных десятилетий 20-21 вв. особенно активны: объединяются в группы по интересам, выезжают на пленэры и устраивают передвижные выставки. Не всегда отдавая себе отчет в том, что это жанр - наипервейшая трудность которого – найти самобытную форму воплощения. Совершить собственное открытие «сибирскости»  региона, его мест и местечек.  А это тем более сложно, поскольку  первопроходцы старшего поколения мастеров 20 века из Омска, Красноярска, Иркутска, Абакана, Кемерово, Новокузнецка… уже находили типологические признаки географии мест и основные идейно-образные константы. Исследователи сибирского пейзажа справедливо отдают им должное в своих трудах и публикациях.

     О влиянии природы на творческие процессы в своей Республике ученый-историк, искусствовед И.К. Кидиекова писала: «Природа Хакасии…с особой освещенностью и быстрой сменой ландшафта тайги и степи, гор и лесов всегда оказывает воздействие на художников, придавая широту и открытость живописи, особенно пейзажу. Неповторимость природы Хакасии – главное слагаемое национальной живописи».

     Очевидно, стоит уточнить, что речь должна идти о национальных свойствах образности. Ведь природа объект безразличный к социальному аспекту, она  лишь  вовлекается человеком во взаимоотношения. Как и техника живописи, которая является  универсальным и интернациональным инструментом. И, тем не менее, «национальные» качества образ природы может приобрести, но только в процессе глубокого, художественного ее осмысления, благодаря включению в него типических сюжетных и композиционных констант, культурных и социальных символов. Какими, например, являются памятники Хакасии, специфика жизненного уклада, стаффажи из народных типажей.

     Пейзаж действительно был ведущим жанром в искусстве Хакасии, начиная с  1960- годов прошлого столетия, когда здесь, как и повсеместно, начались поиски образной специфики местных территорий. В те годы природа Хакасской автономии стала открытием для своих и приезжающих авторов. Постепенно был сформирован коллективный образ хакасской природы, узнаваемый на выставках плавными рельефами холмов; раздвинутыми границами пространства, фланкированного горами;  степной зоной со знаками древних культур – курганами и менгирами; затерянными в просторах поселениями и одинокими путниками. Образы-символы Хакасии запечатлели в разных пространственно-временных моделях такие мастера пейзажа, как Калинин А.Ф.,  Тодыков В.А., Хлебников Г.С., Новоселов В.М., Никоненко Г.В., Капелько В.Ф., Серебряков Г.А.

     Словом, в Хакасии оформились типические, выигрышные признаки образа ее природы, многократно повторяемого пейзажистами.

     Это отступление автор позволила себе, поскольку многие годы заинтересованно следила за процессами, происходящими в искусстве Республики. В частности, присматривалась к художнической позиции А.Г.  Кобыльцова. Но теперь назрела задача  презентации по сути нового имени в нашем искусстве – художника современного, работающего в русле традиций сибирского пленэрного жанра.

     Даже беглое перелистывание изобразительного ряда в его альбоме дает несколько ощущений: перед нами мастер живописного дара, цельного видения и достаточного формального разнообразия, хотя работает он в рамках традиций реалистического пейзажа.

     Александр Григорьевич Кобыльцов родился в Амурской области, учился в Благовещенске и Владивостоке, т.е., до 32 лет жил совершенно в иной природной среде. Художник признается, что не сразу понял, как писать летний охристый колорит степей,  растворяющийся в прозрачности горизонта; кайму перелесков и дальних гор осенью или зимой...

     «Я приехал в Хакасию в 1992 году уже с определенным образом, сложившимся видением природы. Я не впитал Хакасию с молоком матери. Местное культурное пространство воспринималось больше экзотикой, но я понимал, что это поверхностные впечатления. Поездки на пленэр для меня стали путешествиями души по просторам Хакасии. Невозможно сочинить в мастерской то, что непрестанно показывает природа. Для меня это способ накопить пластическую информацию, которую можно использовать в дальнейшем в мастерской». 

     Кроме пейзажной живописи Александр вполне успешно работает в жанре портрета и натюрморта.  Но именно природа стала предметом его особого эстетического удовольствия, выраженного живописными средствами.

