состоялась в 1994 г. в галерее «Амарант» в Перми. В 2000-2003 гг. сотрудничал с галереей «Munding» (Австрия), состоялись персональные выставки в Тироле, Баварии, Северной Италии. Участник персональных и групповых выставок в России и за рубежом.
Виталий очень самобытный художник. Он работает в технике масляной живописи на холсте. Его произведения далеки от традиционной академической живописи. Не обремененный системой профессионального обучения, он свободно следует за полетом собственной фантазии, смутными интуитивными ощущениями, не лишенными определенной доли иррационализма. Это касается и выбора мотивов, и характера самой живописи, ауры произведений, особенно с изображением полулюдей, полузверей. В определенной степени они претендуют быть образами подсознания, а с другой стороны – олицетворением современного состояния общества. Откровенно «игрушечное» начало делает образы более занимательными и облегчает их восприятие массовым зрителем. Они напоминают знакомые нам с детства иллюстрации из детских книг.

Его живопись наполнена необычайной, светлой музыкальностью. Обилие фигур и деталей, острота контурного рисунка, яркая выразительность образа сочетаются в работе Виталия с тончайшим ощущением тонального единства.

Изящные по рисунку, тонкие по цветовым сочетаниям картины отражают свойственное художнику уникальное мистическое видение мира, в котором сливаются воедино реальность и воображение. Его произведения утонченные и элегантные. Невесомые и парящие персонажи будто находятся в легкой дымке. Пастельные тона, хрупкие фигуры – все наполнено удивительной гармонией.

творчества создал огромное количество рисунков, офортов и литографий о сибирской природе, жизни и быте простых северных людей.

Свой творческий путь Иван Овчинников начал с учебы в заочном Всесоюзном Доме народного творчества им. Н.К Крупской, в г. Канске, где долгое время жил и работал. Годы обучения в народном университете определили его устойчивую склонность к графике. Именно в этой технике и были созданы основные выдающиеся произведения автора.

Первая краевая выставка для И.А. Овчинникова состоялась в 1969 году, это была «Сибирь социалистическая», где скромные карандашные работы художника были встречены с большой теплотой. С этого времени Иван Андреевич становится участником почти всех краевых, региональных, республиканских и даже всесоюзных выставок.

Серьезный успех в графическом искусстве – результат долгого и упорного труда, нелегких поисков, постоянного стремления к совершенству. Художник достиг невероятных высот как рисовальщик.

Настоящую славу Ивану Андреевичу принесла серия работ «Канский хлопчатобумажный комбинат», созданная в 1974 году в технике офорта и литографии. На первый взгляд, сугубо индустриальный сюжет в работах серии неожиданно раскрылся в знакомых образах, простых людях и тружениках советского производства.

В 1975 году произошло важное для художника событие – вступление в члены Союза художников СССР. А 2001 году Иван Андреевич переезжает в г. Красноярск, где начинает новый виток его творческой деятельности.

Одной из магистральных тем в сюжетах Ивана Овчинникова становится жизнь и быт таежного народа. Охотники и рыболовы, пастухи, их семьи и жизненный уклад манят художника своей первозданной простотой, близкой к природе незамысловатой обыденностью. И.А. Овчинников много и с большой любовью пишет портреты таежных поселян, бытовые сцены и пейзажи, замершей во времени сибирской тайги. Автору удается передать ту гармонию, что царит между персонажами его рисунков в отношениях друг к другу и к окружающей природе.

Как следствие этого интереса, И. Овчинников едет рисовать тофаларов – один из самых малочисленных народов России, проживающий на юге Иркутской области. Впервые посетив их в 1976 году, художник становится постоянным гостем Тофаларии, познает и воплощает в своих работах загадочный мир простых промысловиков в затерянной глухой тайге. Работа над серией «Страна Тофалария» начата художником в 1976 и продолжается до сих пор. Серия литографий на эту тему принесла Ивану Андреевичу заслуженную славу, репродукции работ стали появляться в альбомах и журналах. Многие музеи изъявили желание иметь в своей экспозиции работы из серии о тофаларах.

Иван Андреевич внес неоценимый вклад в развития искусства Красноярского края и Сибири. Его работы хранятся в коллекциях музеев и частных собраний, как в России, так и за рубежом.

художественное училище. Работал в Хабаровске в Художественном фонде (1958-1960 гг.). В 1961 году был принят в члены Союза художников СССР. С 1968 года жил и работал в городе Орле. Работы Леонида Алексеевича экспонировались на зональных, республиканских и международных выставках: краевые выставки в Хабаровске (1961, 1962), республиканские выставки «Советская Россия» (1960, 1965, 1985), Всесоюзные выставки эстампа (1962, 1963), , Всесоюзная выставка произведений молодых художников (1962), зональные выставки «Советский Дальний Восток» (1964, 1967), международная выставка «На страже мира» (Улан-Батор. Монголия, 1966),«Советский эстамп» (Монголия, 1968) и др. Персональные выставки художника городе Орле проходили в 1986 и 1996 годах. Произведения художника находятся в Омском художественном музее изобразительных искусств, Комстромском художественном музее, Дальневосточном художественном музее, музее Краснознаменного Тихоокеанского флота (ныне военно-исторический музей Тихоокеанского флота), Орловском музее изобразительных искусств, музее им. В.А. Русанова (г. Орел), Орловском краеведческом музее.

Художник. Романтик. Моряк…

Вот берег северного моря:
Под небом в крапинах слюды -
Волна и ветер в бурной ссоре,
А пены больше чем воды.
Камней обветренные лица,
Суровой ковки якоря.
И пахнет йодом – как в больнице
И так же ссадины горят.
Ты скажешь – вечная простуда,
Глухие, дикие края...
Я объясню тебе – откуда
Тоска по Северу моя:
Здесь чайка плачет и клокочет
Как заполярный соловей.
Здесь дни бессовестно короче,
А поцелуи солоней.

В густом, лебяжьем белом цвете –
Семь нот, семь красок, семь чудес.
Вкус миндаля, мечта о лете
И острый к жизни интерес.
Л. Миллер

Последняя фраза могла бы стать лейтмотивом, характеризующим жизнь и творчество удивительного художника Леонида Алексеевича Остроушко (1936-2008). В наше время такого человека назвали бы фанатиком или одержимым, а для него это была обычная проза жизни - жить в постоянном поиске, вечном движении, поездках и встречах. Любовь к книгам, увлечение историей, археологией, тяга к путешествиям, в которых он черпал вдохновение для своих картин, – лишь краткий перечень его интересов. Главной «страстью» художника было море. О море он знал не понаслышке – летние месяцы Леонид Алексеевич проводил на тихоокеанских учебных и боевых судах, был моряком, военным художником. Среди его картин и вещей, подаренных школе Галиной Павловной, женой художника, есть спасательный пояс. Он хранит названия мест, где побывал этот интересный человек: Тихий океан, Японское и Охотское моря, море Лаптевых, Ледовитый океан, Черное море, Байкал, Волга, Лена, Енисей, Ангара, Амур... Кроме этого были путешествия по Камчатке, Алтаю, Закарпатью, Кавказу, Монголии и Франции… Обширная география… Из поездок он привозил разные «вещицы»: коллекционировал камни, значки, открытки, книги, игрушки. Сложно представить, что с таким количеством интересов и занятий этого человека хватало на активную творческую деятельность. Невероятная трудоспособность – качество, отличавшее художника.

Изучив биографию художника, необходимо отметить, что огромное влияние на творческую судьбу Леонида Алексеевича оказали Сибирь и Дальний Восток. В Иркутске прошло его детство, годы учебы в художественном училище, где он увлекся офортом и линогравюрой. Затем работа в Хабаровске, где его считали «перспективным молодым художником», где он вошел в состав Союза художников СССР. Но обстоятельства складываются так, что в 1968 году художник оказывается в сухопутном провинциальном Орле. Будучи открытым и общительным, Леонид Алексеевич сумел сохранить связи с Дальним Востоком, куда периодически приезжал «проникнутся новыми мотивами и впечатлениями». Работа художником в орловских художественно-производственных мастерских приносила стабильный заработок. Кроме того, художник много работал творчески, но его картины покупали не часто, да и стоили они недорого, судя по сохранившимся выпискам.

Мастерство, а, следовательно, и творческий рост, нарабатывались в многочисленных поездках, командировках, на творческих дачах. В то время творческие дачи были и местом работы, и местом общения (куда приезжали художники со всего Союза, а иногда и иностранные гости), и местом повышения квалификации. Для Л.А. Остроушко «творческим пристанищем» на долгие годы оказался Сенеж – Дом творчества в Подмосковье. Здесь накапливались впечатления, происходило непосредственное общение, художники обменивались опытом, делились творческими замыслами, работали с натуры. В этот период Леонид Алексеевич активно выставляется, его работы находятся в картинных галереях и выставочных залах страны, приобретаются частными лицами, выставляются за рубежом.

Кризис 1990-х годов, смена власти изменила жизнь всей страны, сильно повлияв на быт и настроение обычных людей. Для творческих людей, занимавшихся искусством, эти годы стали переломными – государство практически не выделяло средства на культурные мероприятия, специалисты оставались без работы, произведения искусства не продавались. Для Л.А. Остроушко, это полный крах творческой жизни, от которого он так и не оправится…Персональная выставка, проходившая в 1996 году – наиболее яркое творческое событие последних лет жизни художника…

Настоящая выставка Леонида Алексеевича Остроушко, организованная Орловской детской школой изобразительных искусств и народных ремёсел, имеет своей целью показать уникальность личности художника. Она продолжает ряд выставок, посвященных памяти безвременно ушедших художников-творцов, людей, чьи имена навсегда остались в истории изобразительного искусства Орловского края. Память прошлого, его ценности помогают лучше понять сегодняшнюю жизнь, особенно это важно для подрастающего поколения, так как именно с детства формируется уважение к духовным ценностям, развивается представление о прекрасном, зарождается интерес к творчеству. Зрители и, в первую очередь, учащиеся школы, имеют возможность познакомится не только с техническими особенностями выполнения того или иного произведения, но и увидеть мир глазами художника, узнать, что его интересовало, волновало, тревожило.

Мир на картинах художника Леонида Алексеевича Остроушко интересный, многогранный и очень душевный. Тема светлого, счастливого детства с простыми радостями и переживаниями пронизывает его картины: «Воробушки», «Мирные сны», «Дождик», «Березовый хоровод», "Скворечники". Хотя собственное детство художника было тяжелым (в раннем возрасте он лишился матери, а война отняла у него и отца), в этих произведениях точно переданы первые открытия и переживания ребенка. «Зимний этюд», «А снег идет…», «Зимний день» - зимние пейзажи с состоянием «звенящей» тишины. С большой тонкостью и лиричностью переданы образы известных городов: Хабаровска, Загорска, Орла, Риги, Таллина. Доля иронии присутствует в картине про кота Ваську. «Ночь кота Васьки» - сюжет, подсмотренный под окнами его мастерской.

Совсем другое настроение рождается в работах, связанных с морем. Созданные им графические произведения (многочисленные зарисовки, работы гуашью, офорты, линогравюры) показывают море во всем его многообразии: то преисполненное страсти, величия и динамики, то сдержанно-спокойное. Иногда работы складываются в целые серии («Тихоокеанцы», «Художники флоту», «Сахалинский Баскомфлот» и др.) и каждый раз это новое повествование о море. Это жизнь портовых городов («Разгрузка», «В порту», «Путина»…), военные баталии и сцены учебных заданий, разгул морской стихии или ее временное затишье.

В своем творчестве художник обращается к культуре различных народов. Офорты, посвященные жизни народов Крайнего севера (серия «Якутия»: «Северный эпос», «Однако пора…», Однако хорошо…»), притягивают своей магией и загадочностью. Самобытны и выразительны пастели из серии про Монголию. «Нежность», «Вечерняя песня», «Стойбище» - в какой-то мере в них видно влияние творчества Н.К. Рериха.

Интересны по композиции и манере исполнения пастели, выполненные в путешествиях: Католический костел», «Ноябрь», «Ленские столбы. Сибирь», «VITRE».

Можно бесконечно говорить о работах Леонида Алексеевича, каждый зритель найдет на выставке что-то интересное «для себя», будь то тема, манера исполнения, техника, интересные эмоции… Графика Леонида Алексеевича Остроушко – живописная, светлая, музыкальная, насыщенная эмоциональными впечатлениями, раскрывает интересную, многогранную личность художника. Данная выставка – яркое событие в культурной жизни провинциального Орла, большой подарок любителям графики и просто людям, интересующимся искусством.

Искреннюю благодарность педагогический коллектив и учащиеся школы выражают Грибенюк Галине Павловне, жене художника Л.А. Остроушко, сохранившей и передавшей коллекцию его работ в дар школе, а также за биографические данные о самом художнике, которые легли в основу этого очерка.

Очерк подготовлен преподавателем

Орловской детской

школы изобразительных искусств

и народных ремёсел

Чумаковой С.В.

Член Творческого Союза Художников России и международной Федерации ЮНЕСКО, член Союза Художников России, член Российской Ассоциации художников маринистов. Награжден медалью Российской Академии Художеств «Достойному», медалью РАХ «Шувалов», серебряной и золотой медалями ТСХ.

2007-2008 гг.- награжден дипломами на конкурсах "Золотая кисть Сочи".

2008 г. - принимал участие в зональной выставке "Юг России".

2008 г. - персональная выставка, Художественный музей, г. Сочи.

2009 г. - участие в Российской Академической выставке "Природа и экология", награжден медалью Российской Академии Художеств, Художественный музей, г. Сочи.

2009 г. - участвовал в IX межрегиональном профессиональном конкурсе произведений изобразительного искусства Бьеннале-2009 г, ВЗИИ, г. Краснодар, где был удостоен диплома и получил II Премию.

