Красноярцам представится уникальная возможность увидеть оригинальные гравюры Ф. Гойи из знаменитой серии «Тавромахия» (1815), где представлена прославленная коррида. Дерзость, оригинальность и мастерство, с которыми изобразил художник опасную игру со смертью настолько впечатлила испанцев, что они учредили в честь Ф. Гойи специальную праздничную корриду  - «Гойеска». Эту серию любезно представил департамент культуры Майорки.Выставка «Графика Солнца. Весна на Майорке», продолжение проекта «Испания – Сибирь», объединила разнообразные по тематике и жанрам графические произведения сибирских и испанских художников. Среди них написанные под впечатлениями путешествий по Майорке красочные пейзажи С.Форостовского и М. Бирюкова. Удивительная природа Майорки на полотнах художников вновь оживает, наполняется волшебством звуков и красок, будь то поражающие своими размерами скалистые утесы, величественные горные хребты, лазурные берега или руины древнеримских храмов. Эти солнечные картины – своеобразное признание в любви художников, к одному из красивейших островов Испании.

Продолжают знакомить с Испанией и её национальными традициями произведения великого художника XVIII-XIX веков - Франциско Гойи. 

Отпечаток человеческой руки на предметах, с которыми он вступал в контакт и есть его подпись, его способность взаимодействовать, изменять мир, влиять на него. Неоспоримым доказательством стремления человека к прекрасному, к вечному является его прикосновение к земле. Подобно тому, как тысячи лет назад боги слепили человека, сегодняшний творец из глины лепит мир. Художник – творил. Это не штамп, не конвейер, не шаблон – это лепка вручную, голыми руками с открытым сердцем.

При создании произведений для этой выставки Иван Кротов не использует ничего, «кроме глины… и дерева, и немного, металла... и немного краски… и еще глазурь».

Итоговая выставка «Проспект Мира глазами художников» представит 15 картин, созданных красноярскими живописцами в дни проведения пленэров в городской среде. Объектами творческого исследования были выбраны 15 зданий, расположенных в историческом центре города на проспекте Мира, среди которых Ремесленное училище Щеголевой (Мира, 9), Общественное собрание (Мира, 69) и Купеческий клуб (Мира, 71), Аптека Общества врачей Енисейской губернии (Мира, 75), Торговые дома Ивана и Николая Гадаловых (Мира 90 и 79) и многие другие. Работая над картинами, авторы изучили историю выбранных памятников архитектуры и предложили свою авторскую трактовку образа, воплощённую через призму творческого восприятия и индивидуального художественного языка. Поэтому созданные в рамках проекта картины отличаются нестандартным подходом  в изображении памятников архитектуры: так, например здание Купеческого собрания в картине Александра Краснова фантастически парит в виде НЛО над египетскими пирамидами, а за окнами Типографии Кохановских в исполнении академика Германа Паштова уютно расположилась Красноярская студия ксилографии. Такой результат неслучаен, ведь к участию проекте были приглашены живописцы, чьим работам присуще глубокое эмоциональное осмысление натуры и яркое декоративное начало. Среди авторов – Александр Краснов, Владимир Бычинский, Ирина Верпета, Юлия Иванова, Александр Суриков Елена Краснова, Юлия Юшкова, и другие. 

Иванова Юлия:

Родилась 25 апреля 1965 года в городе Красноярске.
1980 – 1984 – Красноярское  художественное училище им. В.И. Сурикова;
1984 – 1990 – Красноярский государственный художественный институт (факультет живописи, руководители творческой мастерской живописи – народный художник России, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор А.М. Знак и В.Н. Бычинский);
с 1990 – участник городских, краевых, зональных и международных выставок;
с 2001 – работа  над проектом " К СВЕТУ";
с 2007 – член  Союза художников России. 

Работы автора находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Исайкина Елена:

Родилась 23 ноября 1976 года в селе Ермаковское Красноярского  края.

1991 – 1996 – Красноярское художественное училище им. В.И. Сурикова;

1996 – 2002 – Красноярский государственный художественный институт с отличием (факультет живописи, руководитель творческой мастерской живописи – заслуженный художник России, действительный член Российской академии художеств, профессор А.А.Покровский);

2002 – 2005 – Творческие Мастерские Современного искусства на базе КГХИ;

2005 – 2008 – Творческая мастерская живописи Российской Академии Художеств, г. Красноярск; Руководитель мастерской – академик, народный художник России А.П. Левитин;

с 2000 – участник краевых, региональных, всероссийских и зарубежных выставок.

с 2002 – старший преподаватель Политехнического института в составе СФУ;

с 2007 – член Союза художников России;

Работы автора находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Верпета Ирина: 

Родилась 1972 года в городе Петропавловске (Казахстан).

1987 – 1991 – Челябинское художественное училище;

1991 – 1997 – Красноярский государственный художественный институт (факультет живописи, руководитель мастерской – народный художник России, член-корреспондент РАХ, профессор А.М. Знак);

1999 – 2002 – Творческая мастерская живописи Российской Академии Художеств, г. Красноярск; Руководитель мастерской – академик, народный художник России А.П. Левитин;

с 2002 – член Союза художников России.