     «Больше всего мне нравится писать места, где степь и горы встречаются. В таких местах интересно организовывать большие пространства. Мне вообще не свойственна любовь к мелким деталям. Когда регулярно выезжаешь на пленэр, то его не воспринимаешь как трудность. Если случаются перерывы в выездах, то действительно начинаются проблемы».

     И так, нам предстоит исследовать, чем интересна живопись Кобыльцова  и доказать, что он действительно мастер пейзажа крепкой профессиональной школы с индивидуальным мировоззрением и своими методами образных решений.

   Во-первых, столь красноречивые символы, как курганы и менгиры, маркирующие Хакасию, в пейзажном творчестве Александра крайне редки. Как, впрочем, и социальная составляющая. Т.е., этот художник мыслит себя чистым пейзажистом, и все его задачи лежат в плоскости чистой природы.

   Во – вторых, он не ангажирован зрителем, поскольку выбирает для разработки не привлекательные, выигрышные мотивы с точки зрения изобразительности, а мотивы исключительно интересные в живописном отношении, в каких можно решать сложные пластические задачи. Таковы, например пейзажи со стогами, домами, ульями, заборчиками, речными протоками, взятыми крупным планом.

     Но и другой тип пейзажа, распространенный в искусстве республики, - панорамный пейзаж с величественными горами решается этим автором без какого-либо пафоса и эффектов театральности. Выгодно отличаясь подлинностью авторского чувственного переживания, но не лишенного аналитической оценки в выборе сюжета и  организации формы.  Внутреннее зрение художника, его понимание специфики жанровых и пластических задач ощущается в тональной структуре произведений, в темпераментном подчерке, в широком и точном мазке.

     Этюдные материалы А.Г. Кобыльцова чрезвычайно обширны. В альбом включена лишь незначительная часть последних лет. Но вот, что интересно: жанр непосредственных фиксаций сиюминутных состояний у этого художника  открывает весьма разнообразную картину жизни природы в колористическом отношении. В этой череде этюдных материалов и пленэрных пейзажей-картин есть скупые по набору красок, но тонкие, изысканные по цветовым нюансам; есть форсировано декоративные и сочно исполненные работы, поражающие вкусной материальностью живописи. Какое бы время года не писал художник, а он активно работает круглый год, он всегда стремится добиться тонкости живописных состояний в отношениях неба и земли, в колорите снега, осенней листвы, в передаче переходных состояний времени суток и года. То есть, эмоциональное содержание его работ отличается большим разнообразием, оно не варьируется, а всякий раз открывается новыми образными ракурсами. 

     Художники Хакасии, называя свои пространства «архитектурой», нашли образное и точное определение специфики хакасского разно уровневого ландшафта. Здесь пустынные степи сменяются горами, которые являются эквивалентом идеальной, устойчивой, надмирной  жизни природы, неподвластной времени и человеку.

     Таковы обобщающие пейзажные образы Кобыльцова «Хакасия», написанные в 2007 и 2012 годах, в которых он создает прочувствованный образ своей новой родины. Или «Пришла зима» и «Весна в горах» 2006, 2007 годов. Утверждая мощь мироздания, они сюжетно аскетичны, потому монументальны. Художнику в принципе несвойственна детализация, он пишет темпераментно, широкой кистью, пастозным мазком, применяя мастихин.

     Но есть в его творчестве пейзажи созерцательного характера: «Солнце село» (2008), «На окраине» (2011), «Вечер» (2012), «После дождя. Таштып» (2012). В этих композициях акцентируются пространства небес с растворяющимися в них очертаниями дальних планов, окрашенных вечерним розовым светом. Сверхзадача живописца – схватить и запечатлеть кульминацию вечернего светового покрова, опускающегося на землю. Но, не впадая, в красивость, которая в это время суток бывает чрезмерной в реальности.  Думается, что образная цель автора в таких случаях состоит в передаче ощущений таинственности, созерцательной задумчивости и смутных переживаний, которые сродни жанру «элегии». А чисто технические задачи  - достичь эффекта единства воздуха, земли, воды, света и цвета в обобщающих колористических или тонко нюансированных отношениях он решает артистично.