2010 г. - персональная выставка, Художественный музей, г. Сочи.

2010 г. - выставка живописи кубанских художников, ВЗИИ, г. Краснодар.

2010 г. - академическая выставка "Южный экспресс", Художественный музей, г. Сочи.

2010 г. - выставка "Художники Юга России за чистую воду", Художественный музей, г. Сочи.

2010 г. - выставка художников-маринистов. Италия, г. Генуя.

2010-2011 г. - выставка "Южный экспресс", ЦДХ, г. Москва.

2011 г. - выставка "Юг России" в Абхазии, выставочный зал, г. Сухум.

2011 г. - персональная выставка в галерее " Антиквар", г. Сочи.

2011 г. - академическая выставка "Южный экспресс", г. Сочи, Художественном музей.

2011 г. - персональная выставка г. Новороссийск, галерея "PrimaАрт".

2012 г. - персональная выставка «Карнавал красок» г. Краснодар, ВЗИИ.

2012 г. - персональная выставка, г. Анапа, галерея «Белый квадрат».

2012 г. - академическая выставка. Античность. «Лицом к лицу», г. Краснодар, ВЗИИ.

2012 г. - выставка «Художники России», г. Горячий Ключ, дом творчества.

2012 г. - выставка "Юг России" в Абхазии, г. Сухум.

2012 г. - ХI региональная художественная выставка «Юг России», г. Ростов-на-Дону.

2012 г. - выставка "Художники Юга России за чистую воду", г. Сочи, Художественный музей.

2013 г. - Российская Академическая выставка «Античность».

2013 г. - персональная выставка «Цветные ритмы», г. Сочи, Художественный музей.

2013 г. - выставка «Белый пароход», г.Сочи, Художественный музей.

2013 г. - Новороссийская Бьеннале. Региональная художественная выставка-конкурс.

2013 г. - выставка "Художники Юга России за чистую воду", г. Сочи, Художественный музей.

2013 г. - Всероссийская выставка «Спорт - искусство - Сочи», Художественный музей.

2013 г. - персональная выставка в Художественном музее г. Сочи.

2013-2014 г. - персональная выставка, включенная в культурную программу во время Олимпийских Игр 2014.

2014 г. - персональная выставка «Олимпийский Сочи», г. Краснодар, ВЗИИ.

2014 г. - персональная выставка «Море, солнце, Сочи», г. Ставрополь, галерея «Паршин».

2014 г. - персональная выставка, галерея "Белый квадрат", г. Анапа.

2014 г. - выставка "Художники России за чистую воду", г. Сочи, где был награжден дипломом и получил I Премию.

2015 г. - выставка «Битва Хоров», г. Сочи, Художественный музей.

2015 г. - выставка «Великой победе посвящается…», г. Сочи, Художественный музей.

2015 г. - выставка «Среди волн» в галерее Арт-Донбасс, г. Донецк (Украина).

2015 г. - выставка «Юбилей» в Художественном музее, г. Сочи.

2015-2016 г. - персональная выставка "Юбилей", в галерее Арт-Медиа-Центр "Родина", г.Сочи.

2016 г. - выставка живописи, графики и пластики "Нить времени". Центральный Универсальный Музей Искусств, г.Сочи

Картины находятся в Сочинском художественном музее, ВЗИИ города Краснодара, в частных коллекциях в России и за рубежом (в т.ч. в коллекции сочинской резиденции В.В.Путина).

Участник всесоюзных республиканских, зональных и зарубежных выставок. Работы находятся в галереях и частных собраниях России, Германии, Венгрии, Кореи, а также в крупных частных коллекциях.

<<Как жаль, что мне не довелось познакомиться с ним при жизни... А ведь от Андрея Поздеева не раз приходилось слышать добрые отзывы об этом художнике, как о самобытном таланте. Для меня же слово Поздеева было всегда дороже любых искусствоведческих оценок.

На недавней выставке "Сибирский вернисаж" (из коллекции Сергея Образцова) мне запомнилась оригинальная картина Эраста Прохорова "Осень над Красноярском" - там были изображены летящими на ковре-самолете три наших художника: Андрей Поздеев, Юрий Деев и самый молодой из них Валерий Песегов. К сожалению, ковер-самолет всех троих унес навсегда из этой жизни...

До 4-летнего возраста Валера Песегов жил в деревне Брагино Новоселовского района, воспитывался бабушкой. Мама его жива, но всю жизнь она тяжело болела. Оказавшись в Красноярске, Валера жил у тетки. С раннего детства увлекся рисованием. Школьная учительница еще в 3-м классе обратила внимание на способного мальчика, показала его рисунки Андрею Поздееву. С тех пор Андрей Геннадьевич был добрым ангелом и наставником юного художника. Как вспоминает вдова Поздеева, Валентина Михайловна, однажды они вдвоем ("старый да малый") отправились даже в Москву, где ходили по музеям и выставкам.

В Красноярске Песегов закончил художественную школу и Суриковское училище, в 1977 году был принят в Союз художников, участвовал в краевых и региональных выставках. Большим успехом пользовались его работы в Германии (на совместной выставке с Иваном Даниловым). При жизни у него была лишь одна небольшая персональная выставка - в красноярском Доме актера.

Все, кто знал Валеру, вспоминают о нем, как об удивительно добром, светлом, радостном человеке. Он любил поэзию, сам писал стихи. И, как это часто бывает, особенно у нас, в России, он совсем не берег себя. Потому и ушел из жизни так рано...

Будучи настоящим художником, Песегов видел в жизни не только светлые, но и теневые стороны. И некоторые из представленных на выставке работ ("Ночь", "Ворон", "Настороже") свидетельствуют о его пристальном внимании к сумеречным тайнам, загадкам бытия. В выразительном "Портрете брата" и в динамичном, остром пейзаже "Город" ощутимо влияние немецких экспрессионистов и советских художников 20-х годов (например, Пименова). Склонность к живописной экспрессии наиболее ярко выражена в картине "Петухи". Это самая впечатляющая работа выставки - взрыв, сполох красок!

Жаль, конечно, что большая часть работ Валерия Песегова рассеяна по частным коллекциям. Разве не по-хозяйски было бы собрать их, к примеру, в нашем художественном музее? Нельзя же вечно жить по принципу: что имеем - не храним, потерявши - плачем...

На снимках: Валерий Песегов с матерью; "Всадник" (акварель).

служащего Поздеева Геннадия Даниловича и его жены Евдокии Ивановны. Он гордился своей принадлежностью к исконному сибирскому роду, говорил: «Я — енисейский мещанин. В роду — кузнецы, столяры-краснодеревщики». Мать была родом с реки Ангары.
Семья постоянно переезжала из-за работы отца. Жили преимущественно в поселках по Енисею. С ранних лет Андрей Поздеев занимался рисованием. В 1937 году он принимал участие в краевом конкурсе детского рисунка, посвященном столетию памяти Пушкина, и за портрет поэта получил денежную премию.
В самом начале войны Андрей Поздеев начал работать на Комбайновом заводе. За то, что уехал к маме и бабушке, которые жили тогда в селе Тюхтете, получил 6 месяцев тюрьмы по «сталинскому указу». В колонии постоянно рисовал, оформляя стенгазеты и различные «уголки».
После освобождения Андрей Поздеев был направлен на учебу в ремесленное училище на станции Енисей. В 1943 году пошел на фронт добровольцем. Был направлен на Дальний Восток. Участвовал в военных действиях (связист в артиллерии). После окончания военных действий служил на Курильских
После демобилизации по болезни (туберкулез) Поздеев вернулся в Красноярский край, в Минусинск, где тогда жила его семья. В 1948 году участвовал в выставке минусинских художников.
С 1948 года по 1953 год поступал в художественные училища Свердловска и Ленинграда. Каждый раз поступал, но вынужден был возвращаться из-за обострения болезней.
После переезда в Красноярск в 1950 году Андрей Поздеев был принят в товарищество «Художник» и поступил в детскую рисовальную школу, которую закончил за два года. Его учителем был Андрей Прокофьевич Лекаренко.
С1956 году Андрей Поздеев стал работать в Художественном фонде художником-копиистом.
Осенью того же года Поздеев участвовал в выставке произведений сибирских художников, которая проходила в Иркутске, и был принят кандидатом в члены Красноярской организации Союза художников РСФСР. Кандидатство затянулось до 1961 года.
В 60-70-е годы Андрей много пишет с натуры город, и его окресности. Помимо улиц Красноярска, запечатленных в акварелях и рисунках, в это же время художником написана большая серия работ с названием «Калтат» ( по названию речки в Государственном заповеднике «Столбы»).
Андрей Поздеев участвовал в Краевых и Зональных выставках (их было 31), с 1964 по 1997 год состоялось также 11 персональных выставок: Красноярск, Новосибирск, Норильск, Таллинн, Москва, Санкт-Петербург, Зеленогорск. Художник ценил выставки, они помогали подвести итог сделанному и найти новые творческие выходы. В 1983 году на выставке «Советская Россия»были представлены две его картины — «Одуванчики», «Кузьмичева поляна». Андрей Поздеев участвовал на Всесоюзных выставках: «Выставка произведений молодых художников Советского Союза к Всемирному фестивалю молодежи и студентов», Москва, 1957 г. и Всесоюзная художественная выставка «40 лет ВЛКСМ», Москва, 1958 г.
Всю жизнь Поздеев писал цветы. В разные годы он писал их по-разному и создал огромное количество картин с названием «Букет» или «Цветы».
В 80-е годы в круг чтения Андрея вошла Библия и книги по Священной истории. Большой интерес вызывала также эзотерическая литература. В новой мастерской, полученной художником в 1980-м году, как итог переосмысления этой литературы был создан цикл работ, в который вошли такие картины, как: «Голгофа», «Моление о чаше», «Сотворение мира», цикл «Жизнь человека» и другие.

В 1991 году были организованы выставки в Москве (ЦДХ, 1993 г.) и Санкт-Петербурге (Государственный Русский музей, 1996 г.), выпущены альбомы, создано несколько телевизионных передач, опубликованы статьи в центральных художественных журналах.
Официальное признание Поздеева началось с первой персональной выставки в Москве в 1993 году. По ее итогам он был выдвинут на соискание. Государственной премии. В 1998 году Андрей Поздеев был награжден Дипломом и серебряной медалью Российской Академии художеств.
12 июля 1998 года А.Г. Поздеев скончался в своей мастерской в Красноярске.
С 1992г. по настоящее время издано 12 персональных альбомов А.Поздеева: «100 картин художника А.Г.Поздеева» (1992г.); «Андрей Поздеев. Пространство и время» (1993г.); «Андрей Поздеев. Ихз коллекции С.Образцова» (1997г.); «Андрей Поздеев. Собрание из КХМ им. В.И.Сурикова» (1999г.); «Портреты Андрея Поздеева» (2001г.); «Мир Андрея Поздеева» (в 3-х т.): «Живопись» (т.1) (1999г.), «Графика, акварель» (т.2) (2001г.), «Архив, воспоминания» (т.3) (2002г.); «Андрей Поздеев: Жизнь человека» (2004г.); «Графика Андрея Поздеева» (2005г.); «Калтат Андрея Поздеева» (2006г.), «Печатная графика Андрея Поздеева» (2009г.).

преподаватель в Дивногорской детской художественной школе.

Участник краевых,региональных,

Всероссийских и зарубежных выставок.

Впечатляет мастерство и разнообразие освоенных художником техник: пастель, акварель, офорты, рисунки; и не смотря на различие художественных приемов, все они несут в себе яркий отпечаток авторского стиля. Сибирское реалистическое искусство нашло достойное продолжение своих традиций в творчестве замечательного Дивногорского художника Сергея Попечец. Несомненно фактором формирования его творческой индивидуальности являются традиции Художественной Школы Сибири. С особой любовью он пишет окрестности родного Дивногорска. Его работа сосредоточена на выявлении качеств натуры, ее внутренней красоты и смысла. С легкостью автор передает свет, воздух, пространство и внутреннее состояние. Основным мотивом Сергея Владимировича является сибирская природа и родной Дивногорск. Ее отдаленные уголки, городские пейзажи одинаково привлекают художника. Пейзажи Сергея Владимировича наполнены добротой, любовью к природе и несут в себе яркий отпечаток его творческого таланта. В наше рыночное время редко какому художнику удается найти в произведениях именно свой образный язык, понятный и принятый зрителем, как это делает Сергей Попечей в своих пастельных работах. На выставке представлены 19 работ. С помощью простого пастельного мелка, Попечец умеет отобразить истинную красоту сибирской природы во все времена года. Все представленные на выставке работы, а их более 45-ти интересны, многие философичны, но особенно завораживают зимние заснеженные пейзажи. Изумляющее трогательны изображения зимних рассветов и закатов, сумерки и любимый «Дивный», утопающий в снегу. Хочется верить, что наша скромная галерея, устраивая первую персональную выставку Сергея Владимировича, посильную лепту, способствуя возрождению интереса к столь элегантному виду изобразительного искусства, каковым является классическая пастель.

преподаватель в Дивногорской детской художественной школе.

Участник краевых,региональных,

Всероссийских и зарубежных выставок.

преподаватель в Дивногорской детской художественной школе.

Участник краевых,региональных,

Всероссийских и зарубежных выставок.

Красноярское художественное училище им. В.И. Сурикова.

В 1990 г. принят в Союз художников России. Участник краевых, зональных, республиканских, международных выставок. Персональные выставки в залах Красноярского Союза художников.

1989 г. – участник выставки в представительстве ЮНЕСКО, Париж. Выставки в Германии: Берлин, Бонн, Дюсельдорф, Мюнхен. Участник выставок в Южной Корее, Китае. Лауреат дружбы народов между Россией и Германией.

Работы находятся в музеях России и за рубежом.