Работы автора находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Краснов Александр: «Я представляю миры, невидимые глазу, но доступные благодаря полёту мысли».

Родился ___1963 года в городе Ленинграде.

1978 – 1981 – Ленинградское реставрационное училище;

1988 – 1992 – Красноярское художественное училище им. В.И.Сурикова;

с 19__ – участник городских, краевых, региональных, всероссийских и зарубежных выставок;

с 2000 – член Союза художников России

Призы и награды:

1997 – специальная премия за создание фантастических персонажей от фирмы «Фукуока Сокен» (Япония);

1999 – Гран-при Всероссийского художественного конкурса, Москва;

2001 – премия «Наследие» в номинации «Живопись», Красноярск;

2010 – Гран-при Конкурса фотографий «Моя Франция»;

2011 – диплом международного симпозиума по росписи  фарфора, Рига.

Краснова Елена: «Художник не может творить только для себя, он - зеркало, отражение времени».

Родилась ___ 1971 года в городе Красноярск-45 (ныне город Зеленогорск Красноярского края).

1988 – 1992 – Красноярское  художественное училище им. В.И.Сурикова;

1995 – 2000 – Красноярский государственный художественный институт (кафедра «Художественная керамика», руководитель творческой мастерской – профессор А.Я Мигас);

2000 – 2003 – Творческая мастерская скульптуры Российской академии художеств, руководитель – народный художник России, действительный член Российской академии художеств, профессор Ю.П. Ишханов;

с 2000 – преподаватель  Красноярского государственного художественного института;

с 2005 – член Союза художников России;

с 2008 – доцент кафедры «Художественная керамика» КГХИ.

Награды и достижения:

2007, 2008 – победитель конкурса в области художественного творчества  в номинации  «Прикладное искусство» на присуждение  корпоративной премии им. В.И.Сурикова группы компаний «Каравай» при поддержке благотворительного фонда Л.И. Пимашковой;

2008 – победитель конкурса на присуждение индивидуальных грантов Губернатора Красноярского края в области культуры.

Работы находятся в частных коллекциях и музеях России (Красноярский художественный музей им. В.И.Сурикова, Елагиноостровский дворец – музей, Санкт-Петербург) и за рубежом.

Осипова Анна:

Родилась 2 июля 1976 года в городе Якутске.

1991 – 1995 – Якутское художественное училище им. П.П. Романова;

1995 – 2001 – Дальневосточная государственная академия искусств, г. Владивосток  (творческая мастерская заслуженного деятеля искусств России, члена-корреспондента Российской академии художеств К.И. Шебеко);

2001 – 2009 – преподаватель рисунка и живописи в Арктическом государственном институте искусств и культуры, г. Якутск;

2009 – 2012 – Творческая мастерская живописи Российской Академии Художеств, г. Красноярск, руководитель мастерской – академик, народный художник России А.П. Левитин;

с 2001 – участник

с 2007 – член Союза художников России.

Достижения: Диплом Российской Академии Художеств. Лауреат, дипломант молодежных, международных выставок.

Работы находятся в частных коллекциях России, Франции, Китая и США.

Кузьмина Татьяна:

Родилась 30 января 1975 года в деревне Худоногово Емельяновского района Красноярского края.

1999 – 2005 – Красноярский государственный художественный институт (академический факультет, кафедра скульптуры, руководитель творческой мастерской – Шпаковский)

2005 – 2010 – Творческая мастерская скульптуры Российской академии художеств, руководитель – народный художник России, действительный член Российской академии художеств, профессор Ю.П. Ишханов;

2005 – 2011 – преподаватель кафедры скульптуры КГХИ

с 2001 – участник городских, краевых, региональных, всероссийских и зарубежных выставок;

с 2006 – председатель и руководитель проектов молодёжной организации «Арт-старт» Красноярской региональной организации ВТОО «Союз художников России».

с 2010 – член Союза художников России;

2010 – победитель конкурса на присуждение индивидуальных грантов Губернатора Красноярского края в области культуры

 Участник международных, всероссийских, региональных, краевых выставок.

Лихацкая Елена:

Родилась 8 октября 1975 года в городе Юрга Кемеровской области.

1991 – 1996 – Красноярское художественное училище им. В.И. Сурикова;

1996 – 2002 – Красноярский государственный художественный институт (факультет живописи, руководитель творческой мастерской живописи – заслуженный художник России, действительный член Российской академии художеств, профессор В.Н. Бычинский);

2002 – 2005 – Творческие Мастерские Современного искусства на базе КГХИ;

2009 – 2012 – Творческая мастерская графики Российской академии художеств, г. Красноярск, руководитель мастерской – народный художник Российской Федерации, действиетльный член Российской академии художеств, профессор Г.С. Паштов;

С 2006г. - член «Союза художников России».

С 2007г – является организатором и членом объединения молодых художников «Арт-старт» при Красноярской общественной организации Всероссийского творческого объединения «Союза художников России».

С 2009-2012г. – творческие мастерские Российской академии художеств г. Красноярск.