     Музыкальность, мягкая мелодика ритмов, свойственна и таким работам, как «Осенние поля» 2006 и 2007 годов. Впрочем, художник ценит и умеет применять ритмику как выразительное средство своей живописи, настраивающей на лирический или эпический лад. Достаточно взглянуть на картину «На Енисее. Вечер» (2006), чтобы понять, насколько важны для автора ритмы в геометрии форм, в технике нанесения красочного слоя, в колористических акцентах и напоминаниях о них, в пространственном развитии планов.

     Но сибирские лесостепные просторы с излучинами рек – не только лирический образ безбрежности, тишины и покоя, но и культурный символ народных представлений о «воле вольной». В творчестве художника есть такого рода пейзажи-метафоры: «Аскизская степь» (2006),  «Возвращение стада» (2007),  «Пейзаж с горами» (2008), «Горы осенью» (2011), «Вечер» (2012). Впрочем, глубина свойственна всем произведениям художника, не зависимо от формата картины или этюда. Именно пространственные планы организуют сюжетную основу его образов, мысленно уводя зрителя в дали, наращивая в нем ассоциации, как например в пейзажах: «Зимний вечер» (2008); «Сентябрь. Саяны», «После дождя. Таштып» (2012).

     Т.е, автору свойственен не только широкий охват собственно пейзажной темы, но разнообразная и тонкая передача состояний природы, в которых есть чувство надвигающихся перемен: зима начинает уступать весне, застыл осенний воздух над Енисеем, резко похолодало к вечеру, стала влажной  земля после дождя....

     Причем, картины жизни природы могут решаться в три доминирующих цвета, спаянных в единую колористическую гармонию («Стога зимой», «Хакасия»), либо в декоративной живописности.

     Такова серия вечерних и утренних «шушенских» пейзажей с плотью домов, исполненных  крупным планом на свету и в тенях, в контражурах освещения. Плотное  темпераментное письмо с рельефной фактурой, богатая разработка холодных или теплых цветов, местами сгущенных в многослойную живописную поверхность, сообщают образам мощную эмоциональную напряженность. Кроме того, эти работы несут идейный подтекст - они отражают  исторически  сложившийся стиль жизни пришлого этноса, заселившего подтаежные зоны Красноярского края. Такой образ сибирской деревни, словно ретранслирует тип ментальности сибиряка. Т.е., национальный аспект в этих произведениях звучит не впрямую, а подтекстом.

     Не каждый художник возьмется писать кадмием желтым, охрой золотой, светлой, красной: группа желтых цветов считается опасной. У Александра она гармонична и оживлена цветовыми ударами, как в упомянутой серии, посвященной Шушенскому, эпической и монументальной. Плотное корпусное письмо, форсированный цвет и его удары-акценты, контрасты тепло-холодных отношений создают эффект вкусной живописи, ее материальности, свойственной русской живописной школе. Художник как будто совмещает в одном полотне два метода – плоскостной и пространственный, внося, таким образом, в содержание собственное оригинальное видение.

     Сродни этой серии динамичный по живописи пейзаж 2008 года «Здесь родился и жил А.А. Кокель» (основоположник чувашского профессионального искусства). Во фрагменте деревенской улочки каждый объект: краплачные крыши, блекло-зеленая придорожная трава, синева размытой дороги, зеркальные осколки лужи вызывают классические представления о российской глубинке. Но они возникают не только благодаря изобразительному ряду, но и за счет  живописной трактовки в традициях российской пейзажной школы, например, в нем «по-коровински» живописно написана грязь дороги. 

     Одним словом, А.Г. Кобыльцов ведет параллельно две линии развития пейзажных образов – панорамную и камерную, пишет «просторы» и «уголки».    

  Камерный пейзаж – это обжитый мир городских окраин, прозрачные перелески, речные заросли. Одни многокрасочны, другие изысканно силуэтны. 

     Вторая линия его творчества - создание панорамных, эпических и лиро-эпических пейзажей. В таких картинах образы осмысливаются в философском плане, и  природа предстает как символ вечности и незыблемости. Эти образы не содержат никаких признаков человеческой деятельности, ничего сиюминутного, а лишь возвышенный аскетизм и подлинную убедительность живописно-пластического языка.