Мы предлагаем купить одну, или несколько из 14 работ принадлежащих авторству выдающемуся красноярскому графику Александру Александровичу Поппу. Магистральной темой в творчестве художника являются взаимоотношения человека и природы, мир первобытной мифологии, вплетенной в мировоззрение современного человека. Любовь к природе Сибири, ее народу и осмысление истоков ее культур подтолкнуло художника к экспериментам в плане технических приемов и выбора изобразительных средств.

Александр Александрович обращается к разным жанрам: портрету отдельных представителей малых народностей Сибири, пейзажу, воплощённому в романтично-минималистическом стиле, к абстракции, раскрывающей забытые сакральные знания о вселенной.

Место человека в могущественном мире природы очень тонко и эмоционально воспринимается художником. Картины ассоциативного толка являются попыткой переосмыслить реальность и философски подойти к проблеме мироздания.

Цикл работ «По Таймыру» создан в ответ на безграничное восхищение первозданным обликом Земли, загадочным миром гор и вод, миром таинственным и величественным, овеянным дыханием вечности, таким хрупким и беззащитным перед неосмысленной деятельностью человека.

Член Союза Художников России с 1995 г.

Участник зональной выставки Графика ЮГ-91 (г. Ростов-на-Дону 1991 г)
Участник областных художественных выставок (г. Ростов-на-Дону 1992 - 1997г.г.)
Персональная выставка (Дания 1994 г.)
Участник выставки к 100-летию Шолохова (г. Ростов-на-Дону 2004 г.)
Персональная выставка (г. Ростов-на-Дону 2006 г.)
Участник выставки-конкурса "Вбирая жизнь в себя по капле" (г. Ростов-на-Дону 2007 г.)
Персональная выставка "Импульс"(г. Ростов-на-Дону 2007 г.)
Участник выставки "Магия композиции" (г. Москва 2008 г.)
Персональная выставка ( ЦДХ г. Москва 2008 г.)
Участник выставки "Миф" ( г. Ростов-на-Дону 2008 г.)
Участник выставки "Весна, цветы"(г.Ростов-на-Дону 2008 г.) " галерея М "
Рождественская выставка. Проект "Полеты во сне и наяву "(г.Ростов-на-Дону 2009 г.) "галерея М "
Международный конкурс ЗИМА 2009. Лучшим произведением по версии Art-Salon.ru названа картина ростовского художника Сергея Потапова «РУССКАЯ ЗАБАВА».
Персональная выставка. (г.Ростов-на-Дону 2011 г.)
Персональная выставка. (г.Ростов-на-Дону 2013 г.)
Совместная выставка с Артуром Оганесян "Весенняя!". Галерея "Экспозиция" (г.Ростов-на-Дону 2014г.)
Участник выставки "АРТ Ростов" (2014г.-2016г.)
Участник выставки "Золотая осень". (г.Ростов-на-Дону 2015г. Союз Художников).
Участник выставки АРТ РОССИИ 2016г. (г. Нижний Новгород).
Совместная выставка с Виталием Ниточкиным «Зимние сны о лете». (г. Пермь 2016г.)
Участник выставки «Поверь». галерея«Экспозиция»(г.Ростов-на-Дону 2017г.)
Участник выставки "Цветные ароматы весны". галерея"Клевер"(г.Ростов-на-Дону 2017г.)

Крамского.

1962-1966 г. Ленинградский художественный институт им. Репина.

1967г. Работа в худ. фонде РСФСР

1975-1979 г. преподаватель КХУ им. Сурикова

Работы находятся в коллекциях России и за рубежом.

Скончался в 2012 году.

- Я 42 года "издания". Во время войны с бумагой была проблема, а у мамы, с довоенных времен, была подписка Маяковского. Так как Маяковский писал "лесенкой", то по бокам было много бумаги, там я рисовал. Но я не думал быть художником, я хотел быть летчиком, как отец, Иван Андреевич Прохоров. Очень знаменательная личность. Недавно по телевизору повторяли кинофильм "Запасной аэродром", там Самойлов играет моего отца. Он был летчик, из когорты Водопьянова, Молокова, вместе с ними в 20-х годах учился в Бакинской школе. Первые советские гидро-летчики. И я, конечно, хотел быть летчиком, и когда шла война, я воевал на этих страницах, там у меня и танки и взрывы и конечно вся тематика сконцентрирована на том, что я слышал из репродуктора, бумажной тарелки.

<<В художественную школу я поступил в 53 году и вот по чьей инициативе: моя семья была дружна с очень интересными в то время людьми в Красноярске, семьей Сементовских. Константин Николаевич Сементовский был преподавателем латыни в нашем мединституте, так же преподавал историю искусств в Красноярском училище культуры, оно было маленькое и находилось, дай бог памяти, на Урицкого, старое здание. А с ним был в приятельских отношениях Дмитрий Иннокентьевич Каратанов. В доме Сементовских часто собирались, играли в преферанс (картина "Дом Сементовских). Каратанов работал, в то время, как штатный художник в Краевом музее, писал там живописные панно. У меня были уже тогда детские рисунки, и Константин Николаевич говорил:

-Митя, ты посмотри:

Дмитрий Иннокентьевич Каратанов жил в то время в "доме специалистов", тоже достаточно заметный по тем временам дом. Они с Ряннелем занимали одну квартиру на двоих. И Дмитрий Иннокентьевич сказал:

-Приходите, молодой человек:

Ему в то время было уже хорошо за 70, а мы жили рядышком, и мне было недалеко бегать. Я первый раз был у художника в гостях и меня поразил, прежде всего, запах красок, вся квартира пахла лаком, смолой и льняным маслом. И для меня вот с этих лет, а мне было лет 8, этот запах был как храмовый. Там висели этюды, картины, рисунки:все это конечно произвело на меня неизгладимое впечатление. Жил он с дочерью и с внуком. Никаких истин он мне не вещал, так как я был ребенок, а просто рассказывал, чем занимается художник. И дал мне первое задание, нарисовать шахматную ладью, объяснил, как это делается. Как уж я ее нарисовал, это я не очень помню. Я к нему пришел с этой ладьей в следующий раз:он уже хворал основательно, но посмотрел на рисунок и сказал:

- Надо бы тебе к Лекаренко в школу.

В школу художественную принимали лет с 11 лет, в 1953 году меня приняли. Андрей Прокопьевич Лекаренко, Давыденко Иван Максимович, Илья Ааронович Фирер и Юрий Иванович Худоногов, таков был учительский состав. Я сдал экзамены. В то время школа была не возрастная, т.е. мы, дети, учились вместе со взрослыми ребятами. Я учился вместе с Орловой (Копцевой) Аллой, ну сейчас она Алла Николаевна, а в то время была просто Алла, я учился вместе с Капелько Володей, в одном классе, ему было где то 17 лет. Окончил я школу достаточно успешно, и у комиссии возникло мнение, что надо бы Юрку послать в Москву или Ленинград в СХШ (Средняя художественная школа при институтах). В то время она называлась "Школа особо одаренных", где учился известный в свое время парень, который рано погиб, Коля Дмитриев. Есть такая книга "Ранний восход" где вся Колина жизнь описана. Он погиб от случайного выстрела на охоте. Но оказалось ,что я на год перерос, в 15 лет закончил Красноярскую художественную школу. Юрий Иванович Худоногов сказал :

- Ты перестань переживать, ты езжай в Тавригу.

Сейчас это училище Серова, а в то время называлось Таврическое. А когда праздновали столетие Таврического училища, ему присвоили звание имени Крамского. Я приехал с моим другом , с которым вместе учились и в художественной и в общеобразовательной школе, Юрием Дударевым. Мы поступили: поступили достаточно неплохо, потому что, особенно акварель, здесь в Красноярске преподавалась на особенку. Если москвичи, ленинградцы, писали так сказать, "от куска", то мы писали большими заливками, выдерживая отношения, тон, рисунок. Красноярская школа имела достаточно хороший вес. В училище я учился старательно. После окончания училища, я не то чтобы поступил, а "просто перешел" в академию. Потому что, уже, где то курса с 3- го или со 2- го, я постоянно бегал в академию в знаменитые среды и пятницы в "циркульный зал", зал анатомии, где мы рисовали, делали наброски с обнаженной натуры. И я так лихо это дело освоил, что Профессор Копейкин всегда подходил (пока меня не запомнил) и с прашивал с какого я курса, я говорил, что я из училища.

-Да? Ну мы вас ждем:

Принимал у меня экзамены Андрей Андреевич Мыльников, строгий дяденька. Когда студенты сдавали экзамен, их замыкали, только в перерыв можно было выйти, чтобы никто из посторонних не пришел, не поправил работы. Вдруг шумок:

:Мыльников:Мыльников идет:

Ему тогда было года 44, он уже был в славе, в силе, профессор монументальной мастерской. И, просматривая работы, наткнулся на мою "обнаженку", внизу еще стоял свободный эскиз по композиции. Он спросил:

- Кто?

Я стоял у окна:говорю:

-Я.

Он посмотрел еще рисунок, портрет:

-Почему не работаешь

-Устал.

-Что!!!

И он меня так сказать за шиворот и физиономией в холст пихнул. Ну, может быть, это был хороший "пинок" для начинающего. Я всю жизнь после этого тычка, считаю что усталость - это не оправдание для художника.

Академию я не закончил, ушел с 3 го курса, но это особый разговор. Все слилось в одно, и какие- то семейные обстоятельства и философские метания, времена оттепели все-таки меня коснулись. Я хотел вообще уйти их академии, но пришла лаборантка и сказала, что мне дают академический отпуск. Я поехал в Красноярск, начал работать. Потом через год пришел вызов, но я не поехал, потому что мне показалось, что я сам по себе могу поработать. Собратья по цеху, художники, они с непониманием отнеслись к этой моей "ереси". Единственный, кто совершенно спокойно ко мне относился - это Знак.

- Ты и так уже научился. Работай!

Вот и до сих пор работаю. Преподавал в училище им. Сурикова, целый курс вырастил. Я вел композицию и рисунок. А живопись вел Ежов. Вот, в общем то, и все: Для будущей книги: Бог даст! Более подробно.

- Юрий Иванович, вас часто сравнивают с Филоновым, как Вы к этому относитесь?

- С недоверием, как к незаслуженной похвале. Понятно, что если б я работал, развивая изо-форму в традициях Репина, или принципах "соцреализма", мое рукоделие не нуждалось бы в сравнении и, как я предчувствую, критике. Знаете, я предпочитаю в хорошем обществе быть пусть даже внимательным слушателем, чем "рядом с кем попало", массовиком-затейником.

-Когда Вы открыли для себя Филонова?

- Филонова я увидел после того как обомлел от Врубеля. Я приехал в 1957 году в Ленинград. Была ретроспективная выставка Врубеля в Русском музее. А для меня тогда самым авангардным художником был В.И. Суриков, самым хорошим был Айвазовский и Шишкин. И вдруг я прихожу на выставку Врубеля, обалдеваю, ничего не понимаю, у меня возникает какой-то обывательский протест, а вот здесь, внутри у меня, аж захолонуло все. И я не мог себе объяснить, почему я так реагирую. Оказалось это просто от красоты. Я уж потом стал разбираться в том, как он этого добивался, что преследовал, какие пластические задачи. Ну вот:потом у меня была хорошая преподавательница по истории искусств, ленинградка коренная, Глаголева. Она нас водила в русский музей в запасники и кое-что нам показывала. И когда после Врубеля в 1962 году я увидел Филонова, я опять так же обалдел. Он мне сразу не понравился, но я не мог от этого отделаться, я начал делать иллюстрации какие-то, употребляя технологию Филонова. Особенно тогда было в моде "Туманность Андромеды" Ефремова. И я начал делать такие штуки, как говорится, под Филонова, хотя не очень соображал, не очень понимал, не было никаких источников, только разовое свидание. Вот с каких времен Филонов вошел в мое творчество, не как поводырь, а как апостол. Я еще и еще получал подтверждение, что искусство- это обособленный, и в то же время органически самостоятельный образ жизни. С природой нужно общаться сняв шапку, но, не становясь на колени. Нельзя с природой сюсюкать, потому что она тогда свои тайны закроет, и подсунет тебе видики, со всякими березками и озерами.

Если сформулировать это мое отношение с П.Филоновым: Во-первых, я никогда не соперничал с Филоновым, во-вторых, понимая глубину его творчества, я с ним как бы постоянно веду беседу. Мои работы - это реплики в этой беседе. Я с чем-то не соглашаюсь, я пытаюсь изменить, а он мне доказывает. Я пытаюсь сопротивляться и, выходит, что где-то я могу от него оторваться. Разговариваю с Филоновым, как с удивительно мудрым собеседником, и он мне помогал нащупывать свою колею. Высасывать свое "творческое лицо" из пальца: хоть на пузе ползай перед натурой - пустой номер. Другое дело, что такое академическое образование? Академическое образование - это, в общем то, тоже абстрактный вид искусства, который показывает и учит сознание человека, как он может осваивать пространство, как он может имитировать объем, строить перспективу, как он может глядеть не плоско, а пространственно. Этому всему учит академизм. И это замечательно.

Поэтому, если кто-то говорит, что я подражаю Филонову, я скажу: - Филонову подражать невозможно, так же, как невозможно подражать Врубелю и природе! Никто не сможет скопировать Айвазовского, потому что у него такая сила организации пространства, такой интимный опыт, что просто перевести это на другой холст невозможно. О подделках речи не идет.

Поэтому, для меня великая честь, находиться в серьезных рядах последователей. Но, обратите внимание, много ли, ну назовем это слово, "подражателей" Филонову?

- Говорят у него было около 200 учеников?