2012 – победитель конкурса на присуждение индивидуальных грантов Губернатора Красноярского края в области культуры

     Работы находятся в частных коллекциях: Великобритании, Германии, США, Китае, России.

       Участник международных, всероссийских, региональных, краевых выставок.

 Восхитительные, изящные произведения традиционного китайского жанра «цветы-птицы» кисти художника Хэ Суншаня стремятся к выразительности и «сочности», роскошности, изысканности, необычайной красоте. Художник является одним из лучших преподавателей, много раз он получал награды от Правительства Китая и был даже удостоен звания «выдающийся мастер искусства». В настоящее время он является членом Художественного комитета Китайской академии каллиграфии и живописи, членом Союза художников Китая, членом Китайского научного общества по китайской традиционной живописи, почетным председателем Общества деятелей искусства г. Син Ян. ХэСуншань является членом правления Международной Ассоциации художников и каллиграфов.

На выставке более двух десятков заслуженных художников из разных городов России порадуют почитателей прекрасного широкими возможностями жанра натюрморт.

На выставке представлены работы, выполненные в одном из увлекательных и сложных жанров – натюрморт. Ведь разнообразие тем и образов этого жанра дают неограниченные возможности художникам для поиска новых средств изобразительного языка, эксперимента в области цвета, формы и композиции, раскрытия своего авторского «Я».

Среди множества представленных натюрмортов искушенный зритель легко узнает полотна известных мастеров искусства. Отдельное место в экспозиции занимают цветочные композиции Елены Касименко: её натюрморты из простых ромашек, васильков, пионов преисполнены любовью к земле и красоте сибирской природы.

Излюбленный мотив художника – горы и «горние миры». Титов изображает горы в различных ракурсах и состояниях, всегда смело, экспрессивно, достоверно, с подчеркнутым величием. В каждом случае художник добивается реалистической точности с помощью особых цветовых сочетаний, работая то на контрастных, то на сближенных тонах.

 Максимальная достоверность в передачи натуры в работах мастера сочетается с особым чувством благоговеянного восторга перед величием и нерукотворной красотой сибирской природы. Каждый пейзаж Титова – это повесть о непрерывном дыхании природы, гармонии окружающего мира, о том, что вечно и неизменно. В ней природа живет своей, оторванной от человеческой суеты, жизнью. Будь – то рожденный в горах Енисей, уснувшее в тайге озеро, осененные светом снежные хребты Саян….

Биографическая справка. Илья Дмитриевич Титов – коренной сибиряк, родился в 1926 году в деревне Ильинка Назаровского района, в годы войны служил на Балтике, после демобилизации окончил Суриковскую школу и стал членом Художественного фонда, с которым были связаны долгие годы его жизни. Участник многих выставок. Работы Титова имеются в фондах Красноярского художественного музея, но в экспозициях, открытых для публики, появляются редко. Живет и работает в Красноярске. 

Всех кто любит сибирскую природу, увлекается творчеством своих соотечественником, ценит мастерство и талант, Арт-галерея Романовых приглашает на открытие выставки, которое состоится 4 мая в 17 00 по адресу: ул. Вавилова 27 / а, остановка ТЮЗ.

С детства театр завораживает нас своей таинственностью, волшебством действа, кринолином золотых платьев, изяществом дам и галантностью кавалеров, красотой декораций и, конечно, феноменом превращения из обычного человека в Гамлета, Тартюфа, сказочную фею или горбуна Квазимодо

Многое из представленного зрители не имеют возможности увидеть в театре, но смогут оценить в нашей галерее. Эти вещи в полной мере помогут раскрыть, кто такой - театральный художник

Николай Вагин знает об этих перевоплощениях не понаслышке. Проработав в разных театрах России, Америки и Австрии, он, как никто другой, знает, что театр – это метаморфозы, а сцена легко превращается в тронный зал.

Театр в красках в  Арт-галерее Романовых

 Для журнала Арт-форум томский художник-постановщик Николай Вагин дал интервью, в котором он рассказал о том, что «время – не деньги..», что «табуретка на сцене - вовсе не табуретка», что «работать можно и бесплатно» и что «театр – субстанция мистическая…».

 Сегодня ни одно сценическое действие не обходится без театрально-декорационного искусства. Художник-постановщик подходит к созданию спектакля как к ритуалу, метафорическому превращению вещи в мир искусственных образов. О тонкостях театрального искусства не понаслышке знает Николай Николаевич Вагин – томский художник, Заслуженный деятель искусства, мастер сценографии, чья персональная выставка состоялась в апреле в «Арт-галереи Романовых». Сегодня Николай Вагин преподает живопись, композицию и рисунок в Институте культуры Томского государственного педагогического института. Художник - продолжатель лучших традиций театрально-сценографического искусства. После окончания Московской школы-студии МХАТ (курс Валерия Левенталя) он на всю жизнь связал свое творчество с театром. Начинал с театра кукол в родном городе Новокузнецке, где работал вместе с актером Владимиром Машковым, потом – Кемеровский театр, Томский драматический театр, затем Новокузнецкий драматический театр. Творчество художника получило высокую оценку в среде профессиональных сообществ режиссеров, сценографистов. Постановки Николая Вагина с успехом прошли в театрах Англии, Германии, США. Однако возможности работать за рубежом художник предпочел родные стены Томского театра.