     Для эпического пейзажа, пейзажа программного в искусстве Хакасии, характерны величавые картины природы, полные внутренней силы, особой значимости и бесстрастного спокойствия. И это уже иная пространственно-временная модель сибирского пейзажа, которая есть в творчестве А. Кобыльцова. Когда натура постигается автором цельно, не расщепляясь на отдельные цветовые и световые эффекты, благодаря чему она предстает и одухотворенной и одновременно очень реальной.

     И лишь иногда «образ места» художник формирует за счет сопоставления масштабов пространств и точечных включений юрт, менгиров, тропинок, вызывающих чувство погружения в мир бытия Хакасии. Таким образом, национальный дух хакасского пейзажа передается художником особыми выразительными приемами и средствами: гармоничностью композиции, её естественной красотой, панорамным размахом с глубиной пространства и воздуха,  живописным  обобщением, энергичной пластикой письма.

     Да, художник работает по впечатлению, но «впечатление» для него это творческий анализ, превращение материала в цельный собирательный картинный образ, даже в рамках этюда. 

     Этого чувства органической связи поклонника, исследователя и живописца природы  художник достиг благодаря постоянной работе на пленэре. Поэтому можно говорить, что творческий путь, пройденный Кобыльцовым, и перспективы его предстоящего развития позволяют видеть в нем пейзажиста, создавшего ряд ярких обобщенных образов Хакасии. С его именем теперь связываются представления о своеобразии красоты природы и о пейзажной живописи Республики. 

 PS.  Более 20 лет А.Г. Кобыльцов  ведет в Абакане активную подвижническую и просветительскую деятельность педагога и директора ДХШ им. Д.И. Каратанова. В это время было реконструировано старое здание и построены два новых учебных корпуса площадью 3463 кв. метра, отвечающих самым высоким требованиям технической оснащенности. Школа работает  в три смены и без выходных, охватив  около 1000 учащихся. Она стала учебным центром по внедрению современных методических новаций. Кобыльцов взял за правило организовывать поездки на пленэр не только для учащихся, но и для педагогов. Он собрал обширный фото-архив по истории искусства Хакасии, записал архив видео-аудиоматериалов по мастер-классам известных в России художников-педагогов, которых он регулярно приглашает в Абакан. Собрал большую библиотеку по изобразительному искусству, приобрел в методический фонд антикварные памятники русской и хакасской культуры,  большую коллекцию античных слепков. Его ученики продолжают учебу во многих престижных художественных училищах и вузах страны.

                                                            Татьяна Высоцкая

района Хакасской автономной области. Живописец, работает в жанре портрет, пейзаж, натюрморт.

Училась в Кемеровском художественном училище в 1974-1978 гг; в Дальневосточном педагогическом институте искусств на факультете «Живопись» в 1982-1987 гг.

Стажировалась на творческой даче «Байкал» в июле-сентябре 1991 г. Преподавала рисунок, живопись и композицию в Благовещенском педагогическом училище с 1990 по 1992 г. С 1994 г. преподает в Абаканской ДХШ им. Д.И. Каратанова. Является участником краевых, республиканских, всроссийских и международных выставок с 1978 г. Член СХР – с 1996 г.