-Было: и где они все? Ну, во-первых - это преувеличение, а во-вторых,- этим хлеба не заработаешь, тем более "с маслом":

Философия Филоновского аналитизма и философия "сделанной картины", это не эволюция формы, а ре-эволюция, то есть разложение формы до идеала, до атома. И он говорил, что такое точка, поставленная карандашом? Это "единица труда художника". Или кистью. Поэтому он всем говорил: "Ребята не пишите широкими кистями!". Но это очень индивидуально, это не значит, что нужно всем бросить широкие кисти и заниматься "вышиванием", нет. А мне это к душе пришлось. Это же его выражение я привел: рисуйте, интурируйте, сублимируйте, все это входит в творческий процесс. "Если вы что-то не знаете, рисуйте свое незнание". А вот тут уж широчайшее поле деятельности для интуитивного творчества. Американские искусствоведы и ученые биологи первые сказали, что Филонов является как бы родоначальником пластического выражения науки бионики. Он был убежден (ну это конечно наивно - хотя подлинная вера всегда наивна!), что его картины будут развиваться дальше после его смерти, то есть сами по себе.

Мне думается, в 21 веке можно уже повзрослеть в суждениях об искусстве не только зрителю, но и самим художникам. Любой художник (независимо от принадлежности к "изму") рисует меру своего таланта. Чем меньше в нем его, тем назойливее стремление к изображению "общих правил".

- "Если сердце не узнало тропинки "протоптанной" Разумом, лучше свернуть, потому, что Оно старше и мудрее:">>

Эраст Прохоров на открытии персональной выставки в Арт-галерее Романовых 2009 г.

ТАЛАНТ ВНЕ СОЮЗА

21 февраля исполняется 70 лет со дня рождения красноярского художника Эраста Ивановича Прохорова (1942-2011).

Очень жаль, что мы часто с запозданием открываем для себя таланты, которые жили и творили совсем рядом с нами... Мне не довелось быть лично знакомым с Эрастом Прохоровым, хотя слышал о нём немало, как о неутомимом художнике-экспериментаторе, пребывающем в постоянном поиске. Возможно, эта его неординарность и уникальность и были причиной того, что он так и не стал членом Союза художников. По характеру замкнутый и немногословный, он, похоже, не очень туда и рвался. Состоял в Художественном фонде, принимал участие в коллективных выставках.

А ведь Эраст Прохоров с детства мечтал стать художником, окончил художественную школу имени В. И. Сурикова, где его педагогами были такие мастера, как Андрей Лекаренко и Юрий Худоногов. Потом были годы учёбы в Ленинградском художественном училище имени И. Н. Крамского и в Ленинградском же институте живописи, ваяния и зодчества имени И. Е. Репина. Преодолевая каноны академической школы, Прохоров настойчиво и упорно искал собственный стиль и свою манеру. Особенное влияние на него оказали Михаил Врубель и Павел Филонов, не случайно так называемое "аналитическое искусство" стало формальным методом и Эраста Прохорова.

Работал он в разных жанрах, среди его многочисленных картин есть и выразительные портреты, и сочные натюрморты, и сложные философские композиции, выполненные в авангардистской манере ("Лот с дочерьми", "Сон Марии", "Рождение Самсона"). Картины его высоко ценились знатоками, сейчас они хранятся в музеях и галереях Красноярска и других городов России и зарубежья.

Посетив первую персональную выставку Прохорова, которая состоялась в 2000 году в музейном центре на Стрелке, я открыл для себя этого яркого, оригинального художника. Вторая его персональная выставка прошла в 2009 году в только что открывшейся тогда галерее Романовых. А недавно, в марте 2011 года, Эраст Иванович ушёл из этого мира, где его так и не признали (во всяком случае, официально) профессиональным художником.

Впрочем, жизнь настоящего мастера продолжается и после его смерти. В этом мы сможем убедиться очень скоро. Как говорил Ираклий Андроников, "у талантливых людей нет даты смерти, есть только дата рождения". 21 февраля, в день рождения Эраста Прохорова, в Доме художника состоится открытие его персональной выставки, посвящённой его 70-летию. Очень советую сходить.

Эдуард РУСАКОВ.

школе. С 1923 г. учился в изостудии при клубе им. Красного Октября у художника И. П. Сверкунова, посещал художественную студию при клубе железнодорожных мастерских.

Окончил Ленинградскую Академию художеств по специальности «живописец массовой бытовой живописи» (1932 г.); учился на отделении станковой живописи у А. А. Рылова, на декоративном отделении у М. П. Бобышова, на монументальном отделении у К. С. Петрова-Водкина, на отделении «массово-бытовой живописи» у А. Е. Карева и С. А. Чуйкова.

В 1931-1933 гг. был членом Объединения молодёжи Ассоциации художников революционной России (ОМАХРР). С 1932 г. жил и работал в г. Перми. В 1932-1941 гг. - преподаватель в Перм. художественном училище. Участник областных выставок с 1934 г. Принимал участие в создании в г. Перми городского Союза, а в 1939 г. – областного отделения Союза советских художников, производственно-кооперативного товарищества «Художник».

В годы Великой Отечественной войны (1941-1945 гг.) работал в агитационной мастерской плаката при Перм. Союзе художников, которая располагалась в здании Перм. государственной художественной галереи (ПГХГ) (руководители Б. В. Иогансон, В. Одинцов). Работал над созданием эскизов плакатов (свыше 20 эскизов и трафареты к ним), которые печатались массовыми тиражами и рассылались по всей области.

Во второй пол. 1940-х - 1960-е гг. Россик постоянно выезжал на предприятия и стройки, в колхозы Перм. обл.

Художник обращался и к портретному жанру. В портретах художник избегал излишнего пафоса, каких-либо внешних эффектов, стремился передать индивидуальность, подлинную значительность своих персонажей.

На протяжении всей жизни Россик был увлечён техникой акварели. Им были созданы портреты, пейзажи, натюрморты. В манере письма художник обращался к традициям классической акварели. Его работам свойственны лиризм, поэтичность, тонкие, изысканные цветовые нюансировки. За внешней простотой всегда присутствует глубина чувств, проникновенность образов, мастерство исполнения. Работы художника хранятся в ПГХГ, Перм. краевом краеведческом музее.

Скончался 21.02.1977 в Перми.

Во второй пол. 1940-х - 1960-е гг. Россик постоянно выезжал на предприятия и стройки, в колхозы Перм. обл.

Скончался 21.02.1977 в Перми.

народный художник России, член Союза российских писателей, родился в деревне Тозерово на Ладоге в финской крестьянской семье. Предки его пришли в эти места из области Саво северной Финляндии.

Представлены художественные работы к продаже: «Лесной кордон. Лапландия» присуще ощущение ностальгии, несмотря на конкретное указание места. Но общий живописный строй, особенно колористическое решение, напоминают о заснеженных сугробах Сибири, о белом снежном покрове Саян и Красноярских Столбов.
В пейзаже Тойво Васильевича Ряннеля «Воспоминание о городе моей юности» тесно переплетаются стиль, сложившийся в период его творческой зрелости в Красноярске, и влияние европейской живописной среды 90-х – 2000-х гг. Художник, работавший в последние годы жизни в Финляндии, создает вид Красноярска со стороны Такмака. Город возникает в его памяти как красивая панорама с рекой и перекинутым через нее мостом, расположенная рядом с лесом, наполненным всеми красками золотой осени.
В пейзаже «Холодная весна» оттенки свинцово – серого и серебристо-серого цвета в сочетании с пробивающейся зеленью и нежными комочками вербы возвращают нас к работам 70-80-х гг, здесь чувствуется чуть заметная грусть об ушедшем времени.
Лишь яркий, полный солнечного света, «Парк в Упсале» демонстрирует иной живописный стиль Ряннеля, более декоративный, с коротким легким мазком.

В 1931 году семья будущего художника и поэта была выслана в Сибирь на вечное поселение в золотопромышленный Удерейский район, к северу от Ангары. Здесь он жил и учился, полной мерой хлебнув каторжного лиха. Сибирь ли, Бог ли, или фея прекрасной Ладоги, или все они вместе взятые, как бы извиняясь за жизненные невзгоды, щедро одарили ссыльного паренька разными талантами. Он научился добывать золото, скрадывать зверя, прокладывать геофизические трассы в глухой тайге, складывать стихи, и всё чаще и уверенней брался за карандаши и кисти. С разрешения гулаговской спецкомендатуры Тойво Ряннель в 1939 году поступил в Омское художественное училище.

Гражданская реабилитация художника и поэта состоялась только в 1993 году. Но Сибирь для него являлась не только местом ссылки, но и землей обетованной, где он создал ряд лирико-эпических картин, выразивших героический характер Сибири, её людей и природы.

Персональные выставки произведений Ряннеля, начиная с 1965 года, прошли во многих городах – Омске, Барнауле, Новосибирске, Москве и в городах Северного Кавказа – Краснодаре, Ставрополе, Нальчике и Грозном, во многих городах Красноярского края.

В последние годы автор показал ряд своих выставок в Словении, Англии, Финляндии, Швеции, Голландии. В экспозициях многих художественных музеев России, в частных коллекциях Японии, Китая, США, Франции, Германии, Финляндии, ЮАР и пр. экспонируются работы сибирского художника.

Большим вкладом художника в русскую живопись явились полотна «Горные кедры», «Рождение Енисея», эпические полотна «Угрюм-река», «Тропа великанов», «Сердце Саян». В последние десятилетия художник работает в технике акварели.

Литературным творчеством занимается с юношеских лет. С 1948 г. – участие в поэтическом сборнике сибирских поэтов «Слово земляков», в выпусках альманаха «Енисей», в журналах «Сибирские огни», «Вокруг света», «Москва». В 1949 г. издано его эссе о художнике Д.И.Каратанове. В 1969 г. вышел альбом-очерк «Улугхем – Енисей – Ионесси». Опубликованы прозаические книги «Мой черный ангел» и «Незваный гость», а также несколько поэтических сборников.

1941 г. учился в Омском художественном училище у Т. П. Козлова. Участник выставок с 1940 года. С 1946 года жил и работал в Красноярске. Награждён дипломами и почётными грамотами Министерства культуры СССР и РСФСР, Союза художников СССР и РСФСР. Участник краевых, областных, региональных, всесоюзных выставок. Первый из художников, живших за Уралом, избранный действительным членом Академии Художеств СССР.

О художнике должны рассказывать его картины. В каждой из них биение сердца, думы его душа. Художник стал автором одного жанра – пейзажа, несмотря на кажущуюся простату и доступность жанра сложного, многообразного, способного передать всю полноту человеческих чувств. На выставке будут представлены работы из семейной коллекции и фондов галереи Романовых.

Обращаясь к творческому наследию большого Мастера и удивительного человека Бориса Яковлевича Ряузова, хотелось бы задать ему множество вопросов – о его жизни и его времени, о понимании искусства и осмыслении сути творчества. Сегодня по-особому остро понимаешь глубину слов, произнесенных им более тридцати лет назад: «О художнике должны рассказывать его картины. В каждой из них биение сердца, думы, его душа. Чтобы писать о художнике, надо читать его жизнь по работам». И действительно, нет Бориса Яковлевича, но есть работы – большие и маленькие, ранние и поздние, возвышенно-мудрые и трогательно-лиричные – множество удивительных работ, каждая из которых сама по себе и все вместе рассказывают нам о трудной и сложной, несмотря ни на что счастливой судьбе настоящего художника, о волновавших его чувствах и думах, о его полной самоотдаче и бесконечных поисках совершенства.

Яркими отголосками вплетаются во многие произведения первые впечатления детства. Большое старинное рыбацкое село Бирючья Коса Астраханской губернии (родина художника) находится на одном из островов в устье Волги. Кругом холмы, протоки и тут же рядом открываются бескрайние просторы Каспия. В семье Ряузовых пятеро детей: старший сын Борис (родился 1 июля 1919 года), затем дочь Вера, сын Николай, младшие девочки Надежда и Любовь. От отца Якова Степановича, потомственного рыбака, человека мужественного и строгого, и матери Марии Семеновны, женщины редкой нравственной чистоты, все свои силы и сердце отдавшей воспитанию детей, Борис твердо усвоил, что жить – это значит неустанно и честно работать, и эту негласную заповедь родителей он с достоинством пронес через все свои годы. С особой теплотой Борис вспоминал своего деда, бывшего военного моряка Степана Васильевича Ряузова, его строгий нрав и увлекательные рассказы о морских походах. При всей суровости рыбацкой жизни дед не забывал показать подрастающему внуку бесконечную мудрость и красоту окружающей природы, эти уроки навсегда остались в памяти.

Когда мальчику исполнилось 12 лет семья перебирается в Сибирь, в Омскую область, на северные берега Оби в село Покур. Переезд для Ряузовых не мог быть радостным – тридцатые годы время колхозного строительства и массового раскулачивания. Многочисленные семьи рыбаков Ряузовых твердо стояли на ногах, имели крепкое рыболовецкое хозяйство. Недаром вместе с семьей Якова Степановича в Сибирь отправлена и семья его брата Михаила Степановича. Но жизнь продолжается и в суровых краях. Во время летней рыболовной страды Борис ненадолго вместе с отцом выезжает в Заполярье, где его уже тогда покоряет своеобразная природа Тундры. Воспитывали характер, закаляли, на всю жизнь стали любимыми занятиями охота, рыбная ловля, ночевки в тайге у костра.

В сельской библиотеке Борис с интересом рассматривал репродукции журналов и книг, пробовал и сам рисовать, составляя краски из подручных материалов. О том, насколько это занятие было для юноши увлекательным и важным, говорит рассказанный им эпизод. Он решил развесить свои рисунки для односельчан в клубе. Первая персональная выставка закончилась заметным успехом – юный художник получил официальный заказ нарисовать на струганных досках две большие вывески для сельсовета. Вообще, художественная одаренность сказывалась во всем: в 17 лет написаны две пьесы и множество стихов, большим успехом пользовалась в Покуре исполнение Боярей Ряузовым главных ролей в театральных постановках классического репертуара, для которых он же писал декорации. После окончания в 1939 году средней школы Борис долго выбирал между тремя училищами Омска (ближайшего к Покуру большого города) – музыкальным, театральным и художественным.