В своем интервью художник поведал о секретах сценографии, связи театрально-декорационного искусства и изобразительного творчества, особенностях и этапах оформления театрального спектакля. Весь рассказ Николая происходил на фоне зарисовок, макетов костюмов к театральным спектаклям, размещенных в одном из залов галереи Романовых. Помимо театральных эскизов в экспозиции были представлены живописные полотна мастера. В них художник отобразил собственное философское осмысление сути театрального искусства. Картины выполнены в необычной технике: живописная ткань холста пронизана сканью сусального золота, матовым блеском акрила, масла, покровного лака и гуаши. Тем самым художник погружает зрителя в атмосферу прошлого, век галантных дам и кавалеров. Визуальной игре погружения в иную эпоху вторит название работ: «Кавалер - призрак», «Дама XVII века», «Ричард III».  Давно известно, что театр – это игра, а эти произведения игра в театр, а значит игра в игру. Такая двойственная условность не дает возможность сохранить индивидуальность конкретных людей эпохи, поэтому у сюжетов и персонажей картин Николая Вагина отсутствуют лица, признаки настоящего. В веках остается лишь образ эпохи, «костюм» прошлого.  В этом сокрыта основная идея экспозиции – «все преходяще, искусство - вечно».

Свое интервью с Николаем Вагиным мы начали с вопроса: «С чего начинался Ваш творческий путь?».

Я не помню себя не рисующим. Еще мой отец, машинист по профессии, занимался попутно стенгазетами и плакатами. Рос я в Новокузнецке – это город для меня всегда останется лучшим местом на земле – городом детства.

Первые детские увлечения рисунком превратились в дело жизни. Работал во многих театрах России и за рубежом: в Америке, Англии, Германии, например. В Советское время было много возможностей переехать в Америку.

И почему же не уехали?

- Судьба отвела. По жизни я фаталист. Не сложилсь. Хотя многие друзья живут и работают там, брат, врач по профессии, тоже связал свою жизнь с Америкой. Мы с американцами разошлись в философии. Русский человек не сможет жить за границей. Они думают, что время – деньги. Я же с колокольни своего опыта уверяю вас: время – это жизнь, несоизмеримая с деньгами.

Как рождается спектакль? 

Все начинается с выбора пьесы. Она непременно должна соответствовать современности, причем современности именно этого города и места. Решающий фактор здесь – родство душ режиссера и художника-постановщика. Все участники сценического действия должны безусловно любить идею спектакля и доверять режиссеру. Если идея хорошая, то можно и бесплатно работать. Были времена когда мне приходилось подрабатывать таксистом для того, чтобы заниматься любимым делом.

Декорации, освещение, реквизиты, костюмы, бутафория – все это составляет единое художественное целое, выражающее смысл и характер сценического действия. В театре надо работать на уровне искусства, поэтом важна каждая деталь и технология создания образа.

В чем по Вашему основная суть театра?

Могу сказать лишь одно, театр – субстанция мистическая. Как сказал У. Шекспир «Весь мир театр и люди в нем актеры». На сцене ничего не бывает самим собой: все лишь образы-заменители. Даже табуретка на сцене – это не табуретка, это символ табуретки – обозначение предмета мебели. Все проверяется реакцией зрителей. Если зритель мучается, идет в буфет – можно с полной уверенностью сказать, что спектакль не состоялся. 

Какова роль изобразительного искусства в театре?

- Ровно половина. Вы думаете, оперу слушают? На самом деле её смотрят.

Как, по Вашему мнению, будет развиваться изобразительное искусство?

Я думаю, что будущее за психологией: погружение искусства в личностный мир человека, его мотивы, мысли, в его душу. Поэтому сильный толчок к развитию получит портрет.

Что Вы думает о красноярской школе живописи?

- У вас замечательные художники. Средний художник у вас очень высокого уровня. Поэтому и коллекция Художественного музея у вас прекрасная, и выставки интересные.

О Вашей выставке: раскройте секрет, почему одна из Ваших картин называется «Зеленые ногти»?

О, это забавная история. Однажды, я ехал в автобусе и обратил внимание на двух молодых красивых девушек, от которых глаз невозможно было оторвать. И тут все впечатление испортил их разговор: они так громко выражались! И мне очень запомнились их вульгарные зеленые ногти. Приехав домой, я посмотрел на своих жену и дочь, тоже очень красивых, он они не ругались, а очень культурно разговаривали. Я подумал: какие они у меня хорошие. Кстати, второе название картины «Любимые». Над ней я работал уже тогда, и потом еще долго продолжал работать, лет семь, восемь. Но именно тогда задумка приобрела такой поворот.