педагогическим уклоном, а с шестнадцати лет работал учителем в сельской школе. В 1929 году Кобытев поступил в Омкий худпромтехникум, по окончанию которого преподает изобразительную деятельность в Красноярском педтехникуме имени М. Горького. В 1933 году он участник съезда художников Восточно-Сибирского края. Мечта о художественном высшем образовании сбывается в 1936 году, когда он по путевке Комсомола поступает в Киевский художественный государственный институт. Работы талантливого студента не остаются незамеченными, и уже в 1939 году он участник всесоюзной выставки молодых художников. В 1941 году с отличием закончил художественный институт... Все мечты обрываются 22 июня, когда в первые же часы войны гитлеровские самолеты начинают бомбить Украину. Художник становится солдатом, он боец 8 батареи 3-го дивизиона 821-го артполка. Полк, в котором сражался Евгений Степанович Кобытев должен был защищать небольшой город Припяти, лежащий между Киевом и Харьковом. Полк был сформирован перед самыми боями. Первый и второй дивизионы его уже получили боевое крещение у села, Степанцы на подступах к Каневу и переправились на левый берег Днепра сильно потрепанными. Третий же дивизион еще не получил орудий, и должен вступить в бой как стрелковый. В сентябре группа Юго-Западного фронта во главе с военным советом с боями выходили из окружения в районе Припяти-Городище. Кобытев находился в передовом отряде, который прикрывал штаб и осуществлял прорыв. 18 сентября, во время боя он получил ранение в ногу, однако сутки спустя, оставив подводу с ранеными, снова принял участие в боях. 20 сентября штабная колонна была окружена танками, бронемашинами немцев у хутора Дрюковщина, Сенчанковского района. После гибели штаба, бойцы небольшими отрядами пробивались на Восток, без дорог, по ночам, минуя села и хутора занятые немцами. Фашисты нещадно бомбили с воздуха, утюжили танками, разбрасывали пикеты бронетранспортеров, мотоциклистов, автоматчиков, которые при свете осветительных ракет расстреливали людей из засад. Кобытев Евгений Степанович несколько раз примыкал к группам бойцов, выходивших из окружения, но из-за раненой ноги все время отставал. Однажды, переправляясь с молодым солдатом в маленькой лодке через узкую, но глубокую речку, нарвался на засаду автоматчиков. Отсюда началась долгая, голодная, жестокая и просто невыносимая дорога в плен…В 1943 году ему удалось бежать из плена, вновь встать в строй и пройти большой путь через Украину, Молдавию и Польшу – в Германию. Находясь в действующей армии, в Берлине, художник создал кукольный фронтовой самодеятельный театр политической сатиры. Евгений Степанович сам сочинял пьесы, делал куклы, играл. В настоящее время его куклы находятся в фонде Музея театральных кукол в Москве. Войну Е. С. Кобытев окончил в Дрездене, в звании старшего сержанта. Награжден орденом Красной Звезды и медалью за Победу над Германией. Приказом «Верховного Главнокомандующего маршала Советского союза товарища Сталина от 14 декабря 1943 года за отличные боевые действия по освобождению города Черкассы объявлена благодарность», и еще две «…от 3 февраля 1944 года за отличные боевые действия по осуществлению прорыва и участия в боях за освобождение города Смела», и «…от 18 февраля 1944 года за отличные боевые действия в боях под Корсунью». После войны преподавал в Красноярском художественном училище имени В.И. Сурикова, был главным художником города. 

В 1959 году создана серия «До последнего дыхания» – о товариществе, мужестве, несгибаемой стойкости советских людей, оказавшихся в плену. Позднее Е. С. Кобытев создал вторую графическую серию – «Люди, будьте бдительны!», в которой запечатлел страшный облик фашистских военных преступников, зверствовавших в концлагере Хорольская Яма. В основу работ положены зарисовки и наброски, сделанные художником еще в лагере, на листках случайно сохранившейся записной книжки. Закончив вторую серию, Е.С. Кобытев вновь возвратился к темам первой, но уже в новых работах, наравне с листами о мужестве и стойкости, как «Непокоренный», «Ненависть», «Перед лицом смерти», «Реквием», «Да, я коммунист» стали появляться и такие работы: «Ой, повий, повий», «Выстоим», особенно «Я вернусь еще к тебе, Россия», где по-новому и с большей силой зазвучала бодрость и вера в победу.

Каждый лист – это думы художника обо всем виденном и пережитом. В первой серии это главным образом думы о величии души, твердости, стойкости, тесном товариществе и способности советских людей до последнего дыхания служить своей Родине. Таковы листы: «Так ничего и не сказал», «И больше нечем ему помочь», «На слова Лермонтова», «Последний раз спрашиваю».

Во второй серии «Люди, будьте бдительны!» мы видим думы о том, что такое фашизм и война. Резко сатирические, проникнутые вполне понятным чувством острой ненависти и мести человека, видевшего все жестокости, низость и бесчеловечность фашистов, эти рисунки доведены художником до такой отталкивающей силы, что портретируемые вызывают физическое отвращение.

Эти рисунки, созданные с риском для жизни, художник хранил вместе с кусками колючей проволоки из концлагеря до конца своих дней. В настоящее время они находятся в Украинском музее истории Великой Отечественной войны 1941-1945 годов.