Нам сейчас трудно представить, что до 20 лет будущий живописец не видел подлинных картин и не знал, что такое мольберт и палитра, а в 23 года он уже стал членом Союза советских художников. Но судьба сложилась именно так. Благодаря природной одаренности в Омское художественное училище Ряузов поступает стазу без всякой специальной подготовки. И так трогательны его первые сохранившиеся рисунки-миниатюры. Под каждым обязательные пометки «рисовал на память» либо «рисовал с натуры», под каждым точно зафиксировано затраченное время и дата окончания работы, под каждым размашистая подпись, в которой и первое понимание значения труда художника и юношеская гордость – я смог, у меня получилось! Вряд ли тогда начинающий живописец осознавал до конца, сколь тернист и труден выбранный им путь, что за решенной проблемой неизбежно встает новая, все более трудная, все более высокая.

Два неполных года в Омске – яркая насыщенная пора. Днем напряженная учеба, в свободные часы посещение музея, где были работы и Левитана, и Шишкина, первые знакомства с художественными выставками, после которых горячие студенческие споры о вечных проблемах искусства. А ночами, чтобы заработать на кусок хлеба, работа кочегаром в котельной. Помощи из дома ждать не приходилось. В 1937 году отец Яков Степанович и дядя Михаил Степанович Ряузовы были арестованы, и о дальнейших их судьбах родные ничего не знали. Нагрузки для Бориса оказались слишком велики, непосильны, он истощал и вынужден был взять академический отпуск. Дело было ранней весной, навигация на Оби еще не открылась, уехать домой в Покур невозможно. Попытался устроиться на работу в Омское Товарищество «Художник», но вакансий не оказалось. И в апреле 1941 года Ряузов отправился в поисках заработка в Красноярск.

Город на Енисее, где только за год до его приезда открылось отделение Союза советских художников, встретил приветливо. Работа нашлась сразу – добросовестно делал копии, рисовал афиши, быстро влился в небольшой, но дружный коллектив. Но очень скоро в его судьбу, как и в судьбы всех людей того времени, неумолимо и властно вмешалась война.

Военное время диктует свои законы. Работать приходилось не только днем, но и ночью: необходимо было быстро и ярко оформлять агидпоезда, отправляющиеся на фронт, каждый день менять карикатуры в «Окнах ТАСС», писать плакаты, кроме того, красноярские художники успевали устраивать выставки живописных работ и рисунков. Военные события волновали всех от мала до велика, и Борис Ряузов создает картины, являющиеся прямым откликом на вест и с фронта – «Подвиг капитана Гастелло», «Могила фашистских пиратов», «Морской бой. Эпизод в Баренцевом море. 1941 год». Конечно, работы, выполненные быстро, без натурного материала, но сколько в них искреннего патриотического порыва, буквально на едином дыхании выплеснулись чувства гнева, владеющие тогда всеми российскими людьми. Картины пользовались успехом на Краевой и Всесибирской выставках, и в 1942 году в жизни Бориса Ряузова происходит одно из самых важных событий – он принят в члены Союза советских художников.

На одном из собраний коллектива художников молодой живописец узнает о формирующейся в Красноярске 78 Добровольческой стрелковой бригаде. Творческий путь только начался, впереди нужная и ответственная работа художника в тылу, но гражданский долг и внутренняя требовательность к себе не позволили воспользоваться имеющейся бронью. В июле 1942 года в составе Сибирской бригады Ряузов добровольцем уходит на фронт.

Сохранились фронтовые рисунки, их немного, но о многом они говорят. Дороги войны провели художника по Псковщине и Смоленщине, по Белоруссии, Прибалтики. В краткие минуты передышки зарисовывается характерные бытовые сценки, герои которых – ближайшие друзья-товарищи, малые дети, оказавшиеся на передовой. С болью запечатляются разрушенные города и села, израненное, искореженная осколками земля. Чудом сохранились удивительные документы, рассказывающие о ежедневном подвиге артиллериста-разведчика Ряузова, – это артиллерийские панорамы. Глядя на них понимаешь, насколько трудна и опасна его военная профессия: как можно ближе пробраться к врагу, все вспомнить и абсолютно точно зафиксировать, но и на самой страшной войне душа художника искала красоты. На артиллерийских панорамах он рисует тонкие деревца, бережно подкрашивает акварелью землю и небо.

Война пережита художником сполна, даже в тылу она была жестока к его семье: одна за другой умерли от истощения и непосильного труда сестренки Люба и Вера. Долгожданный День Победы Ряузов в своем военном дневнике описывает так: «9 мая 1945 года. Курляндия. Майский вечер. Над притихшей землей незабываемое. Еще вчера громыхал фронт упрямыми боями. Поднебесье вздыхало холодными отцветами снарядных разрывов и вечерние сумерки плавились заревом ракет. Все кончилось! Победа! Отдыхай первый мирный майский вечер. Благоухай весна рождением земного…». Сколько в словах солдата поэзии, и как же истосковалась его душа о любимом деле, о кистях и красках, о родных местах. Но до возвращения прошли еще долгие месяцы. Части Сибирского военного корпуса из Латвии передислоцированы в Эстонию, в город Тарту.

После демобилизации в 1946 году путь домой лежал через Москву, и здесь впервые – Третьяковка, впервые – встреча с давно любимыми Репиным, Суриковым, Саврасовым, Васильевым, Левитаном. Из Москвы пять суток по железной дороге, за окном под перестук колес расстилаются необъятные просторы, и вот, наконец, Красноярск, город, с которым разлучили долгие военные годы, город, которому суждено отныне стать родным. Художник забирает из Покура маму, Марию Семеновну, и навсегда обосновывается на енисейских берегах. А в 1957 году в Красноярск поближе к матери и старшему брату переселился Николай Яковлевич Ряузов, вскоре нашедший свою собственную дорогу в искусстве, свой живописный язык, благодаря чему его пейзажи так выделяются на выставках, притягивают к себе и трогают душу.

В личной жизни Бориса Ряузова по-особому важен 1962 год, когда на свадьбе одного из друзей он встретил веселую, обаятельную, увлекающуюся искусством девушку, которая стала его женой, матерью горячо любимых дочерей Нади (1967) и Арины (1970). На долгие годы Нина Васильевна – верная спутница и самый близкий друг, с которым пережиты все сложности и радости судьбы художника.

В первые послевоенные годы творчество Ряузова как бы начиналось заново, много надо было восстановить, еще большему научиться. Его рост был исключительно интенсивным, работа возникали одна за другой, и каждая из последующих – ступенька к достижению мастерства и творческой зрелости. Здесь нельзя не назвать имена двух старейших сибирских живописцев – Дмитрия Иннокентьевича Каратанова ( 1874-1952) и Андрея Прокопьевича Лекаренко ( 1895-1978). В тесном общении, в продолжительных беседах они преподали Борису Яковлевичу не только уроки профессионального мастерства, но и уроки житейской мудрости, понимание высокой ответственности перед самим собой и зрителем, их рассказы о сибирской старине помогли глубже понять и горячо полюбить сибирские края.

Большое значение в формировании живописца сыграли путешествия 1947-1948 годов по сибирским рекам – Оби, Иртышу, Енисею. Именно здесь в неустанной работе складывалось умение наблюдать и обобщать, было создано множество этюдов, набросков будущих композиций. Был определен и любимый жанр – пейзаж, которому отныне будет посвящено чуть ли не полвека творческой жизни. Благодаря неустанным поискам, внутренней требовательности к себе и природной одаренности Ряузов быстро преодолевает некоторую дробность, иллюстративную прямолинейность ранних работ и к концу 50-х годов становится вполне сложившимся мастером с собственным кругом образов и тем, с ярко индивидуальным пластическим языком, который в дальнейшем будет постоянно оттачиваться и совершенствоваться.

Первый настоящий успех к Борису Ряузову пришел после Всесоюзной художественной выставке 1951 года. Приятны были доброжелательные отзывы в прессе, но, наверное, самой большой наградой было приобретение Третьяковской галереей картины «Туруханск. Последние льды» и включение ее в экспозицию советского искусства. Вряд ли стоит умалчивать о том, что официальное признание художника во многом связано с пейзажами, изображающими места ссылки Сталина (1940-1950е г. г.), Ульянова-Ленина ( 1960-1970е г.г.). В наши дни, когда кардинально изменилось отношение к бывшим кумирам, подлинно художественная ( не историческая) ценность этих работ вполне могла оказаться сомнительной. Но можно с уверенность сказать, что все произведения Бориса Яковлевича Ряузова, в том числе и исторические, выдержали самое трудное испытание – испытание временем.

«Старая Курейка», «Туруханская тайга», «Шушенские тополя» и многие-многие работы тех лет с изображением сибирских сел, покосившихся от времени, придавленных тяжелыми шапками снега деревянных изб, работы, запечатлевшие бесконечные просторы тундры, удивительную мощь сибирской тайги и суровое величие могучих скал, сегодня воспринимаются полнозвучным живописным гимном Сибири. В этом гимне вся полнота чувств – от эпических, монументально-величественных до камерных, по-особому человечных.

Несмотря на внешнюю простоту и доступность, пейзаж – жанр сложный, многообразный, передающий всю полноту и неоднозначность человеческой души. Оглядываясь сегодня на историю советского искусства 40-70х годов, видишь, что зачастую именно пейзажный жанр давал наиболее глубокие и тонкие, наиболее духовные произведения. Наверное, обращаясь к природе, художник в своих внутренних порывах мог быть более открытым и искренним, более свободным, чем в официальных портретах и заказных тематических полотнах. Ряузов принадлежит к поколению таких мастеров, как Г.Г.Нисский, Н.М.Ромадин, Е.И.Зверьков, А.М.Граций, А.Н.Либеров, к поколению художников, прошедших дорогами Великой Отечественной войны, видевших наяву боль и страдания искалеченной земли, но сумевших сохранить в душе трепетность, неподдельный восторг и преклонение перед вечными тайнами мироздания. Изображение природы стало смыслом их жизни, особой философией, причем, каждый нашел свое собственное слово в искусстве. И можно с уверенностью сказать, что слово Бориса Яковлевича Ряузова в ряду лучших российский пейзажистов двадцатого века не затерялось, оно неповторимо и уникально.

Постоянная работа с натуры – важнейшая составляющая творческого метода Ряузова. Небольшие, быстро и легко написанные этюды предстают как драгоценные жемчужины. Они открыто и темпераментно воплощают необыкновенный живописный дар художника – он видел цветом, чувствовал цветом, и умел это передать. Звучность и сила колорита, свежесть и непосредственность письма, выразительность и точность этюдов делают их совершенно уникальной страницей в творческом наследии мастера. Но свою главную задачу живописец видел в создании глубоко содержательной картины. «Я понял, что трудное дело – работа над композиционно-обобщенным, образным пейзажем. Куда легче написать любой этюд. А выразить свои чувства, облечь их в живую, жизнеутверждающую форму, не списать что-то с натуры, а, изучив натуру, стать художником-мыслителем, композитором, умно и выразительно сочинить, чтобы правда правдой была, чтоб от земли землей пахло – оказывается, это трудно», - рассуждает он в своих записках. Программными для мастера станут работы, гармонично сочетающие острую наблюдательность натурных этюдов и глубокие суждения, продуманные и выношенные всем жизненным опытом, синтезирующие всю полноту чувств, рождающихся при общении с природой.

Показательны в этом плане речные пейзажи. Суровая красота полноводных сибирских рек становится одной из ведущих тем творчества. Связанные еще с детскими и юношескими впечатлениями ощущения бесконечных пространств воды и неба неизбежно притягивают к себе, переживаются вновь и вновь, подспудно формируют язык художника. Не отсюда ли столь узнаваемые ряузовские зеленоватые оттенки колорита, не отсюда ли такая тяга к горизонтально вытянутым форматам холста? Во многих композициях с панорамным охватом изображаемого мотива царят философски-отрешенные, созерцательные состояния тишины и покоя.

В произведениях 60-70х годов художник замыкает широкую водную гладь приближающимися к переднему плану силуэтами массивных гор и обледенелых скал, у подножья которых ютятся северные поселки. Усиливается впечатление суровости и величественности сибирской природы, изменяется манера письма, становясь более рельефной, густой, сочной. Но есть река и другая, обжитая, близкая человеку, вечная труженица и кормилица, с зажатыми в ранних сибирских льдах кораблями в затонах, с яркими бакенами, со сверкающими в солнечных лучах мокрыми рыбацкими лодками, вытащенными на золотистые пески, сменяющими огоньками костров на ночных берегах.

В общении с ряузовскими пейзажами-картинами, такими как «Тундра. Береговые карги», «Тишина», «Цветы и камни», «Снега заледеневшие», «Заполярье. Хребты», отступают повседневная суета и мелкие помыслы, природа существует вне времени и неподвластно человеку. В изображенных бескрайних просторах, в сближенных тональных отношениях и сдержанно-строгих колористических гармониях есть что-то мистическое, притягивающее и завораживающее. Но отнюдь не чужды Ряузову и светлые лирические ноты. Как символы бесконечного обновления и радости жизни предстают живописные образы в работах «Ранний снег», «Начало весны», «Тишина», «Кедрушки», «Майская зелень», где нерасторжимо сливаются глубокая мудрость познания мира и искренняя взволнованность чувств.