На выставке в Красноярске также можно увидеть произведения художницы, выполненные в техниках эмаль и пастель. Пастелью Татьяна предпочитает изображать городские пейзажи и природные ландшафты. А в эмали она создает яркие фантазийные композиции на самые разные темы. Любителям изобразительного искусства будет чему удивиться и порадоваться на ее выставке. Художницу привлекают в батике большие возможности. Татьяна работает в любых техниках – горячем, холодном батике, свободной росписи, а иногда и в их сочетаниях. Она использует в своих работах только натуральные ткани, которые закупает в Москве, никакой синтетики.

Художник декоративно-прикладного искусства (батик, текстиль, эмаль), график. Родилась в Москве.

В 1981 году после окончания Московского технологического института по специальности «художественное оформление и моделирование изделий текстильной и легкой промышленности» приехала в Омск.

С 1985 года участвует в областных, региональных, межрегиональных, всероссийских, международных, зарубежных выставках.

Провела 17 персональных выставок в Омске и городах России.

С 1993 года – член Союза художников России.

Стипендиат Комитета по культуре и искусству администрации Омской области (1998).

Лауреат премии за заслуги в развитии культуры и искусства имени народного художника России К.П. Белова (2006).

Лауреат IIIмеждународного фестиваля декоративно-прикладного искусства и дизайна «Незабытые традиции»

Г.Москва.Награждена дипломом II степени и памятным знаком.

Лауреат Х художественной выставки «СИБИРЬ», награждена дипломом и медалью.

Награждена дипломом Российского Союза художниковза успехи в творчестве и содействие развитию изобразительного искусства России.

Награждена дипломом им.Татьяны Павловой за участие в проекте пленер, включенном в программы:» 2011год.Год перекрестных культур Италия Россия»

Награждена Почетной грамотой министерства культуры Омской обл. в 2007г.

Награждена Почетной грамотой министерства образования Омской обл. в 2010 г.

Произведения хранятся: в Омском областном музее изобразительных искусств им. М.А. Врубеля, в Городском музее «Искусство Омска», в Государственном областном художественном центре «Либеров-центр» (Омск), в Ноябрьском художественном музее, в Новокузнецком художественном музее, в картинной галерее станицы Казанская (Краснодарский край), в картинной галерее «Ольга» Омскпромстройбанка, в частных коллекциях России, Австрии, Канады, США, Германии.

.

В 1992 г. с выставки в Австралии, в г. Перт, агенты крупнейшего мирового аукциона «Sotheby's» (Perth Galleries pty LTD) приобрели две его работы – «Осенний пейзаж» и «Роман».

В 2000 г. имя Ивана Степановича Данилова было внесено во Всемирную Энциклопедию художников (“Allgemeines Kunstlerlexikon”, том 24). В 2006 г. в Китае (г. Харбин) в музее русского искусства открыт персональный зал художника с постоянно действующей экспозицией.

В 2008 г. награжден премией и золотым знаком «Наследие» в области профессионального искусства и меценатства, в номинации «Изобразительное искусство», как лучший художник 2007 года  в Красноярке.

В 2008 г. – лауреат Десятой региональной художественной выставки «СИБИРЬ», посвященной 115-летию Новосибирска. Награжден медалью за произведения, представленные на выставке и значительный вклад в развитие изобразительного искусства Сибири.

Любовь к живописи проявилась у Ивана Степановича еще в детстве. В этот период времени начинающий художник впервые познакомился с масляными красками. На становление Ивана Данилова большое влияние оказали красноярские художники, одним из которых был Борис Ряузов, назвавший его в шутку «Данила-мастер». Художник работает в различных жанрах: портрет, пейзаж, натюрморт. В настоящее время это профессиональный, увлечённый своим делом мастер, которому интересен весь мир. Его особое восприятие окружающей действительности рождает сюжеты подчас неожиданные как композиционно, так и по цветовому пятну, рассматривая которые вдруг узнаёшь и знакомые места Красноярска и одновременно проникаешься философией ирреального мира. Экспрессивной живописи Данилова присущи богатство цветовых оттенков, свободная пластика, легкий мазок, светоносность, очарование хрупкой красоты мира.

 Портреты, пейзажи, натюрморты – это переплетение традиций русской живописной школы и современного авангарда.

Для изготовления своих работ мастер использует однажды найденную оригинальную форму, которая каждый раз дополняется, видоизменяется, а изделия, изготовленные по ней, находят свою индивидуальную расцветку.             Одним из лейтмотивов ее творчества является старый Красноярск. Изучение его архитектуры, его традиций, его духа воплощено в керамических работах, таких как колокольчики-часовни, карандашницы с изображениями главных достопримечательностей города: Царь-рыба, Часовня, Здание на Стрелке, музеи и театры и просто старинные купеческие дома.

            Так как керамика как самостоятельная техника является в первую очередь декоративно- прикладным видом искусства, то большинство изделий Светланы Шинкаренко имеют функциональное назначение.

            В силу особенностей процесса обжига глины в печи, каждое изделие должно быть полым внутри, иначе при обжиге глина может треснуть. Светлана мастерски решает эту проблему в процессе своего творчества. Образы ее изделий становятся лаконичными и простыми, но в то же время в них есть нечто самобытное, они всегда узнаваемы. По округлым, плавным, отчасти забавным очертаниям зритель легко угадывает совушек и левушек, таинственные миражи с верблюдами, северных оленей с наездниками и яблоки с гранатами.