Серии «До последнего дыхания» и «Люди, будьте бдительны!» не раз экспонировались на персональных выставках Е.С. Кобытева, демонстрировались в документальном телефильме «Листы скорби и гнева» и специальном выпуске кинохроники «Они сказали смерти – нет!».

Видели их и свидетели тех далеких и страшных событий – жители города Хорола, куда художник выезжал в 1964 году с творческим отчетом. Часть работ помещена в книге Е. С. Кобытева «Хорольская Яма», выпущенной Красноярским книжным издательством в 1963 году.

В Красноярске Евгений Степанович совместно с художником К.Ф. Вальдманом расписал плафоны красноярского речного вокзала. Вместе со своей женой художницей Т.А. Мирошкиной им произведен ряд монументально-декоративных росписей: в красноярском Дворце железнодорожников, Дворце пионеров, в Атамановском пионерском лагере, районном клубе села Большая Мурта. Темы этих росписей: картины природы нашего края – красноярские «Столбы», уральские сказы П. Бажова, русские народные сказки. Часть этих работ выполнена в технике витражей. В последние годы жизни им выполнено в Красноярске на фронтоне кинотеатра «Родина» большое мозаичное панно. Так же работа его рук – декоративное оформление к балету С. Прокофьева «Каменный цветок», к пьесе С. Михалкова «Я хочу домой» и серия фантастических картин «Космический рейс». Но все же основное направление в творчестве Е.С. Кобытева занимает не живопись, а графика. Здесь его работы: иллюстрации к роману А. Фадеева «Молодая гвардия», «Портрет коммуниста Б. К. Фридовского» и серия портретов передовиков-механизаторов совхоза им. ΧΧ съезда КПСС в Хакасии, с которым он участвовал на краевых, всесибирской и республиканской выставках.

Жена Евгения Степановича Кобытева художница Мирошкина после его смерти в 1973 году передала самые значительные его работы из серий «До последнего дыхания» и «Люди, будьте бдительны!» в Киевский музей истории Великой Отечественной войны вместе с его военными наградами.

(Из статьи "Неужели мы все это выдержали?")

1981 году после окончания Московского технологического института по специальности «художественное оформление и моделирование изделий текстильной и легкой промышленности» приехала в Омск.

С 1985 года участвует в областных, региональных, межрегиональных, всероссийских, международных, зарубежных выставках.

Провела 17 персональных выставок в Омске и городах России.

С 1993 года – член Союза художников России.

Стипендиат Комитета по культуре и искусству администрации Омской области (1998).

Лауреат премии за заслуги в развитии культуры и искусства имени народного художника России К.П. Белова (2006).

Лауреат IIIмеждународного фестиваля декоративно-прикладного искусства и дизайна «Незабытые традиции»

Г.Москва.Награждена дипломом II степени и памятным знаком.

Лауреат Х художественной выставки «СИБИРЬ», награждена дипломом и медалью.

Награждена дипломом Российского Союза художниковза успехи в творчестве и содействие развитию изобразительного искусства России.

Награждена дипломом им.Татьяны Павловой за участие в проекте пленер, включенном в программы:» 2011год.Год перекрестных культур Италия Россия»

Награждена Почетной грамотой министерства культуры Омской обл. в 2007г.

Награждена Почетной грамотой министерства образования Омской обл. в 2010 г.

Произведения хранятся: в Омском областном музее изобразительных искусств им. М.А. Врубеля, в Городском музее «Искусство Омска», в Государственном областном художественном центре «Либеров-центр» (Омск), в Ноябрьском художественном музее, в Новокузнецком художественном музее, в картинной галерее станицы Казанская (Краснодарский край), в картинной галерее «Ольга» Омскпромстройбанка, в частных коллекциях России, Австрии, Канады, США, Германии.

Коновалова и мещанки Евгении Михайловны Папешиной. В юношеском возрасте, вопреки запрету родителей, уехал в Москву учиться на художника. В 1936 году поступил в Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова. Учился у Игоря Грабаря, Михаила Шемякина. За прекрасный рисунок и тонкую цветовую палитру Игорь Грабарь называл Коновалова «русским Тьеполо».