Тема города, особый ритм его жизни, красота новых проспектов, и уникальность старинных зданий увлекла Бориса Ряузова уже в 90е гг. и около 30 лет была одной из основных. Поражаешься разнообразию мотивов и эмоциональных состояний в которых глубоко личностное образное восприятие и мастерство живописца преображают знакомые многим места. Окраины с прижимающимися друг к другу заснеженными домишками и дымками из труб воссоздают образ Красноярска, все более и более уходящий в прошлое. В пейзажах 60-80х гг. удивительно чутко, улавливается атмосфера жизни большого современного города. Немало у мастера и поэтичных исторических реконструкций с церквями и площадями, которые мы теперь можем узнать, лишь по старинным фотографиям. Навсегда запечатленные на больших и малых холстах живут и переливаются удивительные краски любимого художником города – светлые, прозрачные летом и застывшие тающие в морозной дымке зимой; мерцающие невысказанной тайной, полумистические ночью и легкие, праздничные в солнечный полдень.

Борис Ряузов – художник одного жанра, пейзажа. Но смысл его творчества неисчерпаем. Сегодня оно предстает перед нами во всем объеме, от первых до последних произведений, от эмоционально-открытых, написанных на одном порыве темпераментным, широким мазком этюдов до картин глубоко-продуманных, философски содержательных, со строго выстроенными композиционными и колористическими решениями. Полотна мастера с их отточенными живописными приемами и неповторимой индивидуальной цветовой палитрой, с их удивительно живой фактурой (от гладких, сплавленных в единую материю до вязких, рельефно-выступающих красочных поверхностей) всегда узнаваемы. Своей глубокой одухотворенностью ряузовская живопись показывает, как много может дать человеку природа с ее вечным движением, обновлением, непостижимой красотой и бесконечной мудростью.

При полной самоотдаче в творчестве Ряузов был глубоко убежден в необходимости участия художника в общественных делах: «Думаю, что каждый гражданин должен совмещать труд личный с трудом общественным». У самого Бориса Яковлевича это отнимало много времени и сил, но не мог подвести верящих в него людей. На протяжении десятков лет он был председателем правления Красноярского Союза художников, Членом правления Союза художников СССР, участвовал в работе различным выставкомов. Большой авторитет помогал ему решать житейские проблемы товарищей по искусству, поддерживать молодых художников. Неоднократно Ряузов поднимал вопросы о необходимости создания в Красноярске художественной галереи, организации творческих мастерских Академии художеств.

Сам мастер получал высокие звания и награды и творческая судьба Ряузова выглядит вполне благополучной. Но чем ближе соприкасаешься с его работами, вчитываешься в его дневники и записки, тем острее понимаешь, какое напряжение духовных и физических сил стоит за всем достигнутым. В пору творческой зрелости и всеобщего признания Ряузов говорил: «Были ли неудачи? Пожалуй, они всю творческую жизнь. Быть удовлетворенным созданным, сказать, что оно удачно, совершенно – значит, тормозить стремление, умолять напряжение. Надо лучше. Идеалы совершенного всегда впереди. Поиски путей к ним – счастье творческой жизни».

государственный педагогический институт. С 2005 г. является членом Союза художников Российской Федерации, постоянно участвует в выставках краевого и регионального уровня.

Большое значение в жизни художницы имеет Новоалтайское художественное училище. Ее учителями были С. К. Двойнос и А. П. Ботев, первые преподаватели училища, заложившие основы художественного образования на Алтае. Они во многом определили творческое кредо художницы, под их непосредственным влиянием сформировалась система ценностей, в которой ценностей, в которой центральное место занимает живопись.

В творчестве Л. Ю. Селезневой представлен весь спектр жанров живописи: натюрморт, пейзаж, портрет, сюжетно-тематическая картина. Темы и сюжеты ее работ просты, порой обыденны, но никогда не надуманны. Ее полотна всегда подкупают искренностью, они увидены, «списаны»с той среды, в которой живет сама художница.

В натюрмортах Лидии Юрьевны «царят» цветочные мотивы. Комнатные и садовые, эти цветы выращены самой художницей. Может быть, поэтому ей удалось перенести на холст особую витальность растительной жизни, продолжающейся вопреки срезанным стеблям («Маки», «Гладиолусы», «Астры», «Лилии», «Ромашки»). Неслучайно в столь напряженном колорите, построенном на сочетании темного ультрамарина с драматичными сполохами красных соцветий, изображены гладиолусы, отчаянно устремившиеся ввысь.

Пейзажная живопись Л. Ю. Селезневой продолжает традиции русской реалистической школы XX века, преобладающей в искусстве Алтая. В пейзаже ее характерной чертой является эпизодизм, позволяющий сохранить свежесть непосредственного восприятия природы. Одна из самых любимых тем художницы – благодатная природа Горного Алтая, куда она ежегодно выезжает на пленэрные практики со студентами, возвращаясь с десятками, а иногда и сотнями этюдов. В них могучие горы, высокое небо и быстрые реки «Русской Швейцарии» предстают в бесконечном многообразии обликов: в ненастный и солнечный день, ранним утром и поздним вечером.

Большое внимание Лидия Юрьевна уделяет портрету. В основном этот жанр в ее творчестве представлен этюдами и зарисовками, в которых создана целая портретная галерея студентов, коллег, соседей, друзей. Стремление создать законченный портретный образ несомненно в «Портрете художника В. А. Раменского» (2000г.).

Лидия Юрьевна – одна из немногих алтайских художников, кто стремится обобщить свои жизненные впечатления в сюжетно-тематической картине. Героями ее работ становятся «ближний круг» - семья, студенты, соседки. В небольшой картине «По секрету» (2002г.) изображены младшая дочь Надежда с подружкой, а в одном из последних холстов, «Затмении» (2011г.), - муж Саша, дочь Надя, внук Дима и сама художница. Поводом для создания полотна послужило затмение солнца, происходившее на Алтае в августе 2008 года. Холодноватый сумеречный колорит с доминантой темно-синих оттенков определен природной ситуацией (в момент затмения стало темно как ночью) и навевает настроение элегической печали. Однако сюжет картины не ограничивается рамками констатации факта и задачами группового портрета, выходя на вечную проблему отцов и детей. Все пластические и композиционные приемы призваны передать семейное единение: фигуры объединены общим колоритом, заключены в вертикально вытянутый формат холста, буквально слиты друг с другом, буквально вырастая одна из другой, подобно стволу дерева. Диссонанс взаимоотношений передается разнонаправленностью и разобщенностью взглядов и жестов. В то время как головы родителей запрокинуты к звездному небу, девушка собирает рюкзак, а мальчик смотрит на зрителя. Представители разных поколений с трудом понимают и принимают друг друга. Даже находясь в общем пространстве, каждый из них живет в своем мире. В картинах Лидии Юрьевны определяющую роль играет сюжет, рассказанный с помощью жеста, мимики, действия. В этом отношении она выступает продолжательницей традиций русского реализма, как в силу образования, так и личных пристрастий.

В отношении Лидии Селезневой к своим ученикам много материнского. Она нередко ругает их, даже кричит, хвалит и радуется их малым и большим успехам, искренне переживает за их печали и неудачи, как учебные, так и личные. Может быть, поэтому так много ее работ посвящено студентам училища - «В мастерской», «На пленере». В картине «Двое» (2006г.) тоже изображены выпускники Лидии Юрьевны. Их портретные черты, пластика движений достаточно легко узнаваемы. Однако, в образном строе картины заложено стремление создать обобщенный образ юности, одновременно подчеркнут современный и вечный в своей хрупкости, ранимости и романтической порывистости. На это работают холодноватый колорит, построенный на серебристых оттенках серого и голубого цветов, слегка удлиненные пропорции стройных фигур, влажный, омытый дождем тротуар.

Центральное место в творчестве Лидии Юрьевны занимает образ русской женщины. Его решение носит явно выраженный фольклорный оттенок, что отражено в названиях картин 2000-х годов («Парней так много холостых…», «Девочки, я замуж выхожу!», «О девичьем, о бабьем»), а также большой роли элементов традиционного женского крестьянского костюма (цветастые плати и сарафаны).

Основные черты этой темы вполне определились в работе конца 1990-х годов «Натурщица в национальном костюме». Она была написана вместе со студентами 4-ого курса. Ее постановочный характер обнаруживают случайные детали интерьера мастерской училища (батареи, прямоугольные окна). Однако, в этом холсте уже вполне оформившейся оказалась общая энергетика пышущей жизненной силой и оптимизмом полуфигуры, наполненное воздухом и рассеянным светом пространство и цветовой код, основу которого составляет контраст холодноватых серых тонов с теплыми охрами и акцентами красного и серого цветов. Эти находки получают развитие в картинах «Семечки» (2006г.) и «Лучик» (2008г.). В них несомненной является преемственность традициям русского реализма начала XX века, в частности, женским образам Алексей Архипова и Филипп Малявина. Архиповский сдержанный колорит в них соединяется с вихревой стихией малявинских баб. Моделью для работ Лидии Юрьевны послужила ее соседка Лена. В картинах ее черты обретают обобщенный, даже вневременной характер. Укрупняя масштаб фигур в формате холстов, художница наполняет женские образы той отчаянной жизненной мощью, которая выражена в строках Николай Некрасов: «»Коня на скаку остановит, в горящую избу войдет…». В XXI веке с его бурно развивающимися технологиями, жизнь русских женщин в деревне остается в сущности неизменной. Как и прежде, они пестуют детей, которые наполняют светом обыденность, а когда отдыхают – лузгают семечки.

Стихийным движением женских образов во многом отражает некоторые особенности личности самой художницы, обладающей незаурядной энергией и взрывным темпераментом. Лидия Юрьевна и в жизни, и в творчестве в полной мере реализует данный ей потенциал. Она хранительница очага, мать и молодая бабушка. В ее большом доме всегда светло, тепло и уютно, и буйно растет множество цветов.

но судьба забросила его семью в Сибирь, в Абакан. Там он окончил художественную школу, предпочитая в живописи классический реализм. После дальнейшей учёбы в Иркутском училище искусств работал дизайнером спортивных товаров, художником по интерьеру и даже мастерил в одной из красноярских школ табуретки…

Возможность заняться любимым делом – живописью – появилась лишь в 1992 году. Распалась семья. Но на смену растерянности пришла неожиданная свобода. Художника увлекла космическая тематика. Кисть мастера не успевала за потоком фантазии, картины лились одна за другой, подобно непрерывному августовскому звездопаду… Работы щедро раздаривались друзьям, разлетались по городу, словно невиданные доселе птицы…

Первая персональная выставка «Цветные сны» состоялась в Красноярске в 1992 году, зал предоставил Центральный парк им. Горького. Изумлённые зрители стали свидетелями рождения чуда, которое невозможно вместить в термин «сюрреализм» – в картинах жила душа...

Выставки следовали одна за другой.

1993 год – «Приглашение в тонкий мир».

1994-й – вернисажи в московской галерее «Кузнецкий мост» и Зеленограде.

1995-й – «Окно среди зеркал».

1996-й – «Там, где нас ждут».

1997-й – «Облачные острова».

Его картины будоражили сознание. Казалось, будто всё это Сергей видел воочию! Кем он был? Одарённым художником, получившим соответствующее образование? Астральным путешественником в неведомые края? Каждая выставка – праздник. И каждая – новые работы! Статьи в газетах, сюжеты на телевидении, приглашения… Он спешил, будто предчувствуя, что судьба отвела ему слишком малый срок, и за несколько творчески спрессованных лет успел создать более двухсот пятидесяти ярких, тревожных и, можно сказать, глубоко философских произведений. «У лени шедевров нет!» – так говорил когда-то его любимый художник Сальвадор Дали.

Сергей Стеблин прожил лишь 41 год. Тяжёлая болезнь не пощадила талант и доброту, не дала шанса счастью… Он не успел воплотить на холсте всё задуманное, не успел издать альбом со своими картинами, не успел вступить в Союз художников, его картин нет в музеях… Но Красноярск продолжает помнить его! Друзья, предоставившие свои частные коллекции для экспозиции, посвящённой 60-летию со дня его рождения, верят: отведи ему судьба другой срок, стал бы он мировой величиной…

Текст: Н.Т. Омелко.

В ноябре 2017 года состоялась первая за двадцать лет выставка, после ухода художника. На экспозиции «Место, которого нет» были показаны работы из частных коллекций. В настоящее время поиск оригиналов картин и архивных материалов о Сергее Стеблине продолжается. С подобной информацией всегда можно обратиться через контакты Арт-галереи Романовых.

Набережные Челны. Член союза художников России с 2007 г. Живет и работает в Казани.

Участник ряда выставок: персональная выставка художника в Пекине (2003 г.), «Международная выставка Охота на Руси» (2004 г.), персональные выставки в Казани, (2004, 2005, 2006 гг.), ЦДХ, Татар-арт (2007 г.),
«Иное время года» Центр «Эрмитаж» Казань (2009 г.). В 2011 г. занял второе место в номинации «Пейзаж» на Art-week (Неделя российского искусства. Международный конкурс, Санкт-Петербург, ).

Альберт Тимришин виртуозно владеет техникой исполнения реалистического пейзажа масляными красками на холсте. Он создает жизненно правдивые, содержательные и типические образы природы, от которой веет спокойствием и невозмутимостью. Создается впечатление, что изображаемое им манящее к себе пространство пронизано теплым светом и воздухом, наполнено негой и блаженством.

Природа в его произведениях предстает перед зрителем утонченной и грациозной, спокойной и умиротворенной, она отмечена романтическими чертами. Живопись художника прозрачна и тепла. Смелые беспокойные мазки воссоздают свежесть и живую динамику красок природы, градацию света, изменчивое состояние световоздушной среды.

Присущие творчеству Тимришина тонкость письма, композиционная продуманность и выразительность небольших деталей завораживают зрителя. Все это, а так же красота световых нюансов создают общее ощущение уюта, близости и единения с природой и являются свидетельством отточенности мастерства художника.

Художник достигает высокого поэтического обобщения при сохранении точности в передаче деталей. Только настоящий мастер пейзажа способен видеть красоту простых и незатейливых уголков природы, которой он восхищается и которую воспевает в своих произведениях.

Набережные Челны. Член союза художников России с 2007 г. Живет и работает в Казани.