Особый взгляд, особый мир, таинственный и влекущий…

На выставке «НЮансы» можно будет увидеть работы реалистичные и абстрактные, выполненные в техниках живопись, графика, скульптура и фотография. Лирика и брутальность, страсть и нежная чувственность. Особый взгляд, особый мир, таинственный и влекущий…

Выставка состоит из двух частей, и в одной из них будут представлены работы, которые уже можно назвать классикой жанра – Андрея Поздеева и Владимира Капелько, Якова Еселевича и Вольдемара Бурмакина.

Вторая часть экспозиции – экспериментальная и провокационная, острая и во многом неожиданная. Графика петербуржцев Олега Яхнина и Анастасии Зыкиной, новая вызывающая работа Василия Слонова, чувственные и одновременно ироничные произведения Бориса Зинкевича, скульптуры Антона Тырышкина и Юрия Вальгмана и многое другое.

Безусловно, каждый найдет здесь для себя свои «НЮансы». Но абсолютно однозначно – равнодушным к этой выставке никто не останется!

Яхнин Олег 

1. Взросление, из серии Татуировки, б., фломастер, 

2. На позициях -2, из серии Татуировки, б., фломастер, 

3. Атака, из серии Татуировки, 

Виталий Смирнов 

1. Ню-тюрморт, чб фото, авторская печать, 2009, 

2. Триптих "Одна дома" (3 листа), авторская печать, 2009, 

Андрей Строганов 

• Серия "В оболочках" ( 2 листа), чб фото, 2011, 

Волосенков Феликс

"Голые дамы", серия, 4 листа, тон. бумага, маркер, цв. карандаши, 

Анастасия Зыкина 

1. Exlibris "ВН" офорт, 

2. Тьма, офорт, 

Сергей Кондрашкин 

1. Amex, офорт 

2. Amex II, офорт 

3. Коло, офорт 

4. Прикосновение ярила, офорт 

5. Господство, офорт 

6. Adam and Eva, офорт, 

Михаил Гавричков 

• А.И. Михайлову, офорт, 

Хё Йон-Хак

Директор Корейской Ассоциации Изобразительного Искусства, Глава группы «Хук». Член Корейской Ассоциации Изобразительного искусства в Сеуле. Участник выставок «Молодой взгляд» Бусан-Осака, Бусанской бьеннале, Азиатского фестиваля современного искусства в Музее искусства в Токио, выставке «Корейское современное искусство» в Мориоке, Япония. Председатель комитета Бусанской биеннале, член комитета Бусанской церемонии искусства, член жюри Корейской и Бусанской церемоний искусства.

Hur jong-ha

A Director of «Korea Fine Art Association». The Chief Executive of 'Hyuk' group. A member of Korea Fine Art Association in Seoul. Took a part in exhibitions “The Young's Vision” Busan-Osaka, Busan Biennale, “Asia contemporary Art Festival” in Tokyo art museum, Korean Modern Exhibition in Morioka, Japan.The chairman of the committee of “Busan Sea Art Festival”.

A judge of 'Busan Art Ceremony' and 'Korean Art Ceremony'.

Хё джон-ха

Директор Корейской Ассоциации Изобразительного Искусства, Глава группы «Хук». Член Корейской Ассоциации Изобразительного искусства в Сеуле. Участник выставок «Молодой взгляд» Бусан-Осака, Бусанской бьеннале, Азиатского фестиваля современного искусства в Музее искусства в Токио, выставке «Корейское современное искусство» в Мориоке, Япония. Председатель комитета Бусанской биеннале, член комитета Бусанской церемонии искусства, член жюри Корейской и Бусанской церемоний искусства.

Hur, jong-ha

A Director of «Korea Fine Art Association». The Chief Executive of 'Hyuk' group. A member of Korea Fine Art Association in Seoul. Took a part in exhibitions “The Young's Vision” Busan-Osaka, Busan Biennale, “Asia contemporary Art Festival” in Tokyo art museum, Korean Modern Exhibition in Morioka, Japan.The chairman of the committee of “Busan Sea Art Festival”.

A judge of 'Busan Art Ceremony' and 'Korean Art Ceremony'.

               Хё джон-ха

Директор Корейской Ассоциации Изобразительного Искусства, Глава группы «Хук». Член Корейской Ассоциации Изобразительного искусства в Сеуле. Участник выставок «Молодой взгляд» Бусан-Осака, Бусанской бьеннале, Азиатского фестиваля современного искусства в Музее искусства в Токио, выставке «Корейское современное искусство» в Мориоке, Япония. Председатель комитета Бусанской биеннале, член комитета Бусанской церемонии искусства, член жюри Корейской и Бусанской церемоний искусства.

Hur, jong-ha

A Director of «Korea Fine Art Association». The Chief Executive of 'Hyuk' group. A member of Korea Fine Art Association in Seoul. Took a part in exhibitions “The Young's Vision” Busan-Osaka, Busan Biennale, “Asia contemporary Art Festival” in Tokyo art museum, Korean Modern Exhibition in Morioka, Japan.The chairman of the committee of “Busan Sea Art Festival”.