Во время обучения в институте познакомился с художницей Татьяной Владимировной Ковригиной, которая стала его женой и помощницей в создании многих фресок. В 1943 году в Перми, у них родился сын Виктор Викторович Коновалов, который не стал художником, а решил продолжить династию по материнской линии и стал инженером, а затем, в 1951 году, дочь Наталья Викторовна Коновалова (московский художник-живописец).

Принимал участие в художественном оформлении станции Киевская московского метрополитена, входил в коллектив авторов фресок и мозаик, посвящённых труженикам Советской Украины.

С начала 1930-х выполнял жанровые, портретные, пейзажные зарисовки и этюды — Москвы и Подмосковья, во время многочисленных творческих командировок по СССР (Урал, Сибирь, Север, Дальний Восток, Украина) и за рубеж (Италия, Польша, Венгрия, Швеция, Франция, Дания, Финляндия). Создал серии рисунков «Заполярье», «Туркмения», «Подмосковье сегодня», «Контрасты Италии».

В 1930–40-е на студии «Диафильм» принимал участие в создании диафильмов «Щорс», «Лампочка Ильича», «Пограничник», «Михаил Большой и Михаил Маленький».

Занимался книжной графикой; сотрудничал в Гослитиздате, издательствах «Детская литература», «Советский писатель» и других. Выполнил иллюстрации к книгам «Портрет» Н. М. Олейникова (1937), «Приключения катера “Смелого”» С. В. Диковского (1941), «Дом с мезонином» Г. С. Фиша и В. Я. Ходакова (1941), «Храбрый партизан» Н. С. Тихонова (1945), «Далеко от Москвы» В. Н. Ажаева (1953), «Первый штурм» М. М. Эссен (1957), «Тропой разведчика» С. М. Зарубина (1962), «О Владимире Ильиче» Н. К. Крупской (1970), «Солнце ездит на оленях» А. В. Кожевникова (1972), «Разгром» А. А. Фадеева (1976), сборнику «Жизнь Ленина. Избранные страницы прозы и поэзии в 10 томах» (т. 1, 1980), «Петька из вдовьего дома» П. А. Заломова (1983) и другим.

В годы Великой Отечественной войны и первые послевоенные годы — художник вагона-редакции фронтовых железных дорог Юго-Западного направления и партизанской группы выездной редакции «Комсомольская правда». Выполнял плакаты («Сегодня на стройке — завтра в бою!», 1943; «Металл — это оружие!», 1944), антифашистские листовки. Создал циклы фронтовых рисунков «О партизанах», «Подмосковье. Декабрь 1941 года».

В 1949–1961 — главный художник журнала «Крокодил». Автор многочисленных рисунков и карикатур, наиболее известные: «Поздравляем Вас, Леночка…» (1951), «Бюджет Марианны» (1952), «В Союзе писателей», «О подготовке к зиме поговорим попозже», «В чужом глазу…» (все — 1954), «Опытная мамаша», «У отца за пазухой» (оба — 1957); многие — опубликованы в альбоме «Иронические рисунки» (М., 1967). Часть журнальных работ стала основой станковых сатирических рисунков, объединенных в серии: «Сорняки», «Мусор», «Папины детки», «Между прочим», «Пережитки» (1950–60-е) и других.

В 1956 — начале 1960-х работал в московской мастерской «Агитплакат»; автор плакатов: «Учась самостоятельно, учись сознательно» (1957), «Столоначальник» (1960) и других.

Выполнил графические серии, посвященные В. И. Ленину и истории революции, — «История партии» (1940), «Ленин и дети» (1947), «В начале пути» (1969, 1980), «Ленин в Октябре» (1970), «Председатель Совнаркома» (1970, 1980–1982), «Ленин в 1917 году» (1977), «Ф. Э. Дзержинский» (1977); создал ряд тематических картин: «VIII съезд комсомола» (1948), «Ленин и дети» (1965), «Ленин в Кашино» (1967) и другие.

Экспонент более ста выставок, в том числе выставки акварели московских художников (1948), Всесоюзных художественных выставок (1949, 1950, 1952, 1955), выставок художников сатиры (1951, 1954, 1956), выставки живописи, скульптуры, графики к 1-му Всесоюзному съезду советских художников (1957) в Москве, выставок советского плаката в Риге и Вильнюсе (1949), передвижной выставке советского политического плаката и карикатуры в Новосибирске, Томске, Барнауле, Сталино (1951) и других; участник ряда зарубежных выставок — в Пекине (1958), Берлине (1961), Праге (1965). Провел персональные выставки в Абрамцево (1970), Москве (1977).