гражданин Таймыра (1999).

Родился в 1939 г. в фактории Усть-Боганида Авамского района Красноярского края в многодетной нганасанской семье. Имя, полученное ребенком при рождении, означает «счастливый». Уже в ранние годы Мотюмяку освоил охотничье и рыболовное ремесло. Но уже тогда у него проявлялась тяга к творчеству в виде первых рисунков, вырезанных на льду замерзшего озеро. Эти первые зарисовки животных и людей, маленьких сцен из жизни северного народа, стали предпосылкой дальнейших успехов в изобразительном искусстве.

Мотюмяку Турдагин обучался в Красноярском художественном училище им. В. И. Сурикова, и, хотя учеба шла хорошо, и начинающих художник проявлял большие успехи, окончить училище он не захотел, снова вернувшись на север. Однако с тех пор творчество стало неотъемлемой частью жизни Турдагина, он продолжал рисовать, принимать участие в конкурсах и народных фестивалях, встречался с художниками и учился у них.

С 1971 года Турдагин начинает работу в сувенирной мастерской, затем художником в окружном краеведческом музее, мастером сувенирного производства в молодежном центре ОК ВЛКСМ. Он так же был консультантом по вопросам культуры малочисленных народов Таймыра в акционерном обществе «Регион», научным сотрудником в Музее освоения и развития Норильского промышленного района, а с 1995 г. и до конца жизни — мастером по декоративно-прикладному искусству в Таймырском окружном центре народного творчества.

В 1988 г. ему было присвоено звание народного мастера России.

В 1999 г., в день 60-летия художника, ему было присвоено звание почетного гражданина Таймыра.

Скончался художник в 2002 г. в Дудинке.

Картины и гравюры Мотюмяку Турдагина хранятся в музеях и частных коллекциях Дудинки, Норильска, Красноярска, Москвы, Канады, Франции и Германии.

Художник Таймырского окружного центра народного творчества; родился 10 сентября 1939 г. в фактории Пайтурма Авамского района Красноярского края в крестьянской семье; в 1959 г. закончил обучение в Красноярском художественном училище им. В. И. Сурикова (неполный курс); в 1969-1970 гг. обучался в творческой мастерской В. И. Мешкова, г. Красноярск; в 1960-1963 гг. - пастух оленьего стада колхоза им. Ю. Гагарина; с 1963 по 1967 г. - заместитель бригадира оленеводческой бригады совхоза "Волочанский"; в 1967-1969 гг. - заведующий Красным чумом в фактории Пайтурма; с 1971 по 1985 г. - мастер сувенирного цеха, промысловик совхоза, п. Волочанка; с 1985 г. - художник окружного центра народного творчества, г. Дудинка; член Союза художников Российской Федерации; народный мастер РСФСР (1988); почетный гражданин Таймыра.

3 августа не стало нганасанского художника Мотюмяку Сочуптеевича Турдагина. Совсем немного он не дожил до своего 63-летия. Культура Таймыра, культура Красноярского края, культура России потеряла самобытного классика. Мотюмяку Турдагин родился в сентябре 1939 года в многодетной семье нганасанина Сочупте. Родители назвали мальчика Мотюмяку, что значит "счастливый". И он был действительно счастлив: природа наградила его талантом. Талантом рисовать, выражая свои мысли и чувства. Родная авамская тундра, быт и обычаи промысловиков, были отображены в творчестве художника. Здесь он прожил всю жизнь, творил, воспитывал детей. Мотюмяку Сочуптеевич Турдагин известен, в первую очередь, как художник-график, автор линогравюр, офортов, рисунков тушью или карандашом, акварелей. Работы Турдагина - ценнейший материал и для этнографов, изучающих быт и культуру нганасан. Его рисунки - целая энциклопедия изображений северного оленя. В августе 1988 года за серию работ в жанре декоративно-прикладного искусства Комиссия Союза художников СССР и Художественный фонд РСФСР присваивают Турдагину звание Народного мастера России. Его картины выставляются в музеях и картинных галереях Москвы, Красноярска, Германии, Канады, проходят крупные персональные выставки, графическими работами художника иллюстрируются книги и периодические издания. Творчество Мотюмяку Турдагина живет, и будет жить вечно, а его имя навсегда останется в памяти потомков.

искусства).

С 2001 г. член Московского Союза Художников (секция скульптуры).

Занятия: скульптура, графика, объекты.

Регулярный участник выставок МСХ (Дом Художника на Кузнецком Мосту).

Важнейшие коллективные выставки:

- Международный фестиваль художественных проектов «Пойма времени».

Нижний Новгород, 2000.

- «Всероссийская молодёжная выставка». ЦДХ. Москва, 2001

- 5-я международная ярмарка современного искусства АРТ-МОСКВА’2001

(нон-профитная зона: проект «Пойма времени»). ЦДХ, Москва. 2001.

- Фестиваль «Музейный пикник 2001». Тольятти, 2001

- «Non-fiction №3». Выставка-ярмарка интеллектуальной книги. ЦДХ. Москва,

2002 (нон-профитная зона, проект «Антология Поднебесной»).

- Скульптурный симпозиум в парке «Музеон» около ЦДХ. Москва, 2002.

- «Москва глазами молодых». Новый Манеж, Москва, 2002.

- «Парапромыслы». Выставочный проект в рамках программы «Культурная

столица Поволжья». Чебоксары – Нижний Новгород, 2003.

- Выставка «70 лет МОСХ». Манеж, Москва, 2003.

- «Метаморфозы». Фестиваль художественных проектов. Центр АртАнгар,

Соловки, 2003

- «Географика». Выставочный проект в рамках программы «Культурная столица

Поволжья». Выставочный центр «Галерея», Ижевск, 2004.

- «Авторская книга-2». Государственный Центр современного искусства.

Москва, 2005.

- «Аполлинарий». Специальный выставочный проект. Международная книжная выставка-ярмарка

«Non-Fiction». ЦДХ. Москва, 2005. Проект также показывался в Челябинске, Екатеринбурге,

Нижнем Новгороде, Саратове, Перми.

- «НеоЛит. Современная русская книга художника на рубеже веков». Государственная Пермская

Картинная Галерея. Пермь, 2006.

- «Два/Три». Специальный выставочный проект. Международная книжная выставка-ярмарка «Non-

Fiction». ЦДХ. Москва, 2006. Проект также показывался в Екатеринбурге, Саратове, Перми, Туле.

- Выставка молодых членов МСХ на Кузнецком, 11. Москва, 2006.

- «10-й Московский международный Арт-Салон». ЦДХ. Москва 2007.

- «Всероссийская молодёжная выставка». ЦДХ. Москва, 2007.

- «75 лет МОСХ». Манеж. Москва, 2007.

- «75 лет МОСХ». ЦДХ. Москва, 2008.

- «Аварийный Люк 7». Галерея на Неглинной. Москва 2009.

- 30-я выставка молодых художников МСХ. Малый Манеж. Москва, 2009.

- «Спорт в искусстве» Малый Манеж. Москва. 2009.

- «Vita e Morte / Жизнь и Смерть». Музей и галереи современного искусства ЭРАРТА,Санкт-

Петербург; Gallery Arteelite, Milano, Italy; 2011

-«80 лет МОСХ». Манеж. Москва, 2012.

-«80 лет МОСХ». ЦДХ. Москва, 2013.

-«Байкал-КераМистика» международный симпозиум по керамике. Иркутск .2013

-"Московская керамика IV ", октябрь 2014, галерея "Беляево", г. Москва

-«Иллюзии» 5.09-16.11.2014, современная скульптура под открытым небом, Московский

объединённый музей заповедник «Коломенское», г. Москва

-«Метагеография» август 2014, фестиваль современного искусства «Чернозём», г.Воронеж

-«Деревянный зоопарк» август 2014. Симпозиум по скульптуре Государственный исторический музей-заповедник «Горки Ленинские»

-«Тяжёлое и лёгкое» лето 2014, Культурный центр ЗИЛ, г. Москва

-«Россия делает сама» ВВЦ павильон №26 новая экспозиция «Политехнического музея», г. Москва

-«Скульпторы Москвы» март-май 2014. Московский педагогический университет МПГУ.

-«Сон в зимнюю ночь» 29 декабря 2013 - январь 2014 Губернаторский дворец , г. Воронеж

благотворительного фонда В. Потанина. Передвижная музейная выставка по городам Поволжья:

-«Ниже Нижнего» – проект-победитель конкурса "Меняющийся музей в меняющемся мире" Казань, Вятка, Ижевск, Чебоксары, Саратов, Энгельс, Тольятти, Ульяновск. Февраль – ноябрь 2014

- симпозиум по металлу «Усольский историко-архитектурный музей» Усолье 2015

-"Препарированное пианино"(«Бесконечная дорога к… часть1») октябрь2015-декабрь2016 Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства г. Москва

-«Монументальный проект» Симпозиум по деревянной скульптуре ноябрь 2015г. Центр современного искусства КГФ

-Греция. Мои мгновения счастья». Январь 2016 галерея «На Каширке», г. Москва

- «Малая часть» Усольский историко-архитектурный музей г. Усолье 2016

-«Биеннале современной скульптуры» Московский государственный объединённый

музей-заповедник Коломенское-Лефортово-Измайлово-Люблино, июнь-сентябрь 2016

-симпозиум по художественной керамике "Байкал-КераМистика", Иркутск июнь 2016

Персональные выставки:

- Выставочный зал МСХ, Москва, 2005

- «Модели для сборки». Галерея «Ясная Поляна». Тула, 2008

- «Построения». Тульский историко-архивный музей, Тула, 2014

- «Пространство для двоих» галерея «Открытый клуб», Москва, 2014

Дипломы и награды:

- Диплом лауреату Всероссийского конкурса народного и декоративно-прикладного искусства

«Русь мастеровая» по теме «Художественная керамика» за создание художественного образа.

Москва, ВВЦ павильон «Культура», 2002

- диплом и медаль Московского союза художников «За заслуги в развитии изобразительного искусства»

России с 1995 г.

С 1977 по 1981 год учился в Новоалтайском художественном училище (преподаватель Мамонтов И.М.). В 1990 году окончил отделение станковой живописи Красноярского государственного художественного института. Учился у А.М. Знака, В.Н. Бычинского, Е.Н. Павлюченковой.

В 1990-1992 гг. работал художником-монументалистом в Барнаульском художественном фонде.

С 1981 по 1984 г. преподавал в ДХШ № 1 г. Барнаула. С 1992 по 2007 г. преподавал рисунок, живопись, композицию в Новосибирском государственном художественном училище.

С 1994 года принимает участие в региональных и областных выставках.

Награжден Почетной грамотой управления культуры администрации Новосибирской области (2003), благодарственным письмом представительства Росзарубежцентра в Дамаске (Сирия) за проведение персональной выставки (2004).

Произведения художника находятся в частной собственности в Австрии, Германии, Италии, Китае, Сирии, США.

Хорошая профессиональная подготовка, полученная художником во время учебы позволила ему за прошедшие 13 лет интересно развиваться творчески, совершенствуя мастерство. Представленные работы являют зрителям во многом обновленный облик живописца. Если вспомнить творчество предыдущих лет и, в частности, портреты, то в них нередко мастерство живописи не подкреплялось глубиной понимания характеров моделей, сопереживанием и раскрытием их индивидуальности. Сегодня в холстах появилась не только уверенность кисти, главным в них стала не демонстрация, а вживание в образ. Налет салонности и поверхностности чувствуется менее, работы стали сдержаннее и потому основательнее. Все сказанное в полной мере относится к большим парадным портретам ("Портрет Марины". 2001). Человек в портретах В. Хандрыкина стал другим, в первую очередь, более сложным, а потому интересным и притягательным для зрителя.

Впрочем, существует и иная, очень широко представленная на выставке, сторона творчества художника. Это небольшие по размерам пейзажные этюды с натуры и натюрморты, нередко дополненные пейзажным фоном. Эмоционально открытые, светлые, душевные, наполненные полнотой восприятия мира вокруг нас они привлекают умением художника увидеть и показать очарование любого состояния природы, каждого мига ее бытия. Радость жизни, многообразие ее проявлений воспроизводит художник на своих полотнах.

Р.И. Боровикова

искусствоведения Педагогического института Кайфэн (сейчас – Университет Искусств провинции Хэнань). В настоящее время является известным художником, одним из лучших преподавателей изобразительного искусства в Китае. В свое время он работал в Государственном рекламном арт-агентстве (руководил отделом дизайнеров-проектировщиков), много раз получал награды от Правительства Китая и был удостоен звания «выдающийся мастер искусства».