A judge of 'Busan Art Ceremony' and 'Korean Art Ceremony'.

Сонг Йон-Дак

Член организационного комитета и член жури на конкурсах Изобразительного искусства в Корее. Президент Джонгмэнской Ассоциации Современных художников. Президент Международной Дружеской Ассоциации Изобразительного искусства. Директор Корейской Ассоциации Международного Обмена. Член Творческой, Артпийской, Корейской, Масанской ассоциаций Изобразительного искусства. Профессор Масанского университета, Корея.

Персональные выставки в музеях и галереях Шанхая, Тэгу, Осаки, Кояна, Чханвона, Дутинхема, Котки, Лос-Анджелеа, Сеула, Масана.

Seok Jon-Dak

A member of Management committee and Judge in Korea. A President of Gyeongnam, Modern Artist Association and International Friendly Fine Art Association. A Director of Korean Art International Exchange Association. A Professor of Masan University, Korea.

Personal exhibitions in museums and galleries of Shanghai, Daegu, Osaka, Goyang, Changwon, Doetinchem, Kotka, Los-Angeles, Seoul, Masan.

Евгений Дубицкий — художник из Санкт-Петербурга — связыывает свое творчество с реалистической традицией русского искусства конца XIX века. Его пастельные пейзажи, тем не менее, отличаются от программных произведений художников-реалистов+, для которых принципиальной была натуралистичность, достигаемая за счет профессионального владения масляной техникой живописи, то есть через создание иллюзии новой реальности. Пейзажи художника полны смутного, призрачного и растворяющегося благодаря свойствам пастели — недолговечной, рассыпчатой и хрупкой («Туманное утро», 2012). Его пейзажи не претендуют на статус новой реальности, скорее на статус мечты — воздушной, умиротворенной и растворяющейся. Художник выбирает идилические сюжеты, раскрывающие тему спокойтствия, мирного созерцания, природной красоты («Ораниенбаум, осень, Карость», 2012). 

Евгений родился в Казани в 1951 г. В 1970 г. окончил Казанское художественное училище, в 1976 г. в Петербурге Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, графический факультет. Член Союза художников России с 1990 г.  Участник международных, всесоюзных, республиканских и петербургских выставок. Работы художника находятся в Государственном Эрмитаже, Государственном Русском музее, Музее Ватикана, Российской национальной библиотеке, Государственном музее городской скульптуры Санкт-Петербурга, Музее-заповеднике «Павловск» и других музеях и частных коллекциях в России и за рубежом. Живет и работает в Санкт-Петербурге.

Художник Евгений Дубицкий, достойный представитель петербургской академической школы, наделен двумя бесценными дарами: даром увидеть эфемерную красоту момента и даром виртуозно ее запечатлеть. Особая проникновенность наполняет его вечерние пейзажи, на которых художник стремится уловить гаснущий свет вечернего неба.

«Визитной карточкой» Евгения Дубицкого, бесспорно, является зимний пейзаж. Не влюбиться в его зиму невозможно – так пушист и чист его снег, так великолепна скань заиндевелых веток. Не лютая стужа и безысходность, а теплое детское ожидание грядущего рождественского чуда привидится вам в его зимних картинах.

Если вы истосковались по живительной красоте природы, если вы не верите, что еще остались мастера, виртуозно владеющие своим ремеслом, - приходите на выставку картин Евгения Владимировича Дубицкого. И вы соприкоснетесь с творчеством несуетным и прекрасным, дошедшим до нас отголоском XIX века.

Непредсказуемые результаты – даже опытные художники-керамисты, загружая свои изделия в такую печь, не знают до конца, что сотворит с ними живой огонь. А как приятно потом взять обожженную глину в руки! Эта техника возвращает нас в архаическую древность.

Этот симпозиум – первый шаг к проведению всероссийских и международных симпозиумов по керамике в Красноярске. В нем приняли участие ведущие мастера Красноярской школы керамики, которой уже 33 года. Результаты вас впечатлят. А наиболее понравившиеся работы можно при желании приобрести и унести домой.

В дальнейшем планируется, что такие открытые мастер-классы станут доступны всем желающим. Приходите, посмотрите, и, может быть, и вам захочется взять в руки глину и сотворить свою уникальную работу! В рамках симпозиума прошли дни открытых дверей, где попробовать себя в лепке из керамики и глазурной росписи могли не только профессионалы. 

Авторы идеи проекта художники Александр Суслов (Новокузнецк) и Сергей Лазарев (Томск).Тема древних образов в искусстве современных сибирских художников находится в сфере интересов Галереи  давно, по крайней мере, с 2000 года, когда в Новокузнецке состоялась первая выставка «СЛЕД», идея которой возникла из потребности со-единения творческих личностей, сохранивших генетическую память родства и со-бытия с историей и культурой гигантской территории под названием Сибирь.

В 2006-2007 в шести городах Сибири (Новосибирск, Новокузнецк, Томск, Омск, Красноярск, Ханты-Мансийск) был показан художественный проект «СЛЕД III». Под этим же названием прошла в 2004 году выставка в Красноярске,  участники которой продолжили разработку темы неоархаики. 