Был членом многих творческих и общественных организаций; член Союза художников СССР; избирался председателем правления Художественного фонда СССР, секретарем правления Союза художников СССР. За свою деятельность был удостоен звания заслуженного художника РСФСР (1962), награжден орденом «Знак почета».

Произведения находятся во многих музейных собраниях, в том числе в Государственном Историческом музее.

Умер в Москве в возрасте 83 лет (1995).

выполнена реалистическая живописи корейских художников. Пейзажные работы не лишены восточного колорита, но в своем исполнении близки и понятны русскому человеку. 

Знакомство с традициями, культурой и жизнью корейского народа необходимо для укрепления культурных связей между народами России и Кореи, которое достигается путем реализации совместных творческих проектов. Работы, приобретенные в коллекцию галереи, будут экспонироваться на выставочных площадках города и за его пределами, для знакомства ценителей искусства с традиционными художественными техниками КНДР. Все работы можно приобрести в личную коллекцию.

Мастерство вышивальщиц КНДР не может не вызвать восхищения форматом и исполнением работы. Традиционная корейская вышивка по шелку – трудное и кропотливое ремесло, но результаты таких трудов всегда вызывают лишь восхищение и вдохновение на творческие поиски.

художников привезли с ответным визитом в Красноярск более 100 работ.Изобразительное искусство Южной Кореи – это сочетание современного абстракционизма с традициями классической восточной живописи и графики. И в этом нет никакого эстетического конфликта: традиционные мотивы придают своеобразие современному корейскому искусству. В своем творчестве художники используют самые разные техники – масло и акварель, темперу и уголь, широко распространена печать. В традиционной южнокорейской живописи очень сильны элементы каллиграфии, наиболее важной чертой в ней являются линии, проведённые кистью.

Каждый автор со своей индивидуальной техникой, стилем и палитрой. Пейзажи, портреты и натюрморты, реалистические работы и абстрактные фантазии – современное искусство Южной Кореи богато и многогранно. И, несомненно, вызовет большой интерес у красноярских ценителей искусства.

Сурикова (1958-1964) и по распределению приехал Красноярск. С 1964 года художник работал в Красноярском отделении Художественного фонда РСФСР, являлся многие годы председателем Художественного Совета.

Важную роль в становлении художника сыграли творческие поездки по Красноярскому краю, на строительство Саяно-Шушенской ГЭС. Работа над портретами передовиков производства была также творческим опытом. Большое впечатление произвела на художника тувинская земля. Во время поездки по Республике Тува его поразило ощущение вечности мироздания, что вылилось в целую серию произведений, посвященных Туве – портретов, пейзажей.

1987-1992 гг. – Красноярское художественное училище им. В.И.Сурикова.

С 1988 г. года участвует в городских, краевых, региональных и международных выставках.

1997 г. — награжден специальной премией японской фирмы «Фукуока Сокен» за создание фантастических персонажей.

1999 г. — Гран-при на Всероссийском художественном конкурсе, награжден поездкой в Париж.

С 2000 г. – член Союза художников России.

2001 г. – Лауреат приза «Наследие», в номинации живопись.

2002 г. – участник проекта «Сто художников Сибири».

2005 г. – персональная выставка «Неземные соседи».

2004, 2006, 2007 гг. – участник регионального пленэра «Саянское кольцо».

Мифотворец и создатель собственного стиля в живописи – так называемого космического реализма. В 1997 году награжден специальной премией японской фирмы «Фукуока Сокен» за создание фантастических персонажей. Манера письма максимально реалистична, что заставляет зрителя поверить в происходящее на картине, «включиться», «подсоединиться» к тому пространству, которое создает художник.

Работы Александра Ивановича Краснова насыщены особым шармом, очарованием, мистикой и легкой долей иронии. Несмотря на то, что во многих картинах автора главные персонажи кажутся нереальными, выходцами из другого мира, все они – это часть нашей жизни, это отражение нашего общества. Достаточно только вглядеться в загадочный мир произведений Краснова и можно увидеть свое отражение в каждом из них.