Хэ Суншань является членом Художественного комитета Китайской академии каллиграфии и живописи, членом Союза художников Китая, членом Китайского научного общества по китайской традиционной живописи, почетным председателем Общества деятелей искусства г. Син Ян (пров. Хэнань), а также он проходит программу повышения квалификации в Центральной Академии Художеств Китая.
Хэ Суншань является членом правления Международной Ассоциации художников и каллиграфов. Он в совершенстве владеет жанрами традиционной китайской живописи - на протяжении многих лет он занимался преподавательской и исследовательской деятельностью в этой области искусства, был учеником такого знаменитого мастера как Юй Цзигао; в своих работах он стремится к выразительности и «сочности», роскошности, изысканности, необычайной красоте. Среди изданного – «Сборник лучших произведений ХэСуншаня в жанре «цветы-птицы». Его биография включена во множество учебников и справочников о современных китайских художниках.
Произведения Хэ Суншаня участвовали во множестве национальных выставок, получали награды. В 1974г. произведение «Не возвращайся на старый путь» было выбрано для участия во Всекитайской художественной выставке, а в 1989 это произведение получило первый приз на художественной выставке провинции Хэнань; в 2005 произведение китайской традиционной живописи «Небеса расправляют рукава» получила серебряную медаль на мемориальной «Всекитайской выставке художников и каллиграфов», приуроченной к 60-летию победы в Антияпонской войне 1937 – 1945 гг. В том же году произведение «Долгая весна» получило серебряную медаль на Всекитайской выставке традиционной китайской живописи им. Сюй Бэйхуна, а также второе место на выставке, приуроченной к 46-й годовщине образования Китайского государства. Также, она была отмечена сообществом художников на выставке в честь проведения Олимпийских игр. В 2005 году в Африке, произведения Хэ Суншаня получили высшую награду «мира», в 2006 - золотую медаль «мира» во Франции. Изображения этих картин также использовались для оформления входных билетов и пригласительных на выставку. В 2007 году произведения Хэ Суншаня получили золотую медаль на выставке, приуроченной Году китайской культуры в России. Он сам был приглашен Правительством России прибыть в страну и принять участие в выставке, посвященной миру во всем мире, для того, чтобы именно он и положил начало культурному обмену между странами. Российская газета «Рабочий», некоторые специализированные издания, рассказывали о художнике и его работах, в том числе канал «Енисей», называя его «гостем президента Путина». Изящные, элегантные пионы на картине Хэ Суншаня стали подарком, преподнесенным китайской стороной Правительству России. Во время визита в Россию, Хэ Суншань встретился с председателем Правительства, а также с профессорами художественных вузов страны.

преподавателемв ДХШ г.Дивногорска,

1983-2003 директор ДХШ им.Е.А.Шепелевича г.Дивногорска.

2004г.Преподаватель ДХШ им.В.И.Сурикова

.Участник краевых,региональных,Всероссийских и зарубежных выставок.

Родился в 1950 году в селе Шалинское Манского района Красноярского края. Учился в Красноярском художественном училище им. Сурикова. Член Союза художников России с 1993 года. Живет и работает в Дивногорске и Красноярске.

Бытовая сцена в работе Владимира Ефремовича Чубченко («Большая стирка.Дивногорск») воспринимается как органическая часть городского пейзажа. Дивногорск, где художник провел значительную часть жизни, часто возникает в его произведениях. Он любит этот нестареющий город с его непосредственностью, свежестью, чистым воздухом. Мажорному настрою пейзажа, как нельзя более способствует декоративная живописная манера, идущая от владимирских художников, чью школу живописи художник хорошо знает и стремится продолжить в своих работах.

Осенний пейзаж, когда листва еще не опала с деревьев, и лес сохраняет свой уже не летний, но все еще помнящий тепло наряд, характерен для целого корпуса произведений художника, отличающихся тонкостью цветовых переходов. Скромные серебристо – серые и охристые оттенки передают очарование и неброскую красоту неяркого, но светлого осеннего дня («Осенний березы»).

С1993г.Член СХ России .

Награжден знаком за отличную работу Минестерством культуры СССР.

Медалью ордена"За заслуги перед Отечеством"2степени.

университета. Провел более 20-ти персональных выставок в Ижевске, Казани, Москве, Нью-Йорке Совместно с Румией Шадриной оформил спектакли Романа Виктюка «Бабочки» (театр Моссовета, Москва) и «Butterfly, butterfly» (театр Сатиры, Санкт-Петербург). Его работы «Любовники» и «День Святого Валентина» вошли во всероссийский каталог РОССИЯ – IX. В 2000 году включён в справочник Единого художественного рейтинга России. Член Союза художников России и Татарстана. В 2000-2004 годах повышает соё образование в аспирантуре Академии художеств России, руководитель Якупов Х.А.

В период обучения Александр Шадрин как и многие художники внимательно изучал историю мировой живописи, отличался огромной работоспособностью, много экспериментировал в различных живописных манерах, осмысливал и пропускал через себя философию каждого из художественных явлений: от древних наскальных росписей до авангарда и копировал классиков русской живописи XIX века, придавая этому огромное значение в своём образовании.

В 1994 году, написав пейзаж «Галаново» понимает, что это первая картина, исполненная в его собственной оригинальной манере, соответствующей только его творческому темпераменту и пониманию искусства. В этом же году, предчувствуя новую грань своего таланта, начинает многолетнюю работу над серией графических листов. Своё направление в искусстве называет ПЕРЦЕПТУАЛЬНЫМ (образно-чувственным).

С 1993 года начинает выставлять и продавать свои картины в галереях Ижевска, Казани, Москвы. Участвует в трёх международных «АРТ-САЛОНАХ», выставке «МОСКВА-САНКТ-ПЕТЕРБУРГ», всероссийской выставке «РОССИЯ», выставке «КЛАССИКА И СОВРЕМЕННОСТЬ» в ЦДХ и Манеже в Москве и других различных республиканских, российских и международных проектах.

С 2006 года проводит мастер-классы для художников и любителей искусства.
В течение шести часов маэстро, щедро делясь секретами своего мастерства, демонстрируя виртуозность своего таланта, так заряжает публику на творчество, что даже новички, впервые взявшие в руки кисти, с азартом пишут потрясающие по красоте и уровню исполнения картины, удивляясь своему внутреннему потенциалу, открывая для себя новые впечатления и унося, домой свои маленькие шедевры.

В 2010 году ПЕРВОЕ МЕСТО в конкурсе современного искусства «Russian Art-week» Москве.

В 2011 году участвовал в Фестивале славянского искусства (Россия, Украина, Белоруссия) Берлин. Занял первое и второе место в номинации «Сюжетная картина».

Натюрморты, пейзажи и портреты Александра выполнены в манере «а-ля-прима». Переливы тонов, тончайшее соединение и размещение цвета, сочный колорит, мягкие полутона – все это отличает произведения Александра. Они буквально наполнены солнечным светом.

художественную школу им. В.И. Сурикова.

Выпускница Красноярского художественного училище им. В.И. Сурикова, отделение живописи.

2007-2010 гг. – Красноярский государственный педагогический университет им. В.П. Астафьева, художественная графика.

С 1990 г. – художественный руководитель детской авторской студии «Арт-студия Натальи Шалиной».

Член Санкт-Петербургского Союза художников России.

График, живописец, поэт, прозаик. Автор и куратор выставок. Член студии ксилографии Германа Паштова. Член оргкомитета и куратор Международной биеннале графики в Санкт-Петербурге. Автор Международной Детской Биеннале графики в СПб. Куратор ежегодной выставки молодых художников Санкт-Петербурге «Надежда».

Награждена медалью за вклад в духовное развитие детей и молодежи и высокое педагогическое мастерство от управляющего делами Московской патриархии Митрополита Калужского и Боровского, Москва, Московский Патраархат, 2006 г. Медалью лауреата Международной биеннале графики в Санкт-Петербурге, 2006 г.

Лауреат благотворительного конкурса Государственного Русского музея «Лавка мира», 2009 г.

Натальи Шалина (Санкт-Пеербург).

Молодая талантливая художница Наталья Шалина родом из Красноярска. Наталья - график, живописец, подвижник, вдохновитель, идейный двигатель многих проектов. Член Союза художников России. В данный момент живет и работает в Санкт-Петербурге. Работы автора представляют собой пространственные объекты, выполненные в различных техниках, отличающиеся креативностью мышления, смелостью, мастерством, насыщенно-яркой колористической гаммой.

Инсталляция "У каждого своя лестница".

Лестница – символ связи между верхом и низом, между небом и землей, олицетворение постепенного подъема вверх. Третьему из великих патриархов Иакову по пути в Харран приснилась лестница, доходившая до самого неба, по которой вниз и вверх сновали ангелы. Лестница Иоанна стала символом восхождения от одной добродетели к другой, символом борьбы со страстями.

На эмблематическом уровне лестница, ведущая вверх, символизирует храбрость и смелость, а ведущая вниз связана с отрицательными характеристиками. Кроме того, лестница рассматривается как символ иерархии. Отсюда утвердилось выражение "продвигаться вверх по служебной лестнице".

училище (1981-1983) по специальности гончар-формовщик. Работала на Кунгурском керамическом заводе. Этот известный с екатерининских времен завод выпускал знаменитую столовую и чайную фарфоровую посуду, керамические панно и сувениры. В 1993 г. закончила Красноярский художественный институт (1987-1993), кафедру керамики. С 1985 г. участник художественных выставок. С 2000 г. является членом Московского объединения международного художественного фонда. С 2002 г. член Союза художников России. Доцент кафедры Искусствоедения и Культурологии Гуманитарного Института Сибирского Федерального Университета. Живет и работает в Красноярске.

Авторская керамика Светланы Шинкаренко, одного из ведущих керамистов Красноярского края, выполнена виртуозно, со знанием дела. Для изготовления своих работ мастер использует однажды найденную оригинальную форму, которая каждый раз дополняется, видоизменяется, а изделия, изготовленные по ней, находят свою индивидуальную расцветку. Одним из лейтмотивов ее творчества является старый Красноярск. Изучение его архитектуры, его традиций, его духа воплощено в керамических работах, таких как колокольчики-часовни, карандашницы с изображениями главных достопримечательностей города: Царь-рыба, Часовня, Здание на Стрелке, музеи и театры и просто старинные купеческие дома.

Так как керамика как самостоятельная техника является в первую очередь декоративно- прикладным видом искусства, то большинство изделий Светланы Шинкаренко имеют функциональное назначение.

В силу особенностей процесса обжига глины в печи, каждое изделие должно быть полым внутри, иначе при обжиге глина может треснуть. Светлана мастерски решает эту проблему в процессе своего творчества. Образы ее изделий становятся лаконичными и простыми, но в то же время в них есть нечто самобытное, они всегда узнаваемы. По округлым, плавным, отчасти забавным очертаниям зритель легко угадывает совушек и левушек, таинственные миражи с верблюдами, северных оленей с наездниками и яблоки с гранатами.

ВСЕ АВТОРЫ

Набоков Владимир

Выставка Продажа живописи Набокова Владимира

НаварроХорас

Выставка Продажа живописи Набокова Владимира

Налабардин Иннокентий Григорьевич

Выставка Продажа живописи

Налабардина Иннокентия Григорьевича

Никоненко Георгий

Выставка Продажа живописи Никоненко Георгия Васильевича

Ниточкин Виталий

Выставка Продажа картин (живопись) Ниточкина Виталия

Однолько Станислав

Выставка Продажа картин (живопись) Ниточкина Виталия

Овчинников Иван

Выставка Продажа графики Овчинникова Ивана Андреевича

Осипов Фёдор

Выставка Продажа графики Осипова Фёдора Прокопьевича

Остриков Виктор

Выставка Продажа графики Острикова Виктора Сергеевича

Остроушко Леонид

Выставка Продажа графики Остроушко Леонида Алексеевича

Отрошко Александр

Выставка Продажа живописи Александр Иванович Отрошко

Павленкович Андрей

Выставка Продажа живописи Павленкович Андрея Алексеевича

Панин Юрий

Выставка Продажа живописи Панин Юрий Николаевичв Арт-галерее Романовых

Песегов Валерий

Выставка Продажа живописи графики Песегова Валерия Анатольевича

Пилипчук Валерий

Выставка Продажа живописи графики Пилипчук Валерий

Поздеев Андрей

Выставка Продажа живописи Андрея Поздеева

Пономарёва Любовь

Выставка Продажа живописи Понамарёва Любовь Николаевна

Попечец Сергей

Выставка Продажа живописи графики Попечец Сергей

Попов В.Ф.

Выставка Продажа живописи графики Попечец Сергей

ПоповЮ

Выставка Продажа живописи графики Попечец Сергей

Попп Александр

Выставка Продажа живописи графики Попп Александр Александрович

Потапов Сергей

Выставка Продажа живописи Потапов Сергей купить картину

Прохоров Эраст

Выставка Продажа живописи графики Эраст ПрохоровКупить картину. Упакуем, доставим.

Решетников Александр

Выставка Продажа живописи графики Решетников Александр

Роганов Иван

Выставка Продажа живописи графики Роганов Иван Гаврилович купить графику

Роганов Станислав

Выставка Продажа живописи Роганова Станислава

Росляков Валерий

Выставка Продажа живописи Роганова Станислава

Ройтер Михаил

Выставка Продажа графики Ройтер Михаил

Россик Иван

Выставка Продажа живописи Россик Иван Игнатьевич

Руднев Максим

Выставка Продажа живописи Россик Иван Игнатьевич

Рыбаков Николай

Выставка Продажа живописи Рыбаков Николай

Ряннель Тойво

Выставка Продажа живописи Ряннель Тойво Васильевич

Ряузов Николай

Выставка Продажа живописи Ряузов Борис Яковлевичкупить картину в Арт-галерее Романовых

Ряузов Борис

Выставка Продажа живописи Ряузов Борис Яковлевичкупить картину в Арт-галерее Романовых

Ряузова Надежда

Выставка Продажа живописи Ряузова Надежда

Ряузова Нина

Выставка Продажа живописи Ряузова НинаВы можете купить картину Нины Ряузовой в Красноярске

Сабиров Альфиз

Альфиз Сабиров

Выставка Продажа скульптуры Альфиз Сабиров

Сальников Николай

Выставка Продажа живописи графики керамики скульптуры офорт

Севергина Галина

Выставка Продажа живописи Панин Юрий Николаевич
в Арт-галерее Романовых

Выставка Продажа живописи графики Эраст Прохоров
Купить картину. Упакуем, доставим.

Выставка Продажа живописи Ряузов Борис Яковлевич
купить картину в Арт-галерее Романовых

Выставка Продажа живописи Ряузов Борис Яковлевич
купить картину в Арт-галерее Романовых

Выставка Продажа живописи Ряузова Нина
Вы можете купить картину Нины Ряузовой в Красноярске

Выставка Продажа живописи Августа Тарнавская
Вы можете приобрести живопись в Арт-галерее Романовых

Выставка Продажа живописи Александр Шадрин
купить картину в Арт-галерее Романовых