Все выставки серии сопровождались проведением конференций, дискуссий в режиме Круглого стола, в которых участвовали не только художники и искусствоведы, заинтересованные в развитии данного художественного направления, но и ученые – философы, историки, этнографы, археологи.Серия выставок «СЛЕД» обозначила своеобразный итог творческих размышлений современных художников Сибири конца ХХ века и осмысление направления движения творческой и художественной мысли Сибири в новом ХХI веке. Исследователи научных отраслей, сопредельных с вопросами архаики, проявляют интерес к теме художественной интерпретации культурного наследия древних цивилизаций и народов, обитавших  тысячелетия назад на территории Сибири. 

Сибирская неоархаика – название  художественного  направления в современном искусстве Сибири.  Зародившись в начале века, интерес к архаике не  прерывался, а лишь переживал периоды то повышенного к ней интереса – 1910 - нач. 1930-х гг., 1960-е гг., последняя четверть XX – нач. XXI вв., то спада - в силу различных причин политического, социального, культурного, научного характера. Сегодня мы с уверенностью можем говорить, что сибирская неоархаика носит ярко выраженный  экстерриториальный характер, по своей пространственной протяженности и длительности во времени не имеет аналогов в отечественной культуре.  Направление включает в себя художников Байкальского региона, Саяно-Енисейской и Хакасо-Минусинской котловин, Алтая, Тывы, Западно-сибирской степной и таежных зон, севера Обь-Иртышского бассейна (современные территории Ханты-Мансийского и Ямало-Ненецкого округов).

 Уже сам по себе факт распространения художественного явления в столь внушительных масштабах заставляет посмотреть на него более пристально. У любого художественного события есть исток. Сибирская неоархаика родилась не на голом месте, направление имеет мощные исторические корни содержательного и формального характера.  Этнографические (предметы быта с ярко выраженным орнаментальным и декоративным решением), фольклорные (устные и письменные тексты), изобразительные (каменные скульптуры, наскальные рисунки) памятники Сибири говорят о том, что их безымянные авторы обращались, прежде всего, к витальным образам, то есть к образам, связанным с жизнью на земле, продолжением человеческого и животного родов, с физическим и духовным освоением пространства. Мир в древних памятниках  предстает единым, целостным, органичным и, подчеркнем, очень духовным. Древний артефакт - каменная стела, рисунок на скале и пр. - были местом и способом «мольбища»! И не в этом ли ценность органичного памятника древности для современного человека, живущего в раздробленном, расчлененном на части мире. Человека, оторванного от места своего рождения и повседневного существования, живущего в мире, глобально заполненном насилием, агрессией, подменой ценностей. Человека, живущего в мире, где насилие, обогащение, физиологические страсти оказались реальной угрозой не только для его духовного существования,  но и для повседневной жизни. С этой точки зрения ценность и достоинство сибирской неоархаики  заключается в том, что ее авторы сначала интуитивно, затем рационально «увидели» в прошлом искомую гармонию, которой лишен современный мир.

Представь, я не видел здесь пока ни одного оленя. Снега почти нет, хотя девушки, как я и предполагал, ходят в мехах. Город встретил солнцем, термальными источниками, вяленым муксуном, но мой рассказ не об этом».

Выросшие Маши и Коли, ставшие художниками, и начали этот международный передвижной художественный проект, целью которого является объединение авторов, чей творческий путь начался в советское время и, несмотря на лихие 90е и крутые рыночные 2000е, эти художники сумели сохранить творческую индивидуальность.

Почти каждый из нас, когда он был маленьким, мечтал о дальних странах, захватывающих приключениях, новых встречах и впечатлениях. Почти каждый с завистью смотрел на родителя, отправляющегося в командировку или отпуск, и с нетерпением ждал писем с фотографиями из далеких краев, где находятся его родители пока он живет с бабушкой.

Одним из важнейших критериев отбора является мастерство и самобытность. Каждый из участников проекта открывает перед зрителем – Машей – свой внутренний мир, полный ярких эмоций, впечатлений и размышлений. В каждом городе, освоенном проектом, в объединение вливаются новые авторы, а значит, Маша начинает лучиться новыми гранями.

Маша – собирательный образ, интимная составляющая жизни художника. Для одного - это причина, удерживающая от участия в событиях, проходящих за пределами родного города, для другого образ семьи, ждущей дома, для третьего – обычная лень.

Из каждого города художники будут писать письма Маше.

Выставка лучших работ наших керамистов с I Красноярского керамического симпозиума;

Участие в Красноярской ярмарке книжной культуры с выставкой «Кошкин том» («Мартовский кот в гостях у КрЯКК»);

И многое-многое другое! Следите за афишей, ждем вас на наших выставках!5 сентября «Арт-галерея Романовых» открывает свой третий творческий сезон. В новом сезоне в стенах галереи, как всегда, ожидается немало интересного. В ближайшие месяцы это:

Персональные выставки художников Александра Шадрина (Казань), Валентина Жданова (Пермь) и Евгения Дубицкого (Санкт-Петербург);